Habitación Vudú

February 15, 2019, 3:26 pm

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Habitación Vudú es una formación de A Limia (Ourense) en la que nos encontramos a José Freiria (guitarra y voz), Justo Freiria (batería), Rubén Seoane (bajo) e [grupo slug="isidro-vidal"]Isidro Vidal[/grupo] (guitarras). “Este proyecto nace sobre 2011 después de que mi hermano Justo y yo,José Freiria, decidiésemos dar orden a una serie de ideas que teníamos compuestas. Sí que es verdad que nosotros dos llevamos ligados al mundo de la música muchos años. Tanto en grupos en nuestra adolescencia, como profesionalmente trabajando en el campo de la producción de espectáculos. Con la llegada de Rubén Seoane, un amigo nuestro que toca el bajo, se establece la base de Habitación Vudú que ha ido tomando forma con diferentes incorporaciones a lo largo de los años” explica José. Con respecto a la elección del nombre afirman que “nos gustó el juego de palabras en alusión al disco de The Rolling Stones ‘Voodoo Lounge’ (Virgin, 1994), tan simple como eso”. Practican un pop rock con cadencia alternativa que bebe de muchas fuentes: “muchas la verdad. Estar ligados a este mundo y ver mucha música en directo a lo largo de nuestras vidas, influye desde muchos estilos diferentes. Sí que es verdad que la base del rock está siempre en nuestros temas, después nos han dicho de todo, te pareces a…”. Su primer trabajo es el EP [disco slug="flores-falsas"]"Flores Falsas" (Audiomatic, 2015)[/disco]. Un trabajo grabado en Esteroarte Estudios (Vigo) con Luis Antelo a la producción y la colaboración del reconocido músico [grupo slug="pablo-novoa"]Pablo Novoa[/grupo] ([grupo slug="golpes-bajos"]Golpes Bajos[/grupo]), entre otros. “La idea era mostrar al mundo lo que teníamos guardado. La grabación fue una inmensa masterclass. Creo que ahí nos dimos cuenta de que si poníamos esa piedra, era para trabajar el resto de nuestras vidas con esa visión de las canciones, de tratar el sonido y de mostrar lo que somos”. Con respecto a la colaboración de Pablo Novoa comentan que “hablar de Pablo Novoa es hablar de alguien muy grande a todos los niveles. Nos conocíamos del mundillo y se lo comentamos. Creíamos que nos hacía falta una visión externa y cualificada de la configuración de los temas y fue realmente gratificante. Fue lo más fácil del mundo, porque Pablo, como gran profesional que es, te dice que no intentes cantar como, ó tocar como. Te dice, para grabar canta como tú cantas y toca como tú tocas. La gente percibirá esa sinceridad cuando escuche vuestra música y eso se valora”. En 2018 llega un nuevo EP, [disco slug="en-el-aire"]"En el Aire" (Autoproducido, 2018)[/disco]. Un trabajo en el que parece que se sienten más cómodos y se percibe una consolidación del sonido... “Pues sí, creo que se aprecia un cambio de uno a otro trabajo en muchos campos. Tenemos más claras cosas en cuanto a lo que queremos contar, tratamos el sonido de otra manera, la base de la banda está más asentada, etc.. Luis Antelo, nuestro productor tuvo muy claro desde el principio que este trabajo debería llevar ese cuño, nos pusimos en sus manos y trabajar con el que es la persona más sincera del mundo a la hora de decirte las cosas, te pone más firme delante de los retos que pretendes conseguir. La verdad es que estamos encantados”.

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Natos y Waor

February 28, 2019, 10:25 am

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Pocas veces se ha sabido componer de manera tan acertada la banda sonora de esos jóvenes de barrio cuyo universo se ve limitado a las casas de apuestas deportivas, los muros de graffitti, las motos y los coches tuneados como lo han hecho Natos y Waor. Los vaqueros ajustados, los pendientes de aro, los tatuajes, las ojeras permanentes como resultado de las resacas de drogas y alcohol y esa eterna sensación de vacío constante con el que llenar el día a día, han sido el material sobre el que este dúo de rap madrileño ha compuesto gran parte de su repertorio. Con esa conexión y una acertadísima variedad en la selección instrumental el grupo ha pasado en cuestión de años de las batallas de gallos en okupas y parques a llenar grandes recintos tanto aquí como al otro lado del Atlántico. Surgidos del underground madrileño son una de las bandas responsables del gran salto que ha dado el rap, instalándose en un formato que las grandes audiencias han empezado a saber digerir. Cuando Gonzalo Cidre -Natos-, nacido en Buenos Aires, y Fernando Hisado -Waor-, natural del barrio de Aluche en Madrid, se deciden a grabar, casi a modo de diversión, algunos temas de hip-hop, adoptan como nombre los alias que habitualmente utilizan como graffiteros. Se han conocido en el circuito de batallas y peleas de gallos que enfrentaban a los más aficionados más decididos del free style, el rapeo improvisado alrededor de litronas en parques y garitos pequeños. Waor contaba a Mowlihawk en la entrevista en lo que daban vueltas en un coche, que fue con Natos con quien encontró mayor afinidad desde un principio. Tras probar con grabaciones de temas aislados comprueban que se sienten a gusto y que los temas funcionan. Incluyendo ritmos tomados de internet acompañan las letras que componen y dejan lista su primera maqueta “Por la Jeta” (2011). Lo hacen acompañados por algún otro amigo, como Dave (para “Por la jeta” y “A caraperro”) y Ramos, Inkogni, Sunk, Dave y Basek, que les ayudan con el micro para “A caraperro”. “Cuando estábamos grabando la primera maqueta sabíamos un poco que a la peña le iba a gustar. Ese rollo muy punkie de botellón, rave, fiesta, alcohol, chicas, desamor”. Tras ese primer debut, repetirían al poco tiempo con la grabación de otros 9 temas que englobarían en “Catarsis” (2012). En esta ocasión trabajan en el estudio de hip hop instalado en el centro social okupado La Traba del barrio de Legazpi en Madrid y, además de las colaboraciones puntuales de Doser, Ramos y Cool, compartiendo micrófono para los fraseos, tendrán la producción musical de Lasio, que es quien se encarga de la parte instrumental de la práctica totalidad de los cortes. La nueva maqueta vería la luz en febrero de 2012. Letras desafiantes y chulescas que sirven como perfecta tarjeta de presentación, que funcionan a las mil maravillas, conectando con el cada vez más numeroso público que sabe de ellos. “Creo que estuvimos en el lugar adecuado y en el momento adecuado, y haciendo un producto con pocos medios pero creo que de calidad” contaba Waor. “Era una época en el que estaba surgiendo el underground madrileño, un rap más barriero, que no hablaba tanto de ostentar”. Y precisamente como presentación editaron un videoclip como adelanto de la maqueta entonces en preparación. En el mismo, se podía ver al grupo tocando frente a una multitud en un escenario del centro okupado. Iniciaban así un más que fructífero formato con el que hacer llegar sus canciones. Conscientes de la importancia del apoyo de la imagen, sería éste un apartado que cuidarían con mimo desde entonces: “Un tema con un video va a tener más que ese tema sin visual”, concedían cuando debatían la cuestión de los videos con relación a las canciones en la entrevista con Hip Hop Life. Pocos meses después, consolidan la colaboración con Jorge –[grupo slug="cool"]Cool[/grupo]-, que posteriormente cambiaría su nombre por el de Recycled J, preparando cinco temas editados en la maqueta [disco slug="hijos-de-la-ruina"]“Hijos de la Ruina” (Autoproducido, 2012)[/disco]. La nueva entrega vería la luz bajo la autoría de los tres (Natos, Waor y Cool) en noviembre de 2012 con una portada diseñada por María Dissolved y con el logo de La Traba. El trabajo conjunto con Cool venía a significar la posibilidad de trabajar un sonido algo distinto al desarrollado hasta entonces: “Jorge aporta a Hijos de la Ruina un registro al que nosotros no podemos llegar, porque no nos da la voz pa’ tanto. Me gusta la combinación”, decía Waor en una entrevista para el portal Hip Hop Life. La música del dúo llega cada vez mejor a más gente. Se mueven de forma totalmente autogestionada, con todo el esfuerzo que ello conlleva. Como por ejemplo, cuando en aquella ocasión que fueron a Gijón, en la que supuso una de las primeras salidas de Madrid para actuar, y en la que  ellos mismos se ocupaban de poner los sellos en las entradas al local. “Imprimíamos nosotros las entradas, se las mandábamos a los puntos de venta, llamábamos a las salas, negociábamos nosotros los cachés… De locos. Picaba yo las entradas en la puerta y de allí al escenario” contaba Waor en el BatMowli. En ese mismo concierto en Asturias fue cuando conocieron a Carlos, su mánager desde entonces. Él se encargaba aquellos días de organizar en Gijón también el concierto de un artista de mayor renombre que, sin embargo, tuvo que suspender porque no había conseguido una venta de entradas razonable. Natos y Waor, en cambio, ese mismo día, habían hecho un pase doble en otra sala agotando las suyas en las dos ocasiones. El hecho no pasó desapercibido al promotor que se reunió con ellos y acordaron trabajar juntos. En febrero de 2014 editan [disco slug="caja-negra"]“Caja Negra” (Autoproducido, 2014),[/disco] debut discográfico propiamente dicho tras las maquetas iniciales. Lo grabaron en los estudios El Mundo es Tuyo con Are ([grupo slug="chakal-clik"]Chakal Clik[/grupo]) al cargo de todas las cuestiones técnicas. Ayudados en los fraseos de algunos de los temas y una producción musical en la que se adivinan las ganas de ir incorporando una mayor riqueza de elementos de lo habitual, Natos y Waor logran un retrato amargo en el que abundan, sobre todo, el blanco y negro con el que está compuesta la portada. Letras escritas por quienes se mantienen vivos a duras penas, supervivientes de un proceso casi autodestructivo que mezcla droga y alcohol cada fin de semana y que lleva a resacas insoportables. Vacíos del alma que no terminan por llenarse a pesar de todo ello, y la consabida autosuficiencia chulesca de autoafirmación del rap completan un coctail difícilmente superable como universo compositivo. "Maquiavelo", uno de los cortes incluidos, puede pasar por uno de los mejores temas de esta primera etapa del grupo- A finales de 2014 comienzan con la edición de lo que llamarían Barras Bravas, videoclips en los que bien por separado o en conjunto dejan grabados temas que no necesariamente se podrán encontrar en los discos que van editando. El primero de la serie fue [disco slug="cabalas"]“Cábalas” (Autoproducido, 2014)[/disco] con producción musical de Pablo Gareta y realización audiovisual a cargo de Iberican Ham Producciones. Antes de que terminara el año, el dúo tenía ya en la red los videos correspondientes a los volúmenes 2 y 3: [disco slug="5-estrellas"]“5 Estrellas” (Autoproducido, 2014)[/disco] y [disco slug="miedo-y-asco"]“Miedo y asco” (Autoproducido, 2014)[/disco], respectivamente. Tras la edición de “Caja Negra” el dúo dio unas 50 actuaciones, aunque al mes de ver la luz empezaban ya a dejar grabados los primeros temas del que sería su siguiente trabajo. El verdadero punto de inflexión en la trayectoria del grupo llegaría con [disco slug="martes-13"]"Martes 13" (Autoproducido, 2015)[/disco] que les valió el Premio de la Música Independiente a mejor disco de Rap en 2015. “Es sin duda el proyecto al que más dedicación, trabajo, cariño y dinero” comentaba Natos. Para el mismo contaron con la colaboración en el apartado musical de un importante elenco de productores que permitieron al dúo abrir enormemente el estilo que trabajaron. Las firmas de Ikki, Pablo Gareta o P. Songolo. “Sentíamos la necesidad de dar un paso adelante en cuanto a variedad y calidad en los ritmos y en cuanto a seriedad” comentaba Waor. “Creemos haber evolucionado en la dirección adecuada”. Para Mondo Sonoro mantenía que el objetivo era cambiar el hecho de “sonar muy lineal en todas las canciones, con entonaciones muy parecidas y demasiado tranquilote todo”. La variedad de productores responde a su preferencia por no restringirse a un único sonido: “Somos muy exigentes con los instrumentales y si tuviésemos un solo productor le volveríamos loco, ¡estaría esclavizado!”, contaban en la entrevista. “El 90% de las instrumentales que nos pasan no nos convecen, por eso preferimos contar con muchas donde poder elegir” explicaban. Con la elección de más de una persona logran que “haya sonidos de varios tipos, diferentes estilos que sin embargo sigan una misma línea”. El gran logro de la banda radica en que todos los nuevos sonidos que introducen al experimentar tiene una buena acogida entre sus seguidores: “A nosotros nos enriquece como artistas, pero obviamente, es un riesgo. Salirte de la fórmula te lleva casi a enfrentarte con tus fans, y que se pregunten cuál es la deriva que estamos tomando”. Colaborando al micrófono contaron con [grupo slug="suite-soprano"]Suite Soprano[/grupo] (“sin duda una las personas que mejor escribe de esta movida”), Chamán (“músico completo, hombre orquesta”), Costa (“Actitud, contundencia. Diferente a todo”) y el inseparable [grupo slug="recycled-j"]Recycled J[/grupo], el nuevo alias de Cool (“versatilidad, gran voz y un corazón enorme”). En el disco participó el grupo holandés Dope D.O.D. con los que frasean en el tema “Wild west”. Tras coincidir con ellos en varios festivales llegaron a tener “algo de trato” con ellos “dentro de las limitaciones que pone el idioma” Los madrileños no veían que la colaboración les fuera a reportar una mayor repercusión internacional: “No lo creo, la barrera del idioma es difícil de saltar” decían, sino que se quedaban, sobre todo, con la “gran satisfacción personal” que les produjo. Para el tema “Promiscuidad” pidieron a MRK, encargado de la música y producción que incluyera “un diálogo del tipo que tendrían dos personas que acaban de acostarse pero que no se conocen demasiado”. Como resultado les trajo material de “Un Paseo para Recordar” (2002) de Adam Shankman. Junto a “Martes 13”, Natos y Waor trabajaron su Barras Bravas, editando los volúmenes del número 4 al 6: [disco slug="karma"]“Karma” (Autoproducido, 2015)[/disco], [disco slug="quien-soy"]“Quién Soy” (Autoproducido, 2015)[/disco] y [disco slug="gloria"]“Gloria” (Autoproducido, 2015)[/disco]. Una de las características más reseñables de la trayectoria de Natos y Waor es el hecho de que todo el éxito que han cosechado se ha logrado sin el apoyo de ninguna compañía discográfica alguna. “El no haber firmado con una discográfica no es sólo una cuestión de dinero, sino de libertades. Ser dueños de nuestra música, tomar todas las decisiones, decidir el momento y la manera de hacer las cosas”, indicaban en una entrevista con la revista Mondo Sonoro. Confesado que ninguna de las propuestas que les había llegado se acercaba a “lo más mínimo” que tenían en mente, sostenían querer seguir siendo independientes hasta que tuvieran una oferta realmente convincente. Eso sí, son conscientes de a qué se debe parte del éxito de dicha autogestión: “Internet es el gran culpable de que nosotros podamos ser independientes”, contaban en entrevista. Es precisamente gracias a la capacidad de las redes sociales y a la difusión por la red que “el rap ha dejado de ser una música exclusivamente de raperos”. Así lo manifestaban para El Periódico, en una entrevista en la que además declaraban que: “El rap da voz a quien no la tenía y eso es un peligro según para quién”. De cualquier forma, aclaran que la suya no es una propuesta con contenido de crítica política: “Hay muchos grupos cuyo fuerte es la conciencia social. Nuestra música no es especialmente comprometida en ese sentido”. Aclaran por dónde apuntan sus letras: “Escribimos sobre las cosas que nos pasan en el día a día y creo que eso también es parte de nuestro éxito, que la gente empatiza con lo que nosotros escribimos y se siente identificada”. Garantizada la fidelidad a sí mismos sostienen una de las claves que parecen garantizar la autenticidad de sus letras: “Escribimos por mero desahogo”. Natos y Waor retomarían la colaboración Recycled J editando una segunda parte del “Hijos de la Ruina” que firmaron con él años atrás. Aunque los tres implicados hablaron efectivamente de que el nuevo disco tenía algo de continuación, resaltaban sin embargo “Son capítulos independientes. Hicimos lo que queríamos, ni más ni menos”. [disco slug="hijos-de-la-ruina-vol-2"]“Hijos de la Ruina vol. 2” (Autoproducido, 2016)[/disco] hablaba sobre todo de las posibilidades de la colaboración entre artistas creando un espacio en el que innovar con respecto a sus proyectos por separado. Hasta cinco volúmenes nuevos (del 7 al 10) entregaron en 2016 de sus video-sencillos [disco slug="rara-avis"]“Rara Avis” (Autoproducido, 2016)[/disco], [disco slug="por-ti_natos-y-waor"]“Por Ti” (Autoproducido, 2016)[/disco], [disco slug="cheque-en-blanco_natos-y-waor"]“Cheque en Blanco” (Autoproducido, 2016)[/disco], y [disco slug="elegante"]“Elegante” (Autoproducido, 2016)[/disco]. Ya hacía tiempo que las reproducciones de los vídeos de su canal de YouTube superaban y con creces cifras millonarias. El grupo aprovechó en 2017 para preparar el camino para giras futuras con las que presentarse en el mercado americano. Asimismo se mantuvieron activos a la hora de presentar nuevo material en su serie de Barras Bravas con [disco slug="terciopelo"]“Terciopelo” (Autoproducido, 2017)[/disco], “[disco slug="calavera-no-chilla"]Calavera no Chilla“Autoproducido, 2017)[/disco] y [disco slug="botella-para-dos"]“Botella para Dos” (Autoproducido, 2017)[/disco], volúmenes 11, 12 y 13, respectivamente. [disco slug="cicatrices"]“Cicatrices” (Autoproducido, 2018)[/disco], su siguiente disco, vio la luz en febrero de 2018 y batió todas las marcas logradas hasta entonces, siendo durante más de seis semanas seguidas el disco más escuchado en plataformas digitales como Spotify. Grabado por Domin ([grupo slug="ruina-negra"]Ruina Negra[/grupo]) y Pablo Gareta en MalaVida Records, los estudios de Fuenlabrada, recogía la participación igualmente de Ikki, Lasio o Saik … con la que se garantizaban el envoltorio musical ideal con el que hacer de su rap algo diferente a lo habitual, con ese punto entre nostálgico, intrigante y trascendente que les distingue. En alguna ocasión han sostenido que no se consideran un grupo que haya explotado por un tema en concreto, por haber dado con la tecla con ese hit irresistible que encumbra a una banda ya de manera definitiva. Lo suyo, dicen, responde más bien a una progresión ascendente resultado de mucho trabajo. Pero con todo, si hubiera algo cercano a esa canción que definiera el potencial que sin duda tienen para ir más allá de la simple canción para componer verdaderas crónicas que llegan directas a toda una generación de jóvenes, sencillamente porque les cuenta lo que les toca vivir día a día, sería “Generación perdida”. El grupo confiesa sentir esta comunión del público con la letra de muchas de sus canciones: “Se sienten identificados porque contamos las cosas con un lenguaje muy de barrio, el que utilizan los chavales. Hablamos de cosas cotidianas que le pueden pasar a cualquiera. La gente se sabe las canciones de pe a pa, y en un concierto de rap no suele ser lo habitual, porque las letras suelen ser más densas”, contaban en el Mondo Sonoro. El 7 de abril de 2018 congregaron a más de once mil personas en el Palacio de Vista Alegre de Madrid, en un concierto que además se emitía en directo por streaming. Hicieron lo propio en el Sant Jordi Club de Barcelona una semana después. “Hemos pasado de dar conciertos en casas okupas y tener unos medios más bien precarios a hacer los mejores números del panorama”, manifestaban orgullosos para El Periódico. Unos meses después saltaban a Argentina donde tocarían en el Palermo Club de Buenos Aires el día 22 de junio. En julio de ese mismo año, actuaron en la Latin Alternative Music Conference (LAMC) de Nueva York (EE.UU.) y en Ciudad de México, certificando el buen momento de forma del grupo, capaz de exportar con todas las garantías su música y despertando similar respuesta en el público transoceánico. La entrega de Barras Bravas durante el 2018 llegaría en diciembre, con la edición primero de [disco slug="hustlers"]“Hustlers” (Autoproducido, 2018)[/disco] y de [disco slug="icaro"]“Ícaro” (Autoproducido, 2018)[/disco]. En la primera contaban con música de Blasfem, y en la última de Pablo Gareta utilizaban el mito griego como referente a su situación en lo alto en comparación con el resto de bandas del género: “Es una manera de chulear” comentaban al respecto de la manifestación de tener “a la competencia a dos velas” que se hacía en la letra. “El rap es vacilar, y ahora que podemos hacerlo, lo aprovechamos mientras dure”. Eso sí, aseguraban tener la cabeza bien puesta: “Ahora parecemos unas putas estrellas y todos quieren estar a tu lado y hacerse la foto, pero a ver cuando vengan las vacas flacas si la gente sigue ahí”. El dúo seguiría firmemente instalado en el circuito de grandes festivales, siendo por ejemplo cabezas de cartel del Fitur es Música, el festival organizado en paralelo a la gran feria de turismo celebrada en la capital madrileña, en la jornada del 25 de enero. Junto a ellos aparecían, entre otros, Denom, Cruz Cafuné o The Zombie Kids. La ascensión al cielo del rap de Natos y Waor es imparable.

Los Tricolores

March 6, 2019, 4:58 am

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El origen de Los Tricolores lo encontramos en el Dúo Júgar formado en 1961 en León por Luis Juárez (percusiones) -conocido como el "Negro de Azadinos"- y Jesús "Joyas" García (acordeón). El nombre del grupo viene de la primera sílaba de sus apellidos, y son uno de los primeros conjuntos de música moderna de la capital leonesa. Su repertorio se basa en boleros, chachachás, swings, foxtrots y temas rock, habitual para la época, y lo que solían manejar las orquestas locales que contaban con un número de componentes mucho mayor que ellos. A pesar de esto, el dúo encuentra su acomodo en los cafés-conciertos, sociedades y casinos de su ciudad, donde van actuando con frecuencia. Luis aprende a tocar la batería de forma autodidacta, escuchando a otros músicos que pasaban por la sala de fiestas que su padre tenía en la localidad de Azadinos. Jesús, por su parte, se había iniciado como instrumentista en los años 50, en unas sesiones celebradas las tardes de los sábados en el salón de actos del sindicato Organización Sindical Española. Al calor de estos bailes aparecieron con fuerza las sesiones de dos emisoras locales de radio –La Voz de León y Radio León- donde se repartían premios a diferentes categorías, y que reorientaron aquellas concentraciones de artistas aficionados. Posteriormente, otras salas de fiestas surgen en la ciudad como la sociedad Nuevo Recreo Industrial, en la Plaza San Marcelo. En 1961, el dúo se traslada a la capital, donde son contratados para actuar en los 6 Días Ciclistas de Madrid, evento celebrado en el Palacio de los Deportes. Allí se dan cuenta que se estaban quedando atrás con su repertorio, ya que el público está más interesado en música más moderna como The Beatles, Elvis Presley, The Everly Brothers, Paul Anka o el [grupo slug="duo-dinamico"]Dúo Dinámico[/grupo]. De este modo deciden incorporar un tercer miembro al grupo en la figura de José, un sevillano que se encargará de la guitarra eléctrica y de la voz. José era especialista en temas de Paul Anka y el Dúo Dinámico y, al encajar perfectamente con lo que buscaban los leoneses, deciden cambiarse el nombre por el de Los Tricolores. José estará con ellos hasta que Luis y Jesús deciden regresar a León. A su vuelta deciden unirse a Germán Robles y Marcelino Riera, excomponentes de [grupo slug="Los-Megatones"]Los Megatones[/grupo] -que también habían estado en Madrid y tenían el grupo medio desarmado-. Como eran dos tricolores y dos megatones el nombre del grupo estaba por decidir y, ante la clara falta de quorum, es una moneda la que acuerda que el nombre del cuarteto será Los Tricolores. Son contratados por el cabaret Sirocco, situado entre León y San Andrés de Rabanedo, que acababa de ser renovado y donde actúan durante meses. Gracias a ello, Jesús se compra su primer órgano electrónico, un Farfisa Mini Compact, que simultanea con el acordeón durante las actuaciones. También deciden incorporar un quinto tricolor en la figura de José María Álvarez, "Avilés" (clarinete, saxo). Ya como quinteto, emprenden una gira por diferentes ciudades de Marruecos que repetirán al año siguiente, por salas, clubs y cabarets de Rabat, Tetuán, Tánger, Casablanca o Marrakech. José María abandona la formación poco tiempo después, y el grupo incorpora al saxofonista José Pertejo, un leonés al que conocen durante la gira por el país magrebí. Con esta formación, se presentan al primer Certamen Internacional de Conjuntos Músico-Vocales de León en el año 1966, organizado por la Junta Sindical de Iniciativas Turísticas. Dicho evento se dividía en cuatro días donde participaron bandas como [grupo slug="The-5-Reylons"]The 5 Reylon's[/grupo], [grupo slug="Los-Shakers"]Los Shakers[/grupo], [grupo slug="alex-y-los-findes"]Alex y los Findes[/grupo], [grupo slug="Los-Wikingos"]Los Wikingos[/grupo], [grupo slug="Los-Diapasons"]Los Diapasons[/grupo], [grupo slug="Los-Botines"]Los Botines[/grupo] o [grupo slug="Los-Continentales"]Los Continentales[/grupo] entre otros. El jurado valoraba hasta diez puntos la interpretación y la melodía de una canción libre de nueva creación que los grupos presentaban al concurso. Los seis conjuntos con mayor puntuación pasaban a una final que tenía como invitada especial a [grupo slug="Marisol"]Marisol[/grupo]; dirigido por Torrebruno, y en la que actuaron artistas como [grupo slug="Silvana-Velasco"]Silvana Velasco[/grupo], [grupo slug="Marta-Baizan"]Marta Baizan[/grupo], o [grupo slug="Micky-y-los-Tonys"]Micky y los Tonys[/grupo]. En la final se tenía que tocar una composición propia y una versión obligatoria de un tema ya prefijado -ese año fue "Gitana"-. La victoria final fue para el conjunto holandés Los Indonesios por delante de los irlandeses The Trixons. Los Tricolores, a pesar de todo el apoyo del público local, no pasa a la gran final. En 1967 graban su primera y única referencia, el EP [disco slug="la-mini-mini-dos-enamorados-lo-que-paso-odio"]"La Mini Mini / Dos Enamorados / Lo Que Pasó / Odio" (Berta, 1967)[/disco]. Actúan en la cadena Consulado, que tenía varias salas en Madrid por las que iban rotando los grupos, como Victoria, Alexandra, Canciller, Ducal, Imperator, Ciudad Lineal, o Versalles. Casi todas las salas tenían el mismo formato, estaban situadas en los bajos de un cine –también propiedad de la cadena- y el gerente de la empresa, el señor Cano, examinaba a los grupos y los acomodaba, según su criterio, en unas salas u otras. Los Tricolores se separan poco tiempo después, poniendo fin a uno de los grupos pioneros dentro del rock leonés.

Venus

March 7, 2019, 5:23 am

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Venus nace en 2009 como un proyecto personal del productor y compositor canario Tony Sánchez-Ohlsson para acudir al Festival de Eurovisión de 2010 que se celebraba en Oslo, un evento ya conocido por el palmense porque su trayectoria está muy marcada por el festival. En 2007 había participado en el tema que representó a España en esa edición, "I love you mi vida" de [grupo slug="DNash"]D'Nash[/grupo], y de otro lado en varias composiciones que se habían quedado en la preselección como "I am as I am" de [grupo slug="Arkaitz"]Arkaitz[/grupo] también en ese mismo año, "Todo está en tu mente" de [grupo slug="Coral-Segovia"]Coral Segovia[/grupo], "Te prefiero" de [grupo slug="Baltanas"]Baltanás[/grupo] y "Nada es comparable a ti" de [grupo slug="Mirela"]Mirela[/grupo] en 2008, y "Thinking" de [grupo slug="Anael"]Anael[/grupo] y "Amor radical" de [grupo slug="Rebeca"]Rebeca[/grupo] en 2009. Para ello realiza una selección de las componentes del grupo, escogiendo así a tres chicas con pasado televisivo para formar el conjunto. La burgalesa Diana Tobar había participado en la edición del año 2009 del programa "Operación Triunfo" (Tele5), quedando en decimosegunda posición. Tiempo antes había participado en otro concurso musical menos conocido llamado "Rumbo a la Fama" (Oviedo TV). Cómo entró en el grupo lo relata así: "Me llamó en diciembre un productor y me explicó la idea del grupo y que necesitaban hacer un casting para ver qué tipo de chicas seleccionaban. Esto fue muy rápido, tuve que ir a Madrid, me presenté el casting y canté alguna canción, hablaron conmigo y con mis padres y en el mismo momento me dijeron que ya estaba dentro. A la semana o así nos tuvimos que aprender la canción y la grabamos". La melillense Miriam Segura, Mimi, también había participado en "Operación Triunfo" (Tele5), pero en la edición de 2008 resultando sexta. Mimi comenta cómo entró: "Estando de gira con 'Los mejores años de nuestra vida' (RTVE) me llamó Tony Sanchez Ohlsson, compositor de 'Quédate conmigo' de [grupo slug="Pastora-Soler"]Pastora Soler[/grupo], y me propuso formar una girl band junto con Diana Tobar y Marta Mansilla para presentar un tema en Eurovisión". La tercera será la cordobesa [grupo slug="Marta-Mansilla"]Marta Mansilla[/grupo] participante del programa "Popstar" (Tele5), en el que finalizó en cuarta posición, incorporándose así al grupo [grupo slug="Bellepop"]Bellepop[/grupo]. Tras la disolución del mismo intenta relanzar su carrera en solitario sin mucho éxito hasta que se involucra en este proyecto. En lo que se refiere a la elección del nombre lo explica Diana en una entrevista al Diario de Burgos: "Un día, con las chicas, empezamos a decir nombres y al final nos quedamos con el de Venus, porque representa a la mujer y a la diosa del amor". Editan el sencillo [disco slug="Perfecta"]"Perfecta" (Bobamusic, 2010)[/disco] en formato digital, canción con la que se presentan a la preselección de Eurovisión quedando séptimas y, de este modo, pasan a la final. En la gala televisada para elegir al representante español del festival, donde también actúan artistas como [grupo slug="Anabel-Conde"]Anabel Conde[/grupo] o [grupo slug="Ainhoa"]Ainhoa Cantalapiedra[/grupo], acaban cuartas, siendo el ganador el madrileño [grupo slug="Daniel-Diges"]Daniel Diges[/grupo] con "Algo pequeñito". A finales de ese mismo año lanzan su segundo single, esta vez en formato físico, [disco slug="restos-del-ayer"]"Restos del Ayer" (Bobamusic, 2010)[/disco], compuesto por Tony Sánchez-Ohlsson, Ander Pérez y Thomas G·Son que les servirá para poder grabar un largo. En enero de 2011 publican su primer y único álbum, [disco slug="like-a-superstar"]"Like a Superstar" (Bobamusic, ‎2011)[/disco], que consigue vender unas quince mil copias, pero no les sirve para entrar en la lista de ventas por problemas en el precio de venta real del disco y de la discográfica con Promusicae. De dicho disco lanzan un tercer sencillo digital, [disco slug="pin-up-girl"]"Pin Up Girl" (Bobamusic, ‎2011)[/disco]. En septiembre de 2011 el grupo se disuelve con la marcha de Marta, una disolución un tanto extraña, ya que, por ejemplo, Diana comentó que se enteró de la noticia por las redes sociales. La publicación de su despedida contaba: "Queridos Venusitos. A pesar de la gran aceptación que hemos tenido por parte de todos vosotros con el disco, los conciertos que hemos dado tanto nacional como internacional, las visitas a nuestros videoclips en Youtube y todas las televisiones a las que hemos sido invitadas y que tan bien nos han tratado, el proyecto no ha podido salir adelante por motivos ajenos a nosotras. Se trata de asuntos internos de las personas responsables del proyecto, que por respeto, no podemos, ni queremos entrar en más explicaciones. Estamos seguras de que lo entendéis". Mimi explicaba años más tarde en formulatv: "El hecho de que nos disolviéramos fue muy duro para nosotras puesto que habíamos puesto mucha ilusión, muchas horas de trabajo, muchas risas, el cariño de tanta gente, la confianza que los fans habían depositado en nosotras era como decepcionarlos... y queda un vacío muy grande. Consideramos que la crisis musical, la falta de entendimiento, la pérdida de interés ajena a Tony y a Magi Torras que nos llevaba la representación y el booking fue lo que nos hizo llegar al fin que nunca hubiéramos deseado".

Fábrica de Espejos

March 7, 2019, 3:20 pm

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Fábrica de Espejos es una formación de synth pop altamente emocional con cadencia shoegaze que nace en Chantada (Lugo) en 2017… “La formación inicial para los dos primeros conciertos, Kittin Party Pincelo y FiCh 2017, fue la compuesta por José Ángel 'Yeyes' (bases electrónicas), Humberto Novoa (guitarra) e Isaac Ferreiro (voz y guitarra). Yeyes y yo formábamos parte de [grupo slug="terror-erotico-adolescente"]Terror Erótico Adolescente[/grupo], banda en la que continúa el primero.El encuentro tocando canciones de [grupo slug="los-planetas"]Los Planetas[/grupo] en el cumpleaños de un amigo común derivó en la incorporación de Alex como bajista. Para los conciertos del verano 2018 se incorporó Leticia Iglesias a los coros, siendo ya parte importante en la grabación de nuestro segundo EP” explica Isaac. Con respecto a su nombre, afirma que “podemos decir que fuimos bautizados. Después de un tiempo pensando en esta cuestión sin encontrar nada que nos convenciese, optamos por la propuesta de Javi Chico (Plástico), que junto con Lúa ([grupo slug="trompas-de-farlopio"]Trompas de Farlopio[/grupo]), nos dio el empujón definitivo para sacar a la luz estas ideas proponiéndonos hora y lugar en el FiCh (Festival Independente de Chantada)”. En su sonido se percibe una clara influencia de la new wave 80’s, de grupos como New Order, pero también cierta cadencia del synth pop oscuro... “las referencias más claras supongo que están en la escena indie española de los 90-00, y el shoegaze británico”. En primavera de 2018 llega su primera entrega, el EP [disco slug="esferas"]“Esferas” (Autoproducido, 2018)[/disco], grabado con Arturo Vaquero ([grupo slug="humanoid"]Humanoid[/grupo]). “Con ‘Esferas’ la intención era disponer de canciones que pudiésemos presentar en directo y así tener la oportunidad de dar conciertos. El trabajo de estudio fue muy dedicado e intenso (algo que siempre agradeceremos a Arturo Vaquero), aunque el tiempo del que disponíamos era bastante reducido. De entre los temas que veníamos ensayando hicimos una selección de los ‘más redondos’ en ese momento; la verdad es que grabar cinco temas superó las expectativas. La idea global de EP no era algo que nos obsesionase. Igual que nos pasa con cada canción, el sentido global, por lo menos hasta la fecha, es algo que creemos que va surgiendo espontáneamente a medida que van creciendo”. Las letras juegan un papel importante. Letras trabajadas sobre el paso del tiempo, melancolía, pérdida... “Intentamos que las letras formen parte de la canción como lo hacen los demás elementos que la componen… Al ser ‘más directo’, el lenguaje hablado parece que tiene más peso, pero para nosotros la parte vocal está totalmente al servicio de la canción, algo que creo que se pone más de manifiesto en nuestro segundo EP. Dicho esto, la composición de las letras suele ir unida a los primeros acordes que hacen sentir algo diferente, un estado de ánimo, el de ese momento preciso, que se trata de atrapar con palabras significativas y sinceras”. En marzo de 2019 llega su segundo EP: [disco slug="astro-rey"]“Astro Rey” (Autoproducido, 2019)[/disco]. Isaac nos comenta que “con ‘Astro Rey’, aunque la idea se mantiene, nos impusimos un nivel de exigencia bastante mayor. Tratamos de cuidar más los pequeños detalles a nivel melódico y tímbrico. Para ello también quisimos disponer de más tiempo de estudio. Creemos que, manteniendo la línea de ‘Esferas’ (2018), conseguimos desarrollar mejor esa idea inicial, aspecto dentro del que hay que destacar la incorporación de Leticia en las voces”.

Blanco Palamera

March 23, 2019, 6:17 am

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Blanco Palamera es un dúo de Santiago de Compostela compuesto por Manuel Blanco y Xoán Domínguez... “Nos conocimos con 14 añitos en Santiago de Compostela, nuestra casa. Blanco Palamera es el resultado de todos estos años. Crear y crecer juntos ,como personas y musicalmente, nos acaba llevando a encontrar nuestra identidad”. El grupo lo bautizan recurriendo a sus propios nombres: “Son nuestros nombres, Manu Blanco y Xoán ‘Palamera’ Domínguez. Nuestra música somos nosotros  sin máscaras, así que no hay nombre más justo para este proyecto” Juntos ponen un proyecto con una esencia pop y electrónica. Pop contemporáneo bañado por estilos como el r&b, el jazz, el hip-hop, la bossa nova, el funk o la indietrónica... “Nuestro estilo es  sincero y elegante, somos curiosos, escuchamos música de todo tipo y llevamos haciéndolo toda la vida, creemos que nuestras canciones son el resultado de ello. Consideramos esto algo propio de nuestra generación. Desde pequeños tuvimos acceso a toda la música a través de internet. Para nosotros es algo natural”. Con respecto a las influencias que marcan directa o indirectamente su sonido, afirman que “nuestra música es nuestro reflejo. Nos interesamos mucho por las figuras clave del pop, por intentar conseguir que el mensaje que queremos transmitir sea universal. Al fin y al cabo tratamos temas que nos afectan a todos. Encontramos la inspiración en el día a día, en nuestras vivencias. Una de nuestras mayores influencias es Kika Ramil, la diseñadora gráfica del proyecto. En un punto medio del proceso comenzó a trabajar con nosotros y aportó una dimensión diferente a Promesas, ayudándonos a afianzar el concepto general del álbum y dando imagen a nuestra música. Últimamente estamos escuchando mucho a D´Angelo, mucho funk, Khruangbin, Theophilus London, J Balvin; Daniel, me estás matando... De todas maneras, lo que más nos marca a la hora de componer es la gente con la que convivimos cada día: amigxs, familia, amantes...”. A principios de 2018 comienzan a lanzar una serie de singles digitales que desembocan en su primer trabajo: [disco slug="promesas-blanco-palamera"]“Promesas” (Raso, 2019)[/disco]. Un trabajo que definen como “una travesía llena de giros inesperados como la vida misma. Nuestra experiencia: el camino que nos ha llevado hasta el momento presente. El aprendizaje para llegar a vivir consecuentemente con unx mismx, a aceptarse. Quererse bien para poder querer bien”. El disco está grabado y producido íntegramente por el dúo, “se grabó en distintas localizaciones, principalmente Madrid, Catoira y Santiago. La composición de los temas fue distinta en cada caso. Hubo canciones que surgieron en el propio estudio a partir de ideas, canciones que trabajamos en el ordenador durante meses y canciones que se compusieron en un par de días. El grabar en diferentes localizaciones y ambientes ayudó mucho a que Promesas tenga ese aire heterogéneo que apoya el mensaje del disco”. Forman parte de Raso. Un sello  que está apostando por otra forma de hacer las cosas y en el que se está englobando una parte de la vanguardia musical gallega con [grupo slug="baiuca"]Baiuca[/grupo], [grupo slug="nistra"]Nistra[/grupo] o los propios Blanco Palamera. Una corriente renovadora que consieran muy necesaria, “nos parecen propuestas sinceras, sin pretensiones y de mucha calidad. Ojalá podamos aportar nuestro granito de arena y ayudar a que la música de este país mire hacia adelante más que hacia atrás”.

Factoría de Subsistencia

April 3, 2019, 12:34 pm

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Detrás de Factoria de Subsistencia se encuentra Josito Porto, artista polifacético que destaca como músico y actor... “Mis carreras como músico y como actor van paralelas desde el principio de los tiempos. La de actor es más conocida por la visibilización que aporta el aparecer en la televisión. La época [grupo slug="korosi-dansas"]Korosi Dansas[/grupo] fue el primer contacto profesional con la música y, por encima, con una panda con la que acabé formando algo más que un grupo, casi una familia. Es un momento en el que aparece el espíritu protestón y tocapelotas sin miramientos, algo que quedó grabado de alguna manera en los vericuetos de mi cerebro y ahora ya no sería adecuado cambiar. Un momento de camaradería infinita, tanto para reir como para llorar”. Y es que Josito formó parte de Korosi Dansas, banda que representó la vertiente más reivindicativa y a la vez más experimental del rock en gallego de los años 90. Posteriormente llega [grupo slug="magritte"]Magritte[/grupo], con toda la vieja guardia ourensana: José Lameiras, Xurxo Labrador, Jesús Dopazo… “Y yo sin tener ni puta idea de que eran la vieja guardia, por eso entré sin ningún tipo de prejuicio (risas). Después de las vivencias con Korosi Dansas, nunca encontré la posibilidad de volver o, por lo menos, intentar recuperar ese tipo de experiencias. Como cuando rompe una relación y juras sobre lo más sagrado y lo más demoníaco que nunca más volverás a compartir tu vida con nadie. Y ahí apareció Magritte. Con un proyecto que, desde el principio, me resultó completamente ilusionante tanto desde la perspectiva humana como desde el trabajo musical. No se parecía en nada a lo que habíamos currado con Korosi pero había un espíritu de entrega muy similar. Creíamos totalmente en lo que estábamos haciendo y eso es fundamental. Aún hoy, cuando escucho las canciones de Magritte, escucho canciones que me gustaría que siguiesen siendo creadas por alguien para poder tener el gusto de escucharlas y disfrutarlas”. Con Magritte lanza: [disco slug="vendaval"]“Vendaval” (Arteficción, 2010)[/disco].

Su siguiente aventura es Factoría de Subsistencia, un proyecto que “nace por la necesidad de sacar para afuera temas, ideas, sensaciones, pesadillas, sueños que bailaban en mi interior. Pensamientos que, ya en la época de Korosi Dansas, fluían con cierta discreción al principio para continuar con un absoluto descaro. Decido materializar todas estas ideas coincidiendo (¿casualidad?) con el movimiento indignado del 2011. Ahí comienza esta travesía hasta nuestros días.

Uno de los primeros conciertos lo doy, en solitario, en A Praza da Quintana de Santiago D.C. para intentar amenizar la acampada indignada que aquellos días ocupaba la plaza. Yo aseguraba que realmente estaba allí por encargo del que era el máximo mandatario del concello de Compostela en aquel momento, Conde Roa, para intentar desalojar la plaza con mis mensajes de desaliento… pero no lo conseguí. Una de las primeras grandes derrotas de mi carrera como Factoría de Subsistencia”.

El nombre se mueve entre la declaración de principios y el análisis de la situación real para la música de autor y underground... “El nombre de Factoría de Subsistencia surge alrededor de unas birrillas con Nate Borrajo y José Lameiras. Yo llevaba unos días dándole vueltas a diversos nombres para este proyecto y creo que fue Nate la que comentó que en Ferrol había leído un cartelillo donde aparecía ese nombre, Factoría de Subsistencia. Estábamos ya inmersos en esa crisis encargada de jodernos los sueños y espabilar nuestras neuronas, me pareció el nombre idóneo para un sector en el que siempre nos vemos en la necesidad de subsistir a base de innovar (¿o será innovar a base de subsistir?)”.

Estamos ante un proyecto personal en el que cuenta primero con la ayuda de Alfredo Padilla, y tras su marcha a Londres, continúa adelante con el compostelano Anxo Graña, grabando su primer trabajo, [disco slug="cerca-da-tua-orella"]"Cerca da Túa Orella" (Arteficción, 2015)[/disco], con Sabela Dacal ([grupo slug="emilio-rua"]Emilio Rúa[/grupo], [grupo slug="xestreu"]Xestreu[/grupo])... “Primero tengo la fortuna de contar con el trabajo del maravilloso músico y actor argentino Alfredo Padilla y después, cuando por motivos laborales Alfredo marcha, entra el extraordinario músico cangués Anxo Graña. Y, cuando Anxo abandona el proyecto, con el otoño del 2013 aparece el sol reencarnado en Sabela Dacal. Con Sabela, Factoría de Subsistencia incorpora el que es uno de los instrumentos característicos del grupo, el acordeón. Sabela aporta unas experiencias que cambiarán, a partir de ese mismo momento, la dirección de este proyecto que ya deja de ser un proyecto para convertirse definitivamente en lo que hoy en día es Factoría de Subsistencia. Es con Alfredo Padilla con quien grabo en 2012, en Xingreira controlados por Sergio Lameiras, una primera maqueta de los temas que, en aquel momento, luchaban por hacerse un huequecito en Factoría de Subsistencia”.

Esa maqueta es “Demo” (2012), catorce temas grabados por Josito Porto (voz), Alfredo Padilla (guitarra y coros), Nate Borrajo (coros) y José Lameiras (percusiones y coros). Sergio Lameiras ([grupo slug="los-cambiantes"]Los Cambiantes[/grupo]) se encarga de la producción.

Tres años después llegaba el mencionado "Cerca da Túa Orella" (2015), grabado con Sabela Dacal. Trabajo por el que planea la canción de autor, el análisis de la realidad (social y personal) y cierta retranca... "Con la incorporación de Sabela Dacal en el equipo titular de Factoría de Subsistencia, aparece la necesidad de grabar algunos de los temas que ya llevan un tiempo sonando en los conciertos. ‘Cerca da Túa Orella’ se plantea como un disco acústico, pensado para defenderlo en formato dúo con una guitarra acústica y un acordeón acompañando nuestras voces. Pero aquí, con la colaboración de Nate Borrajo y José Lameiras en alguno de los temas, ya empieza a germinar la necesidad de crear una factoría más elaborada”.

En 2019 vuelven a la carga con [disco slug="amores-fraticidas"]"Amores Fraticidas" (Arteficción, 2019)[/disco], grabado con Sabela Dacal, José Lameiras y David Cid… “Es al final del verano del 2018 cuando se decide entrar a grabar. La banda ya llevaba unos meses trabajando como tal. Los que fueron siendo colaboradores anecdóticos en alguno de los conciertos del pasado, José Lameiras en la batería y David Cid al bajo, ya están totalmente integrados en la nueva agrupación. Hemos pasado de dúo acústico a cuarteto alternativo casi sin querer y pensamos que hay que dejar para las generaciones venideras una grabación del nuevo punto de vista de los temas de Factoría de Subsistencia.

Tomo la decisión de contar con nuestro técnico Sergio Lameiras, con el que hemos estado trabajando desde aquella primera maqueta, pero para desarrollar una faceta más de productor musical. En Estudios Xingreira hacemos una primera toma en directo de los diez temas que queremos incluir en este segundo disco. Los grabamos tal cual los tocamos en los bolos. Y Sergio Lameiras, nuestro ‘Brian Neno’ particular, se retira a su cueva con este material. Poco a poco vamos recibiendo el resultado de su trabajo. La opinión de la banda es unánime, contar con Sergio como productor ha sido un acierto absoluto. Tenemos que ponernos ya a trabajar sobre estos temas para poder grabarlos cuanto antes.

El trabajo es duro y, por momentos, muy jodido. Pero la implicación del equipo es absoluta, algo fundamental para poder presentar un trabajo con el concepto de lo que somos, una Factoría. Se cuida al máximo el concepto musical y estético de este trabajo. José Lameiras, con el que ya había contado para el primer disco, crea un universo estético simplemente magistral. Como si de una extraña unión fraternal galaico-mexicana se tratara, los ‘collage’ de cráneos, flores y extrañas criaturas van sorprendiendo mientras viajamos por las páginas del libreto que acompaña al disco. Sí, realmente pensamos que es el disco que quisimos grabar”.

A nivel composositivo se percibe que las canciones crecen. Se mantiene ese análisis de la realidad, entre lo ácido y lo suave... "Las letras continúan jugando con la dualidad entre el bien y el mal que nos rodean continuamente en este mundo que nos toca exprimir. La amenaza, la diversión, lo más naif y lo más elaborado van fluyendo a lo largo de la escucha de estos diez temas. Decidimos versionar uno de los temas que aparecía en el primer disco. ‘Pobre Superman’ se transforma en un nuevo y trabajado ‘Coitado Superman’. Musicalmente varía completamente y la letra, adaptada al portugués, busca el acercamiento al mercado del país ‘irmán’, un deseo ya presente desde el principio de los tiempos”.

Murky López

April 7, 2019, 4:10 am

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Lleva toda una vida dedicada al activismo musical desde la independencia y la búsqueda de los sonidos más marginales, participando en grupos de los pelajes más variopintos o a través de Discos Alehop!, el sello que puso en marcha con su inseparable Eva García. Nacido en Madrid en 1969, pero mudado a Villaviciosa de Odón bien pronto, la trayectoria de Murky López, se ha caracterizado por mantenerse al margen de cualquier corriente mayoritaria que le alejara de esa constante exploración por los senderos de la experimentación. Todo ello bien desde el punk, o llevando el rock and roll a los límites más pantanosos y tortuosos, o haciendo lecturas desquiciadas del blues, o participando en combos de jazz planeador o de construcción (literal) de instrumentos y sonidos a partir de juguetes. Todo cabe, todo es posible, basta la firme decisión de no dejarse atrapar por etiquetas o barreras y, sobre todo, ser consciente de que deambular por circuitos minoritarios y la serie B resulta, en la mayoría de los casos, la única posibilidad de disponer de la libertad absoluta para hacer todo ello. Participa desde bien pronto en los primeros escarceos musicales que surgen en el seno de una pandilla de amigos entre los que está la misma Eva, [grupo slug="guiller-momonje"]Guiller Momonje[/grupo], los hermanos Godino..., y que hacen de la pequeña localidad madrileña un inusitado centro de actividad y bullicio de la época que pocos hubieran imaginado. Con apenas 16 años, van formando una serie de proyectos diferentes, de los que quizás sea Los Mierdas, un quinteto en el únicamente el dúo Murky-Eva seguiría luego en el mundo de la música, el primero en 1985. De ellos se conserva su contribución "Suéltame vaca", de sonido crudo y rupestre, para el recopilatorio "Vaya Mierda" (Discos de Mierda, 2006), donde también aparecen, entre otros muchos, [grupo slug="pili-y-sus-lechones"]Pili y sus Lechones[/grupo], Navajazo o [grupo slug="juana-chicharro"]Juana Chicharro[/grupo]. Igualmente “La compresa me pesa”, otra de sus canciones, encontró acomodo en una compilación similar: "Killed by Qué? Vol. 2" (Hillside Stranglers, 2005). Un año después serían Absoluto Disoluto y Los Calambres, y en 1987 Murky Hole. Grupos que surgían de las reuniones en el sótano de los hermanos Godino, el garaje de la casa del tío de Guiller o la misma habitación de Murky serviría para la formación de grupos, como La Perla, donde Murky y Guiller Momonje mezclaban post punk siniestro y rock cacharril e igualmente [grupo slug="villavil"]Villavil[/grupo], con el que grabaron varias cintas de cassette. Parte de ese material vería la luz mucho tiempo después en formato de vinilo como [disco slug="sideral"] "Sideral" (Alehop! / Walden, 2016)[/disco]. Entraría a formar parte de [grupo slug="electric-garden"]Electric Garden[/grupo], en el que estaba Rey Fernández -Honeydew- y cuyo único EP, [disco slug="love-carrona"]"Love Carroña" (Alehop!, 1993)[/disco] fue el que inauguró el catálogo de Discos Alehop! El pequeño sello fue referente, ya no de un tipo de sonido, de una filosofía. Caladero de grupos que, difícilmente hubieran encontrado acomodo en otras latitudes discográficas, en Alehop! se congregaron nombres como [grupo slug="ulan-bator-trio"]Ulan Bator Trio[/grupo], [grupo slug="jugos-lixiviados"]Jugos Lixiviados[/grupo], [grupo slug="capitan-entresijos"]Capitán Entresijos[/grupo], [grupo slug="el-desvan-del-macho"]El Desvän del Macho[/grupo], [grupo slug="solex"]Solex[/grupo], [grupo slug="soul-bisontes"]Soul Bisontes[/grupo], Guiller Momonje, [grupo slug="atom-rhumba"]Atom Rhumba[/grupo] o [grupo slug="felon-y-su-mierdofon"]Felón y su Mierdofón[/grupo]. Serviría asimismo para dar salida a la producción de muchos de los grupos de los que formaron parte ellos, o amigos directos, al igual que para traer a estas latitudes a propuestas igualmente marcianas que iban conociendo del extranjero. Con todo, es [grupo slug="patrullero-mancuso"]Patrullero Mancuso[/grupo], grupo formado junto a Guiller Momonje, Jaime Godino y Manuel Godino, el proyecto con mayor recorrido de toda su trayectoria. Aportaba sus composiciones (música y letra), cantaba y, aunque empezó tocando el bajo, terminaría cambiando instrumento con Jaime, para quedarse con la guitarra. Debutarían con [disco slug="vacio"]"Vacío" (Munster, 1990)[/disco], un EP que editó Munster Records,  sacando su último disco, [disco slug="bodegon-musical"]"Bodegón Musical" (Elefant, 1998)[/disco], algo menos de una década después. Los trabajos de la última etapa de la banda, dos discos largos y otros tantos EPs, verían la luz en el sello Elefant. Lograron un sonido característico y peculiar, pasando desde el ruidismo del principio a la creación de un universo propio cacharril. Aunque tuvieron en su contra lo rápido que se les asoció con la corriente del noise pop - indie pop de grupos como [grupo slug="penelope-trip"]Penelope Trip[/grupo], [grupo slug="el-inquilino-comunista"]El inquilino Comunista[/grupo], [grupo slug="el-regalo-de-silvia"]El Regalo de Silvia[/grupo], [grupo slug="automatics"]Automatics[/grupo] o incluso los primeros [grupo slug="planetas"]Planetas[/grupo], el surrealismo aplicado a la vida cotidiana de algunas de sus letras serviría como señal de identidad propia en el que luego se inspirasen muchos otros como [grupo slug="el-nino-gusano"]El Niño Gusano[/grupo] o [grupo slug="tigres-leones"]Tigres Leones[/grupo]. [grupo slug="pretty-fuck-luck"]Pretty Fuck Luck[/grupo] le sirvió para dar rienda suelta, junto a Eva y Rey, a un rock sucio, áspero y pantanoso que no tuvieron problema alguno en definir como garage-trash-punk a la manera de Pussy Galore o los mismos Cramps. Llegaron a facturar hasta tres EPs que editaron desde casa, en Alehop! Para la producción del último de ellos, [disco slug="fuck-truck"]"Fuck Truck" (Alehop!, 1996)[/disco], se desplazaron a los estudios Fun House de Nueva York, para trabajar con Jerry Teel. Murky también participó en [grupo slug="pantasma"]Pantasma[/grupo], un proyecto que llegó a definir como una super-orquesta, un combo en el que llegaron a participar hasta 8 músicos y que llegaría a dar algún concierto escondidos tras una sábana que los ocultaba del público. Nuevamente en Alehop! dejaron un 10” y un sencillo. Casi como una mínima escisión, como un pequeño subapartado, surgió [grupo slug="grimorio"]Grimorio[/grupo] formado a dúo entre Murky y Javier Carmona. En las letras de algunas de las canciones que componían su único disco, [disco slug="mis-acaros-favoritos"]"Mis Ácaros Favoritos" (Alehop!, 2003)[/disco], era posible percibir mucho de su particular idiosincrasia. Su curriculum incluye igualmente colaboraciones puntuales en alguna grabación de [grupo slug="ginferno"]Ginferno[/grupo] y Solex. Enmascarado como uno de los hermanos Pizarro, participaba en el programa de Radio 3, Melodías Pizarras, donde tenía posibilidad de  sacar partido a una de sus pasiones: la música que se prensaba en los discos de dicho material, la pizarra. También detrás de un sobrenombre, como el resto de sus compañeros, se le adivinaba como uno de los luthiers de [grupo slug="los-caballos-de-dusseldorf"]Los Caballos de Dusseldorf[/grupo], que a partir de dispositivos electrónicos extraidos de juguetes, ejecutaban un tecno muy especial, plagado de repetición de sonidos y pitidos superpuestos. Sus perfomances encontraban un público entregado, no sólo aquí sino en una bulliciosa pequeña escena de grupos con similares inquietudes tanto en Europa como en Estados Unidos. La continuidad del proyecto, en el que se buscaba una continua rotación de componentes, ofertando plaza en las cuadras alemanas a cualquiera que tuviera ganas, parecía garantizada con la salida regular de vinilos con su música marciana. Sin embargo, unos duros reveses de salud consecutivos rompen la dinámica habitual en el campamento base de la Plaza de Cascorro. Por un lado Murky sufre un ictus, del que, afortunadamente se recupera, pero que le aleja de la actividad musical que aún llevaba. Pero, por otro, y más duro, se confirman los peores presagios con respecto a la salud de Eva, que finalmente fallece tras una dura lucha contra la enfermedad en enero de 2018. La reacción a tanto revés no se hace esperar sin embargo. Murky decide continuar con la actividad de Discos Alehop!, reactiva una antigua afición, el dibujo, y decide grabar material en el que lleva trabajando un tiempo. Lo que tiene en mente, de todas maneras, no es un debut en solitario en sentido estricto. No lo es porque de entrada cuenta con Iñaki Chunchurreta (al que tiene bien cerca, pues trabajan juntos) para que le acompañe con [grupo slug="hermanos-pelaez"]Hermanos Peláez[/grupo], uno de los proyectos que tiene junto a Diana (el otro es [grupo slug="desguace-beni"]Desguace Beni[/grupo]). Arropado con ellos, en lo que vienen a llamar López-Peláez, continuando con la cuestión de apellidos, graban asistidos por Mario Riviere ([grupo slug="aerobiitch"]Aerobitch[/grupo], [grupo slug="muletrain"]Muletrain[/grupo], [grupo slug="silla-electrica"]Silla Eléctrica[/grupo]), compañero de Iñaki en [grupo slug="robo"]R.O.B.O.[/grupo] las canciones que conformarán la cara A de [disco slug="cualquier-parecido-con-la-realidad-es-una-mierda"] "Cualquier Parecido con la Realidad es una Mierda" (Alehop!, 2019)[/disco]. La cara B, ya sí, corresponde a temas interpretados por Murky en solitario, acompañado de una guitarra y de la voz de Teresa Iturrioz ([grupo slug="le-mans"]Le Mans[/grupo], [grupo slug="aventuras-de-kirlian"]Aventuras de Kirlian[/grupo], [grupo slug="single"]Single[/grupo]). De los detalles técnicos de la grabación se encargaría [grupo slug="ibo-errazkin"]Ibon Errazkin[/grupo] (Le Mans, Aventuras de Kirlian, Single). Portada, contra y diseño de la hoja interior salieron de la pluma de Murky, que se encargó de llenar los espacios con sus vinilos con piernas y brazos más los monstruos habituales en sus dibujos. En la entrevista que le concedía a Jaime Gonzalo para Rock de Luxe, Murky contaba cómo llevaba cinco años "tonteando" con una guitarra clásica, y que inspirado en la propuesta de bandas como [grupo slug="sudor"]Sudor[/grupo] o The Apostles, decidió revestir algunas de sus canciones acústicas de una coraza punk. En lo que puede parecer un ejercicio de exorcismo tras experiencias traumáticas como ya hiciera, por ejemplo, E. lider de la banda norteamericana Eels cuando preparó "Electro Shock Blues" (DreamWorks, 1998), el disco muestra cuando menos la que parece es su actitud vital: oda a la molicie, al no hacer nada como rebeldía ante una sociedad consumista y en la que todo se valora materialmente. Es ésa la intención, la de reírse de su propia enfermedad, de la composición, por ejemplo, de "Ictus blues". De hecho, la disposición de los temas, con la cara A mostrando la vertiente más eléctrica y ruidosa musicalmente de primeras para luego dejarse caer a la vena casi acústica y con aires de cantiga medieval incluso de la cara B, responde a un plan preconcebido: "tiene que ver con una narración oculta que comienza en la ciudad, con la electricidad, el estrés y el consumo, y termina en el campo, con la calma, la molicie y la galbana", contaba en la mencionada entrevista. Igualmente explicaba las propiedades balsámicas de este tipo de sonoridad que sugerían músicas antiguas: "Descubrí algo nuevo y excitante (...) que me evadía de la realidad y me sumía en la contemplación". La presentación del disco tuvo lugar en la sala Juglar en marzo de 2019, con la participación de los tres músicos sobre el escenario. Queda por comprobar si Murky seguirá dejarnos ver más de su estado anímico y de su universo de hormigos y ácaros.

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Ghesgha

April 13, 2019, 5:03 pm

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Ghesgha es una banda de rock progresivo instrumental con una clara influencia del jazz fusión de los años 70. La improvisación y la libertad creativa son dos de los hilos conductores de su sonido. Proceden de Barrantes (Ribadumia). "El grupo nace en el año 2014 bajo el nombre de Killing Floor, formado por Xosé V. Outón (guitarra), Gabriel González (batería) y Borja Abal (bajo). Aunque Xosé y Gabriel ya habían compartido escenario en otro proyecto anterior. En el año 2015 se incorpora Adrián Chaves, en un principio para desempeñar el papel de teclista; pero viendo el potencial de añadir un instrumento de viento a la formación, no había duda. Ahora es el bombardino en Ghesgha, además de ser una parte principal del grupo, también es foco de atención ya que es raro ver este instrumento en formaciones como la nuestra. El grupo sigue con el nombre de Killing Floor hasta 2016, año en el que cambian a Ghesgha, estableciendo y asentando unas bases que marcan el camino a seguir por el grupo. Por motivos laborales, Borja, deja Ghesgha en 2017, siendo substituído por el bajista Daniel M. Vázquez" explican. Con respecto a su nombre, indican que "cuando decidimos cambiar el nombre, buscábamos algo gallego pero al mismo tempo una palabra nueva, que no existiese, y llamativa. En un primer momento para que nos identificara con la zona de la que somos, queríamos que tuviese gheada. Probando varios nombres, nos dimos cuenta de que una palabra con mucha gheada podía quedar muy bruta a la hora de decirla, por lo que decidimos meterle una consoante por el medio más suave para mejorarla de forma sonora y auditiva. Finalmente después de deliberar entre varias opciones nos quedamos con Ghesgha. Su significado se irá desvelando conforme avance la historia conceptual". En su sonido se perciben influencias del rock progresivo e instrumental de los 70 (King Crimson, Mahavishunu Orchestra, Frank Zappa...), pero también ecos del math rock o de la improvisación controlada de bandas como [grupo slug="cro"]Cró![/grupo]... "Nuestro sonido es difícil de definir, o rock progresivo dos 70 é a influencia máis directa, pero os nosos membros teñen influencia dende o jazz ata o garage; beber de tan diferentes vertentes é o que fai de Ghesgha ter un son único. A partir de aí creamos a nosa música sen pararnos a pensar demasiado en que estilo encaixa, facendo que, por exemplo, os ecos de math rock sexan involuntarios. O tema da improvisación xurdiu nos inicios da banda, collendo influencia de grupos como Led Zeppelin, pero co paso do tempo fomos empregando a improvisación de diferentes maneiras, estando agora máis próxima ó jazz fusión". En 2016 llega la maqueta: "Ghesgha" (2016)... "fue la primera maqueta grabada por el grupo, en la que se incluyen dos temas propios, donde se empieza a notar la complejidad que busca el grupo; en 'As ánimas do Samaín' buscabamos unos tonos más sombríos, mientras que 'Eterno retorno' tiene cambios bruscos pero siempre vuelve al inicio. La grabación de esta maqueta tuvo su origen como premio por el concurso de bandas “Píntao de Rock”, en el que estaban involucrados distintos artistas de diversas disciplinas en el ámbito de la comarca del Salnés; en ell cual se valoraban dende el arte musical como las artes plásticas. Los temas fueron grabados y masterizados en un pequeño estudio en Pontevedra". En su siguiente entrega, [disco slug="umbral-da-cosmogonia"] "Umbral da Cosmogonía" (Ulomanía Coop. / Fonosaurios, 2019)[/disco], se percibe una clara evolución. Un trabajo con carácter conceptual. Hablan de la exploración espacial, de sus aspectos negativos y de la condena de la civilización... "Con este EP pretendemos abrir una puerta hacia un universo conceptual creado por nosotros, como artistas como Magma (y la historia de los Kobaïanos ) o King Gizzard & The Lizzard Wizard (Gizzverse). Tal como dice el título, este es el  principio de una serie de historias que iremos desenvolviendo en próximos trabajos. Principalmente, el vinilo habla de como la avaricia, el egoísmo y la violencia puede llevar a la destrución de una civilización avanzada. Hacia mediados del 2018, terminamos de componer los temas, y empezamos a montar el universo conceptual, que tiene como primera toma de contacto la historia de Marte; la cual está presentada por 'Deimos', con una forma más mecánica, intenta representar el descubrimento del Fosmio y su explotación. Seguido por 'Fobos', con un carácter más oscuro escenifica los males que llevan a la guerra. Por último tenemos 'Penumbra astral', con tempos más complejos, simboliza la destrucción de la vida en el planeta, por la alteración de la órbita del satélite".

César Maltrago y Los Atractores Extraños

May 14, 2019, 2:36 pm

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Lo suyo, principalmente, era ser poeta y escritor. Así lo confesaba el propio César Tamargo Álvarez – César Maltrago –quien reconoce que los grupos musicales en los que había militado de joven no pasaron de ser proyectos de los que no se sentía particularmente orgulloso: “pecaban de ambición e ingenuidad. Supongo que es algo consustancial a la adolescencia”. Era por tanto a la escritura a lo que se dedicaba hasta que en una presentación conoce al también poeta Antonio Orihuela, que le anima a tomar parte en el certamen Voces del Extremo celebrada en Moguer (Huelva) donde poder presentar sus poemas y canciones. En el evento también participaron Daniel Macías Díaz, [grupo slug="el-nino-de-elche"]El Niño de Elche[/grupo], [grupo slug="matias-escalera"]Matías Escalera[/grupo] o [grupo slug="berta-pinan"]Berta Piñan[/grupo]. “Yo toqué en un antiguo tablao flamenco por donde habían pasado genios de la talla de [grupo slug="enrique-morente"]Enrique Morente[/grupo] o [grupo slug="camaron"]Camarón[/grupo]”. Para tocar en el festival decide adoptar la denominación de Maltrago, sobrenombre que le asignó un amigo con el que compartió piso en Madrid y que surgió como broma entre ellos por la misantropía y “buen saque” de César. Arropándose así con el apellido además simulaba algo parecido al gesto de coronación o bautismo que siguieron personajes como Bonaparte o Curzio Malaparte, no exento de “soberbia y sarcasmo”. Igualmente escoge nombre de batalla para quienes le acompañan desde los primeros directos, Los Atractores Extraños, en lo que pudiera entenderse como algo de homenaje a Los Chatarreros de Sangre y Cielo que acompañaban a [grupo slug="javier-corcobado"]Javier Corcobado[/grupo], a los Bad Seeds de Nick Cave, o los también asturianos La Uvas de la Ira de [grupo slug="xabel-vegas-y-las-uvas-de-la-ira"]Xabel Vegas[/grupo] y Las Esferas Invisibles de [grupo slug="nacho-vegas"]Nacho Vegas[/grupo]. Originalmente tomado de la física del caos, una vez elegido el nombre ya no hubo vuelta atrás: “A partir de ahí no hubo motivación o cojones para cambiarlo”, reconoce César. Su debut en directo acompañado de una banda se produciría el sábado 7 de marzo de 2015 tocando en el centro autogestionado con escenario y locales de ensayo La Münster. La formación constaba para la ocasión de Sergio F. Galán y Alberto Sastre (de Al Altu la Lleva, coro itinerante de Nacho Vegas) para tocar un cajón flamenco y dos guitarras. Aquel día el cartel lo completaban [grupo slug="lea-poldo"]Lea Poldo[/grupo], [grupo slug="gut-derby"]Gut Derby[/grupo], [grupo slug="les-barbares-barbus"]Les Barbares Barbus[/grupo] y Nacho García. “Estábamos muy verdes aunque lo recuerdo con benevolencia y creo que al público le gusto bastante. Creo que esperaban menos de nosotros”, recuerda César de la ocasión. Carlos García Marrón ([grupo slug="swing-xxi"]Swing XXI[/grupo], [grupo slug="borona-balcan-trip"]Borona Balcan Trip[/grupo]) sirve asimismo de puntal en los estadios iniciales del proyecto, uniéndose posteriormente [grupo slug="javier-pinacho"]Javier Pinacho[/grupo] al bajo. Será con la grabación de “Pelax arena” cuando considere en serio la posibilidad de desarrollar en serio la faceta musical. Su grabación fue el resultado del “despecho y homenaje más que por dar algo al público”. Para la elaboración de [disco slug="el-guaje-metiu-dentro-de-un-oriciu"]“El Guaje Metiu Dentro de un Oriciu” (Autoeditado, 2015)[/disco] César contará con una larga lista de colaboradores en la que únicamente el antes mencionado Carlos García Marrón  es fijo encargándose de las guitarras en los seis temas que componen el CD. “Fue el que me dio el sustento arreglístico a la hora de grabar los primeros temas”, comenta el artista de su compañero. Siguiendo las indicaciones de Pedro A. Manchaca ([grupo slug="anton-manchaca"]Antón Manchaca[/grupo]) trabajaron en los estudios Rata Pocha, contando con Diego Reyes ([grupo slug="blues-and-decker"]Blues and Decker[/grupo]) como técnico de sonido y responsable de las mezclas. Colaboró además con batería y percusiones en muchas de las canciones y estuvo al cargo de la producción musical junto a Javo Münster que aparece igualmente en los créditos como responsable de bajo y contrabajo. Nombres como [grupo slug="pablo-und-destruktion"]Pablo und Destruktion[/grupo], [grupo slug="ffidrigo"]Ffidrigo[/grupo] o Ana Lamela (Esta Noche Tampoco) que “puso sus coros psico-tetricistas en el final progresivo de Pela Arena”. Achaca a la nostalgia de la tierra del norte viviendo en Madrid y el recuerdo de su abuela el haber utilizado el asturiano en alguna de las letras de este primer disco. La grabación del disco desencadena los acontecimientos posteriores: “Luego ya, por dignidad personal me tomé en serio lo de ir girando por salas”. En aquellas primeras actuaciones participaría junto al colectivo poético Fame Poetika. César tiene palabras amargas para la ciudad en la que vive, Gijón: “Deprimente y llena de nostalgia. La ciudad de olor a salitre, grisácea, con esa humedad oleosa se te pega al cerebro y el alma”. Con todo, no niega la huella que todo eso tiene en su música: “También he de decir que se respira una tristeza y unas formas que sin estas no surgiría lo que surge”. Una influencia que cree existe también en varios de sus compañeros en la escena asturiana: Pablo und Destruktion, Nacho Vegas, Luis Mediavilla de [grupo slug="materia-gris"]Materia Gris[/grupo]… Las variaciones en la formación que le acompaña tiene que ver, dice entre bromas, con “la magia del caos”. Más en serio reconoce: “Es difícil que todos los músicos puedan defender una composición tan personal con uñas y dientes como lo hace uno mismo y durante tanto tiempo”. Por el grupo ha pasado una larga lista de colaboradores para tejer el entorno de música alrededor de César. “En aquel entonces yo no tenía la voz tan bien ni abarcaba tantos registros sino que la ocultaba para desdeñar posibles fallos”, comenta al respecto. Dru Abraham ha estado a la batería, Sergio Galán al cajón, Bego Vigón al violín, el ya mencionado Alberto Sastre a la guitarra y teclados e Ike Wahl (Al Altu la Lleva y HerrManos) a la batería. La escena en la que aparece el grupo tiene otros nombres propios de proyectos de su misma generación como [grupo slug="buenaventura"]Buenaventura[/grupo], Herr Manos Supermarket, Melandru, Pablo Und. Destruktion, [grupo slug="fee-reega"]Fee Reega [/grupo] con su banda, Fernández, Lea Poldo, Un de Grao, Anton Menchaca y algo más lejanos [grupo slug="fasenuova"]Fasenuova[/grupo]. [disco slug="salmos-150"]“Salmos 150” (Autoeditado, 2018)[/disco] también se grabó en Rata Pocha. César, que además de cantar tocaba guitarra y banjos, contó con la ayuda de Ike Wahl (HerrManos) para la batería y Diego Reyes, técnico de sonido de las sesiones de grabación, encargándose de percusiones. Francisco Vidal Guardado, que entra en el grupo tras la salida de Alberto Sastre, tocaba teclados, mientras que Javo Münster hacía lo propio con sintetizadores. El combo asturiano reincidía en la clave del intimismo sustentado, no sólo en lo musical, sino en la poesía personal de César. Dosis justas de electricidad contenida y atmósferas oscuras. Recurren incluso al inglés en un “estribillo mántrico” por exigencias de la situación compositiva del tema. Siendo la poesía determinante a la hora de componer las letras, nos detenemos a preguntar por el proceso seguido para escribirlas: “Un día te levantas con un soniquete en la cabeza, una frase mántrica, la canturreas de vez en cuando en la ducha y algún día en un estado propicio coges la guitarra y la desarrollas. Otras en cambio partes de la obsesión, de la necesidad de conceptualizar una actitud, una emoción, una cosmogonía de sentimientos y símbolos. Otras parten de alguna improvisación con el grupo y de su posterior desarrollo. Otras de la pura nostalgia y otras de la más pura depresión. Otras vienen de la mar, de la contemplación de un elemento, la espuma del mar, el monte. Otras son puro terror metafísico”. Preguntados al respecto del tiempo que pasa entre la edición de ambos discos, nos responden al esfuerzo que supuso defender el primer disco y consolidar un proyecto nuevo: “Instaurar una propuesta nueva de autor es duro y exige su tiempo ya que no todas las puertas están abiertas al principio y te das muchas hostias". De cualquier manera no fue un tiempo desperdiciado porque dicen sirvió "para hacerse con metralla y arsenal para componer muchas canciones, así como entrenar en los escenarios y ensayos, curtirse sobre las tablas”. Es posible igualmente reconocer las diferencias entre ambos trabajos: “El primer disco fue muy diferente al segundo a pesar de estar grabado en el mismo lugar. En aquel entonces la banda no tenía forma. Eran amigos y colaboradores trabajando juntos, poco a poco fueron cuajando diferentes formaciones hasta el segundo disco que dispone de un sonido más eléctrico, influenciado por la synth-wave, el shoegaze, el post-rock, el rock y el noise”. Precisamente la mención a toda esta amalgama de componentes distintos utilizados en la cocción del sonido puramente Maltrago nos lleva a inquirir por aquellos grupos que pudieran haber tenido su impronta en la propuesta de los asturianos. César no escurre el bulto y nos proporciona una suculenta lista: “Por supuesto, no creo que una carrera artística surja exnihilo o por ciencia infusa. De hecho, el batería actual siempre se ríe mucho con mi manía de poner siempre alguna referencia a la hora de interpretar un tema o darle vida. Suelen aparecer nombres como Tom Waits, Nick Cave, Leonard Cohen, Bob Dylan, Doors, Pixies, Radiohead, Corcobado, 16 Horsepower o Godspeed You Black Emperor, Sonic Youth, Nacho Vegas y Lou Reed” La trayectoria de César Maltrago y los Atractores Extraños ha dado ya para momentos a guardar en la memoria, con actuaciones con algo especial para el músico. Como cuando tocó en su antigua universidad, El Milán (Oviedo), donde cursó estudios de Filosofía. Tocar allí le retrotrajo a todo lo vivido allí en su momento: “amores, desamores y hundimientos”. De igual manera en uno de los últimos conciertos que dio en el Toma 3 de Gijón tocó después de ser presentado por Pablo Und Destruktion: “Fue bastante épico en todos los sentidos. Estaba taquicárdico y todo tendió a resolverse muy bien gracias a un paseo por la playa, vahos de eucalipto y algún que otro aliciente”. Con una formación que incluye en la actualidad a Aníbal López a la batería, Ana Fernández Palacio a las teclas, y Mauro González como bajista, se encuentran elaborando la que será tercera entrega del grupo, un LP para el que ya tienen título: “La Corrupción de las Costumbres”. Igualmente, César no abandona su otra vertiente, la de escritor, anunciando la elaboración tanto de un poemario en el que recogerá muchas de sus poesías como de una novela.

La Inquisición

May 31, 2019, 7:18 am

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En verano de 2016 quedó clara la viabilidad del proyecto que empezaba a surgir a partir de las cenizas de [grupo slug="secret-army"]Secret Army[/grupo]. Rubén a la voz, Willy a la batería, Alex Cirro al bajo y Alex Montoro a la guitarra ponían en marcha La Inquisición. Originarios todos salvo el cantante (que era de Madrid) de la provincia de Barcelona (la capital o en el caso del guitarrista, de Olesa de Montserrat), habían militado en otras bandas como [grupo slug="malarians"]Malarians[/grupo], [grupo slug="peeping-toms"]Peeping Toms[/grupo], [grupo slug="ultimo-asalto"]Último Asalto[/grupo], [grupo slug="bulldozer"]Bulldozer[/grupo], [grupo slug="upset"]Upset[/grupo], Storm o [grupo slug="seeds-of-hate"]Seeds of Hate[/grupo]. Preguntados por el origen del nombre para el grupo, se refieren, sin conceder demasiada importancia a la cuestión al resultado de “una noche de borrachera”. En otras ocasiones sí que han concedido el haber sucumbido a la dureza del término y a la posibilidad de jugar con el doble sentido del término, refiriéndose tanto al hecho de ‘inquirir” como vía de llegar a la verdad por medio de preguntas como la connotación medieval del fatídico tribunal religioso. Garantizada la máxima de ser un grupo de amigos haciendo música juntos deciden orientar su música por la senda del hardcore, el denominado punk ibérico clásico y algo de post-punk. “Siempre hemos querido hacer música oscura y agresiva aunque también con cierto regusto a la melodía. Todo lo que se acerca a la oscuridad sonora nos interesa como influencia y lo procesamos en el ente colectivo”, contestaban a las preguntas del Ruta66. Precisamente esa necesidad de hacer algo nuevo, que no fuera el sonido que elaboraban en Secret Army fue una de las motivaciones para comenzar el nuevo proyecto. Así lo contaban para el blog de BCore: “Secret Army tenía una fórmula pero ya no teníamos ganas de hacer esa fórmula y pensamos replantearnos todo. Desde seguir llamándonos Secret Army y aprovechar el poco tirón que tenía el nombre y hacer otro rollo, pero dijimos vamos a cambiar totalmente, vamos a hacer otro grupo, vamos a cantar en castellano, vamos a hacer temas más agresivos”. El debut en directo tuvo lugar en Alemania, en el momento justo en el que Secret Army estaba pasando a ser La Inquisición: “Tocamos un grupo un día y otro al día siguiente en un festival en Dresden”. Recuerdan que aquel día (era el 24 de mayo de 2014) jugaban la final de la Champions League de fútbol los equipos del Real Madrid y el Atlético de Madrid en Lisboa. El resultado final de aquel partido influiría profundamente en la actuación del grupo: “Rubén es del Atleti, y el Atleti perdió. El concierto fue un desastre de dimensiones considerables, con Rubén roto, borracho y totalmente ido”. Por su parte, el estreno discográfico tendría lugar con la grabación de [disco slug="la-inquisicion"]“La Inquisición” (Contra / Common People / Oi! the Boat, 2015)[/disco]. Para ello acuden a “un estudio cutre” del que no recuerdan el nombre, pero que estaba por la zona de Poble Nou de Barcelona. Con los cinco temas que prepararon allí se edita un 7” en el que participan tres sellos: el alemán Contra Records, el inglés Oi! The Boat y los catalanes Common People Records. Si bien la participación de los británicos se quedó en algo testimonial (“Rompimos con ellos después de ese primer disco” nos comentan), el interés de los alemanes, que ya se encargaba de editar los trabajos de Secret Army, fue más que significativo: “Cuando les dijimos que íbamos a hacer otro grupo, sin escuchar nada, ya nos dijeron que nos sacarían los que hiciésemos”. “Idiotizados y anulados por un sistema que es igual a todo lo que deshechas / celebrando la vanalidad mediocre de una movida muerta / abrazando la inútil indiferencia de algo que se ha perdido, se ha corrompido”, cantan en “Hemos caído” la primera de las canciones del EP de debut, poniendo de manifiesto que la suya es una propuesta alejada de los estrictos cánones del punk Oi! del que vienen originalmente. Canciones con un punto de épica refrendada a base de guitarras poderosas, garganta rota y coros. Las letras, por otro lado, oscuras y crípticas, anuncian una sensibilidad especial a la hora de plantear la denuncia o la crítica, generalmente centrada en temas no especialmente concretos o mundanos. Preguntados por las fuentes de inspiración a la hora de escribirlas responden: “La inspiración para nuestras letras la solemos tomar de muchos temas, pero esencialmente de los oscuros secretos del corazón y la vida. Sentimientos concretos o el paso del tiempo y sus circunstancias en general, por decir algo”. Las historias que resultan del proceso son de las que efectivamente, tal y como animan ellos mismos, merece la pena leer con detenimiento. También detallan el procedimiento seguido a la hora de componer los temas: “Primero escribimos la música y después la trabajamos en el local para darle forma a la estructura completa y toda la música, después solemos generar los textos, aunque luego siempre puede haber cambios en el proceso”. La siguiente entrega llegaría también en modo de EP, que grabarían en Rebato Sound, los estudios de su amigo Marc Trueba, entre agosto y noviembre de 2016. El resultado, [disco slug="verdadera-fe"]“Verdadera Fe” (Contra / Common People, 2016)[/disco], vio la luz en forma de vinilo corto con seis temas. La ya mencionada solemnidad en la estética de la banda, a la hora de componer sus textos, se ve acompañada en este caso de forma decidida por el diseño gráfico. Portada tétrica compuesta a partir de una fotografía que la revista norteamericana Life publicó sobre la España profunda de los años 50. Se trata de la imagen en riguroso blanco y negro de un grupo de mujeres que velan a un difunto en lo que parece una escena rural, junto a fotos de mineros y un cuerpo severamente herido con la cara tapada hablan de un paso adelante en la configuración de un sello personal. “Nos mola la muerte, nos mola la oscuridad. Es una temática recurrente. Y aparte sobre todo nos mola mucho una imaginería siniestra, oscura. Y acompaña bien a la música”, indicaban en la ya mencionada entrevestia con BCore. En sus canciones La Inquisición ha dado un pequeño giro, apenas perceptible, centrándose en la amenaza de alzamientos para construir sobre lo derruido o templos mezquinos consumidos por las llamas (“Verdadera fe”), o de la vuelta a caminar de muertos en un escenario de bombas a casas cuarteles y cal viva (“Iniciados”). En definitiva, la amenaza de la “Guerra total”, donde manifiestan: “Hijos de una paz que no pudo ser en aquel instante en que nos engañaron / Por eso no creemos en nada más que en el dulce sabor de la venganza”. Todo compuesto con aires épicos que en algunos casos, como en “Abril” consiguen convertirse en verdaderos himnos. El rumbo iniciado por la banda en lo que respecta tanto a la temática como a la estética de la presentación de su música encontraría firme consolidación a la hora de editar el que sería su primer LP: [disco slug="lvx"]“LVX” (HFMN / Contra / LSM, 2018)[/disco]. Grabado como su EP anterior en Rebato Sound reincidía en la utilización de fotografía con ambientación espiritual en tonos negros hecha por Ricard Terré: Mujeres ocultas tras velos negros parecen descansar junto a un penitente apoyado en la cruz que parece haber estado cargando o que está a punto de acarrear sacada de una serie de Semana Santa en Barcelona. Igualmente, las letras están llenas de referencias a Dios, altares, profetas, religión, oscuridad, tinieblas, …“En general nos interesa la España negra y derivados ya que tiene una carga visual interesante y poderosa que encaja muy bien con nosotros, aun así, no creo que el contenido de nuestro imaginario estético sea paralelo a nuestro contenido filosófico o los temas que nos interesan. En nuestro universo lírico se concentran muchas metáforas y referencias universales que utilizamos para explicar temas que nos inquietan, cosmovisiones particulares o directamente sentimientos”, explican al respecto. Respecto al título decían: “Lvx y tenebrae. La dualidad del hombre. De sin luz no hay sombra y sin sombra no ha yluz. Cómo tiene un reverso todo”. En la parte estrictamente musical recalcaban la presencia de guitarras potentes, que bien podrían tener su origen en la formación de metal de Alex. Se mencionaba asimismo posibles influencias de Manowar, Sisters of Mercy o Peter and the Test Tube Babies. Además, eligen una versión de un tema de [grupo slug="dorian"]Dorian[/grupo] (“Verte amanecer”) para cerrar el disco. En entrevista para Mondo Sonoro confesaban no haber parado a considerar prejuicio alguno desde una supuesta ortodoxia punk, manifestando sin tapujos que “muchos temas de Dorian son bastante traducibles al punk, las líneas de bajo son salvajes y las letras con increíbles”. En similares términos se manifestaban en BCore confesando la atracción por “el rollo hermético, las sectas, la masonería (…) La utilización de la religión para controlar a la gente”. Eso sí, son pocos proclives a definirse como una banda con proclamas: “No hay un mensaje en ese aspecto, sino más bien sentimientos”. Es claro que La Inquisición ha logrado cimentar para entonces un estilo propio sin renegar de sus principios sólidamente instalados en el denominado punk de la calle. Cabe pues preguntarse si bien por separación de esa línea del Oi! clásico o por exploración de vertientes más oscuras y tenebrosas, la banda ha dejado de pertenecer a una escena concreta y definida. “No nos sentimos parte de ninguna escena. Es evidente que hay lugares comunes, pero ha llegado un punto en el que todo esto de ‘la escena’ ha perdido todo tipo de interés para nosotros. Escuchamos música de todo tipo, si algo nos interesa profundizamos en ello, pero no nos interesa esencialmente formar parte de nada, ni reivindicar nada. Sólo nos interesa hacer buenos temas y pasarlo bien”. La lista de grupos con los que reconocen mantener una buena relación y afinidad están nombres como [grupo slug="anal-hard"]Anal Hard[/grupo], [grupo slug="crim"]Crim[/grupo], The Upset, Lion’s Law, Reconquesta, La Oposición, Guerra Sucia o Social Combat, con los que dicen coincidir habitualmente. Habitual en los escenarios europeos, el grupo trabajó la edición del último disco con Contra para la distribución por el viejo continente, LSM para el mercado americano y HFMN para España. Asimismo, se ha embarcado en una gira europea en el mes de marzo que le ha llevado a visitar diferentes ciudades en Franca, Alemania, República Checa, Polonia, Suiza o Países Bajos. El seguidor de la banda tendría oportunidad de recuperar los dos primeros trabajos con la edición de [disco slug="guerra-total"]“Guerra Total” (HFMN / Contra, 2019)[/disco], un doble EP con vinilos de colores distintos y portada a partir de un grabado clásico de una batalla.

The Veroñas

June 10, 2019, 1:42 pm

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Datan el comienzo de la banda por 2014, cuando se juntan Adela (bajo), Bea (saxo), Aída (batería), Mady (guitarra y voz), Isa (voz) y Raquel (guitarra). Empezaron a juntarse sin tener nada preparado, sin haberse parado demasiado a pensar por dónde iban a tirar. Sobre todo cuando partían de una experiencia musical previa prácticamente nula: “Ninguna habíamos tocado en un grupo antes, incluso alguna fuimos aprendiendo nuestro instrumento sobre la marcha”. Así que se decidió ir con calma, viendo qué es lo que salía de todo aquello “Aunque no teníamos claro qué queríamos hacer, fue todo bastante improvisado. Fuimos jugando, dejándonos fluir y creciendo, hasta que el grupo empezó a tomar forma”, nos cuentan. Cabe preguntarse entonces qué es lo que les llevó a formar el grupo: “Quedamos para compartir energía, rabia y risas, desde los inicios hasta ahora. Sobre todo, nos lo pasamos bien tocando juntas, y es lo que intentamos contagiar”. No están dispuestas a contar la historia detrás del nombre que eligen para el grupo, y ríen cuando se les pregunta por ello: “Es una larga historia”. Lo único que logramos es: “Veroño rima con coño”. Además, anuncian con el artículo inicial su vocación anglosajona, lanzándose en cuerpo y alma a la composición de todos sus temas en inglés. Aunque declaraban no cerrarse a cambiar en el futuro, reconocían que las encargadas de componer las letras (Mady y Raquel) encontraban que era en esa lengua como mejor cuadraban las historias con el sonido que facturaban. Las referencias musicales que adoptan se mueven entre “los movimientos riot grrrl de los 90 o el rock’n’roll de distintas épocas”. Como ejemplos de canciones que seleccionan para versionar están el “Rebel girl” de Bikini Kill o “Bumble bee” de LaVern Baker. Empiezan ensayando en unos locales situados en las afueras de Guadalajara, pero al poco tiempo cambian a la Sala Óxido:“Nos tratan de lujo y nos sentimos como en casa”. El debut en directo tuvo lugar el 31 de diciembre de 2015, en una sesión vermú en el Primavera, uno de sus bares favoritos de la capital alcarreña. “Duró veinte minutos porque no teníamos más temas y no tocó nadie más. Pero fue una fiestaca inolvidable”. Preguntadas por la escena en la que les toca desenvolverse cuando comienzan, hablan orgullosas de la cantidad de gente que se mueve en Guadalajara y alrededores proponiendo actividades musicales y culturales. Destacan a sus compañeros de local, Gran Vermouth, uno de los grupos que les ha echado “un cable desde el principio”. “En la ciudad se organizan conciertos en distintos bares de la ciudad o la Sala Óxido, festivales como Solares, el Ke Kaña o el Gigante… Y en los alrededores también hay iniciativas muy chulas como el festival A La Fresca de Molina, FestiBAH de Galápagos o Agallon Rock de Caspueñas, entre otros”, nos informan. En mayo de 2016 deciden grabar en los estudios Aborigynal Records situados en la misma sala Óxido los temas con los que se edita, unos meses después, en octubre de ese año el EP [disco slug="have-a-nice-taste"]“Have a Nice Taste” (Autoeditado, 2016)[/disco]. El disco contó con la participación de Óscar Montero para las cuestiones técnicas de la grabación y mezcla, siendo Adela, la bajista, la que realizó el diseño gráfico, más que sobresaliente, para la portada. El grupo terminó encantado con la experiencia de la grabación, realizada como en casa, justo donde ensayan, y con posibilidad de contemplar cómo trabaja Òscar Montero: “Pudimos vivir todo el proceso y nos los pasamos como enanas”, manifiestan entusiastas. El disco comenzaba con la correosa “Monstertrack”, con saxo y atmósfera fantasmal. Con su debut la banda ponía de manifiesto bien claro desde el principio su decidida intención de mostrarse beligerantes: ponen voz en “Hard Candy” a la chica que pasa de jugar con muñecas a salir de caza en busca de carne fresca y pelotas que cortar para que no puedan volver a hacer daño y, sobre todo, muestran uñas y dientes en “Mr Macho” contra la figura masculina. Antes de que el EP de debut viera la luz, Bea se vería obligada a dejar el grupo al dar a luz a una niña, dejando así a The Veroñas sin saxofón. Lo que sí mantienen como seña distintiva del sonido de la banda es las posibilidades que da el tener dos voces sobre el escenario, la de Isa y la de Mady: “Cada una tiene su registro, su estilo, su rollo… y juntas nos parece que se complementan guay”. Una de las primeras ocasiones en que la banda sale fuera de su provincia a tocar es en junio de 2106 cuando participan, por vez primera, en Alcalá es Música, un certamen del que luego serían asiduas. Con el disco ya en la calle tuvieron asimismo ocasión de hacer de anfitrionas de [grupo slug="guadalupe-plata"]Guadalupe Plata[/grupo] cuando estos fueron a tocar en la sala Óxido en octubre de 2016. Cabanillas del Campo, Armuña de Tajuña o Caspueñas fueron algunos de los lugares a los que se desplazaron para tocar en 2017, participando en diferentes festivales y eventos. Se plantaron en Madrid en un par de ocasiones, para tocar en la C.S.O.A. La Quimera junto a Presas del Producto, [grupo slug="heterofobia"]Heterofobia[/grupo], Lilith y Jamonas a principios de septiembre de ese año, o en las Jornadas Anticarcelarias en la 13-14 Okupada de Vallekas con [grupo slug="a-flor-de-piel"]A Flor de Piel[/grupo] y Alicia Ramos. Pero probablemente, la cita que guarden en la capital con un recuerdo algo especial fue cuando se plantaron en la sala Wurlitzer de Madrid en abril de 2018 para tocar con [grupo slug="juanita-banana"]Juanita Banana[/grupo] y [grupo slug="jamonas"]Jamonas[/grupo]. Las de Guadalajara tuvieron emparejamiento internacional en el cartel del concierto en las ferias de Alcalá de Henares, donde abrieron la velada antes de que los británicos The Fuzzilis primero y los japonese The Neatbeats encandilaran al respetable con sus propuestas de rock clásico. La segunda grabación de la banda la realizaron en Madrid, en el estudio de Edu Molina, al que conocen a través de Mady. Es así que dejan preparados los cinco temas con los que se editaría [disco slug="fingers"]“Fingers” (Entrebotones, 2019)[/disco]. El balance que hizo el grupo de las sesiones de grabación fue igualmente positivo: “Hemos aprendido y disfrutado mogollón, y nos ha sacado un sonido brutal”. La oficina de management que lleva a Edu, es asismismo sello discográfico, Entrebotones, y son quienes se encargan de editar el disco. Si [grupo slug="estrogenuinas"]Estrogenuinas[/grupo], una de las bandas con las que The Veroñas siempre han manifestado afinidad y ganas de compartir escenarion, presumen orgullosas de que su música es chirll-out, porque hacen lo que les sale de la entrepierna, las de Guadalajara incluyen en este trabajo “Chichi chachi”. Tema que acompañaron con un videoclip y que hablaba abiertamente del gusto de amarse y tocarse: "Amarse siempre, disfrutando el placer de estar sola consigo misma", nos precisan. Porque si en algo reinciden de forma decidida, además de en la contundencia musical, es en las letras combativas, desenterrando rabiosas el hacha de guerra para proclamar su independencia como mujeres, su derecho a levantar la voz sin tener que esperar el permiso de nadie, aunque la batalla te haga elegir entre coherencia y libertad. Levántate y lucha por esta última. Repaso por la historia recalcando el papel de culpable que se ha asignado a la mujer, ya sea Eva, Dalila, Yoko Ono o Courtney Love, y canción dedicada a la menstruación. Se puede decir más alto, pero no más claro. Habiendo dado rienda suelta a esta vocación beligerante, ocupando hasta el último surco de su nueva entrega con mensajes claros y directos, es de suponer que consideran su música como instrumento adecuado en el que plasmar esta denuncia constante: “Cualquier medio es bueno para denunciar injusticias y crear conciencia, y a nosotras no nos sale no hablar de ello”. Justifican así cuál es su principal fuente de inspiración: “Muchas veces llegamos al local con historias que nos han pasado, y por desgracia muchas tienen que ver con el hecho de ser mujeres. Así que juntas nos desahogamos y nos nacen temas con esos mensajes, aunque también tenemos otros que son pura evasión”. La opinión de The Veroñas acerca de la situación actual de las cuestiones de género en la escena del rock estatal, y de las posibles medidas para actuar en consecuencia es clara: “Hasta que llegue el día en el que nadie se plantee el género de las personas que componen cada grupo (y cada profesión), queda aún mucho trabajo por hacer, muchas mentes por deconstruir. Pero para poder alcanzar ese día, ahora mismo hay que dar más apoyo a la presencia de mujeres, potenciarlo mediante cuotas o lo que haga falta, porque es la única manera de normalizarlo en este sistema patriarcal. Nosotras sí hemos notado un aumento enorme de grupos femeninos en los últimos años, pero no tiene que significar necesariamente que haya más, sino que por fin empiezan a ser visibles. Y eso nos encanta”. A tenor de lo que parecen disfrutar sobre el escenario y conscientes de lo mucho por lo que hay que seguir alzando la voz, parece que tenemos The Veroñas para rato.

Golpe de Gracia

June 19, 2019, 8:56 am

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Puestos a elaborar un mapa con los puntos calientes de la capital en los que hay movimiento desde posiciones punk, alguien tendría alguna vez que señalar la importancia de poblaciones como Leganes, Mostoles o Alcorcón. Desde hace tiempo, un ecosistema de colectivos, centros okupados y, sobre todo, bandas, conforman un rico e interesante tejido sonoro. En el caso que nos ocupa, el de Golpe de Gracia, Madrid sólo sirvió como lugar de encuentro para la formación del grupo, porque cada uno de sus componentes es de un sitio diferente: Riki (voz) es de Tolosa (Guipúzcoa), Íñigo (guitarra) es de Pamplona, Javi (bajo) es de Paterna (Valencia) y Juan (batería) es oriundo de Toledo. Lo que ocurre es que todos han coincidido allí: Javi e Íñigo, por ejemplo, porque vivían en la misma casa, o porque Íñigo y Riki trabajaban en “la misma mierda de curro”. Tampoco se conocen de antes, así que todo debió de gestarse de las conversaciones entre ellos de los grupos de punk y oi! que les gustan. “Proponemos montar una banda que aglutine varias de las cosas que nos molan y en las que estamos interesados”, nos cuentan. Sólo Juan carecía de experiencia musical previa. Riki había sido cantante de [grupo slug="peluqueria-canina"]Peluquería Canina[/grupo], Íñigo y Javi habían coincidido en [grupo slug="stabbers"]Stabbers[/grupo], como cantante-guitarrista y bajista, respectivamente, además de haber militado en Adúltero y Patriota (el primero) y en [grupo slug="dreckfresser"]Dreckfresser[/grupo] (el segundo). También volverían a coincidir en [grupo slug="cogotazo"]Cogotazo[/grupo]. En los primeros ensayos que tienen lugar entre febrero y marzo de 2017 empieza un proceso lento de reconocimiento: “Oliéndonos y reconociéndonos como mamíferos que somos y gente a la que le cuesta aclimatarse”, para luego empezar a cocerse los resultados: “Luego fue surgiendo el ruido, salieron los primeros cuatro temas y ya todo para adelante”. Funcionan a partir de los lugares comunes a los que les llevan sus aficiones musicales particulares. Salen los nombres de bandas de Oi! internacionales como los ingleses Blitz o los franceses Camera Silens, grupos contemporáneos como Syndrome 81, Tachanka o Rixe, o el punk vasco de los 80 como [grupo slug="rip"]R.I.P.[/grupo] o [grupo slug="eskorbuto"]Eskorbuto[/grupo]. “Que luego sonemos a esto o a otra cosa ya tiene que decidirlo la gente”, dice Javi. Semejante mezcla de sonidos para su propuesta, cuenta Íñigo, “no fue algo intencionado, pero sí bienvenido”. Sobre la componente vasca en su música tiene algo que añadir Riki: “Soy de Tolosa, entonces mis primeras referencias son los grupos euskaldunes. Por cercanía, para mi rabia, fuego, heroína y plomo son términos familiares, me siento cómodo cantando sobre ello, cómo lo hacían esas primeras bandas que escuché”. En la lista de posibles nombres para el grupo aparecen alguno que les atrae especialmente. Uno de ellos era Sentencia: “Hasta que nos dimos cuenta de que había otra banda de Barna con el mismo nombre y del mismo rollo, y nos parecía un canteo”, cuenta Íñigo. Otra de las opciones era Golpe de Gracia: “Nos parecía elegante pero violento y viceversa, así que nos pegaba”. El debut en directo frente al público tuvo lugar en una actuación para unos pocos amigos en Pandora’s Vox tocando junto a [grupo slug="hard-cheap"]Hard & Cheap[/grupo]. Ocurrió el 17 de octubre de 2017 y el grupo lo recuerda como un concierto regular “como todos los debuts”. Sería un par de meses después de ese mismo año, el 5 de noviembre, cuando se les empareja en el mismo cartel con Castigo y los estadounidenses Acrylics. El balance del verdadero de bautismo de fuego no puede ser más categórico: “Ése ya sí que fue un puto desastre. A partir de ahí nos pusimos las pilas” En febrero de 2018 ya estaban listos para afrontar su primera grabación. Eligen para ello los locales de Black Block Recording situados en Alcorcón, donde se había grabado la cinta de debut de [grupo slug="la-cruz"]La Cruz[/grupo], otra banda skin del extrarradio madrileño. “Nos gustó el resultado, y grababan como queríamos hacerlo, en un local, sin mayores pretensiones, pero con muchas ganas. Acabamos bastante contentos aun teniendo alguna reticencia con el tema de las voces”, nos cuenta Javi. La masterización correría a cargo de Txutxi de Churros Grabaciones. La edición de la cinta de cassette fue cosa de San Nikasio Records, el sello que tienen en funcionamiento Álvaro y Huri de [grupo slug="tension"]Tensión[/grupo], a los que conocen desde mucho antes de comenzar el grupo al vivir todos en Leganés. y Siete Picos Records, el sello en el seno de los mismos Golpe de Gracia. [disco slug="golpe-de-gracia-demo"]“Golpe de Gracia Demo” (San Nikasio / Siete Picos, 2018)[/disco]. La cinta contenía auténticos puñetazos de gran intensidad melódica con historias que giran principalmente en torno a una juventud triste, apartada en las cloacas o enviada a los frentes de las interminables guerras que sostiene el sistema decadente de Occidente, además del miedo y odio de la chica que siente la mirada lasciva a su alrededor. Junto a un tema en euskera, como extra añadían una versión de “Zipaoiak”, tema de [grupo slug="punetazo"]Puñetazo[/grupo] que también recuperaron en su momento otro grupo al que Golpe de Gracia admira, los gallegos [grupo slug="ruin-bois"]Ruin Bois[/grupo]. Es Íñigo el que expone sin problema alguno las razones que les llevaron a escoger la canción: “Todo lo que sea meternos con las fuerzas y cuerpos de seguridad del Estado nos hace sentirnos bien y, especialmente con aquellos advenedizos que se entregan como milicia local para reprimir a su propio pueblo”. Riki se une a la hora de mostrar su admiración por el grupo vasco: “A mi Puñetazo me marcaron mucho. Me siguen poniendo los pelos de punta y me traen muchos recuerdos. La versión de los Ruin Bois la he coreado millones de veces con mis acólitos. La letra me gusta mucho, es clara, directa y real, y creo que nos pega”. No descartan recuperar algún tema más del repertorio de los de Arrasate como “Barrio nuevo”. El 20 de enero de 2018 tocan en Alcorcón con [grupo slug="alterkado"]Alterkado[/grupo], La Cruz y [grupo slug="eslogan"]Eslogan[/grupo], y meses después,el 28 de abril en Benisse (Alicante) la banda toca con Bisonte en el Festival Punkrrisima Xiqueta organizado por Jaume del fanzine Greix; en junio de ese mismo año en la sala Wharf 73 de Madrid junto a [grupo slug="tipex"]Tipex[/grupo] y [grupo slug="bluf"]Bluf[/grupo]. El 21 de julio son una de las bandas invitadas en la presentación del LP de Tensión, que se rodearon para la ocasión de un buen ramillete de bandas amigas: [grupo slug="knockout"]KnockOut[/grupo], Falsa Bandera, [grupo slug="mortal-wombat"]Mortal Wombat[/grupo], La Cruz y Tony Galento. De evento celebrado en Leganés en La Perla Embrujada, recuerdan habérselo pasado en grande, “aunque tocáramos borrachos como piratas y fatal a las cuatro de la mañana. Pero tamaño ambientazo y en casa, no se olvida fácilmente”. El 29 de septiembre ofician de anfitriones, de nuevo en el Wharf 73, de los daneses Úlceras en el que milita Ángel ([grupo slug="las-venas"]La Venas[/grupo]) excompañero de Riki en Peluquería Canina, en su paso por España. La banda continuaría con una buena dinámica de conciertos, recorriéndose las salas madrileñas habituales y participando en eventos como el celebrado el 13 de octubre en el centro social okupado La Dragona, organizado por el colectivo Never Walk Alone con un cartel encabezado por los italianos Nabat y en el que figuraban otros grupos como [grupo slug="metralla"]Metralla[/grupo], Tensión y La Cruz. También tocan con Aliment y Plataforma en la sala Wurlitzer el 30 de noviembre, terminando el año con la actuación en Bilbao en diciembre junto a Conteiner, [grupo slug="horzdun"]Horzdun[/grupo], [grupo slug="aihotz"]Aihotz[/grupo] y [grupo slug="blessure"]Blessure[/grupo]. “Vamos sacando temas en el local y en algún momento nos olemos que ya toca grabarlos” cuentan sobre el proceso seguido a la hora de decidir una grabación. Fue así cómo se preparó el 19 y 20 de enero [disco slug="golpe-de-gracia-ep"]“Golpe de Gracia EP” (Siete Picos / Tough Ain’t Enough / Punk Machine, 2019)[/disco]. Escogen grabar en La Nota, un estudio en el que, de una u otra manera, habían estado ya cacharreando antes (“básicamente dando por el culo”). En la grabación del LP de Tensión, por ejemplo, o cuando Íñigo grabó guitarras para una versión de Red Alert a cargo de Time Bombs. “El caso es que el estudio nos pareció cómodo. Ciri, que es el que lo lleva, es un pavo con una paciencia hecha a prueba de idiotas”. La masterización se encomendó a Maxime, al estudio que tiene en su casa de Chateu Vergogne en París: “porque nos flipa cada una de las bandas en las que ha estado o está, Rixe, Youth Avoiders, Condor, etc.. Pensábamos que tendríamos en las orejas música parecida y que nos iba a pillar el rollo de cómo queríamos sonar. Para mí que así fue” concluye Íñigo. El EP supone una mejora importante en el sonido con respecto a la primera grabación. Mantienen el tono amenazante a base de canciones que van creciendo en intensidad y para las que no dudan en emplear coros fantasmales y contundentes en apoyo de la crispación de Riki al micro. Ejercicios de memoria histórica para fusilamientos anónimos en el frente de Aragón, paso del ángel exterminador por los batzokis vascos y la crónica de un suicidio, son algunos de los contenidos de la media decena de temas que lo componen. El domingo 10 de febrero de 2019 participaron en la matinal de punk del Rock Palace que los emparejaba con Tensión, los murcianos Contempt y Bomber 97.El 17 abril del 19 actúan con los franceses Kronstadt y con Gente Inteligente en la sala La Mala de Aluche. Tras tocar el día 11 de mayo en Córdoba junto a Guiri Resort, Rebeka Puesta y [grupo slug="patxangoi"]Patxangoi![/grupo] Presentan el disco en directo en directo en la sala Trashcan Music Club de Madrid el 18 de mayo en un cartel que incluía además a La Femme Brutal y Finale (que sustituyeron a última hora a los inicialmente programados Paz SS). Poco después, el 8 de junio, marchan junto a [grupo slug="satelite"]Satélite[/grupo] y Tensión para participar en el Odio Fest de Albacete, donde se juntarían igualmente con Weak, Tassottis y [grupo slug="no-drop-for-us"]No Drop For Us[/grupo]. Se muestran reacios a hablar de una escena Oi! local en la capital, más que nada por no reconocer en el sonido de muchas de las bandas candidatas a componerla lo que ellos consideran lo mejor del género: “Muchos de los grupos que se entiende que están en la escena, no nos suenan al Oi! que nos gusta: o tienen un exceso de sacarina que hace que nos cueste digerirlos o suenan a una especie de hardcore brutote a lo Madball que no sé muy bien que tiene que ver con el Oi!”, protesta Íñigo Riki, que sostiene que siempre, de una manera u otra ha habido suficiente movimiento en Madrid con “fanzines, sellos y gente sacando adelante conciertos”, apunta al que, en su opinión, pudiera ser el principal problema: “La deriva al hardcore machacón bruto y en muchos casos ridículo, para mí ha sido lo peor para esa escena Oi!, porque sin tener nada que ver , se hizo con un pequeño monopolio”. La Cruz, [grupo slug="bomber-96"]Bomber 96[/grupo], [grupo slug="strike-back"]Strike Back[/grupo] o Graveyard Kids son algunos de los nombres que destacarían del sonido Oi! de Madrid.

Los Paletos

June 25, 2019, 11:29 pm

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El origen de Los Paletos lo encontramos en 1964, cuando un grupo de amigos decide participar con el nombre de Los Fwyns en un festival comarcal de radio organizado por Arnaldo Serrano. Dicha denominación era resultado de las iniciales de las localidades de nacimiento de sus componentes –Fuenllana, Villahermosa y Villanueva de los Infantes- con una aparente grafía sajona al final. Los miembros de Los Fwyns eran Miguel Benito (guitarra solista), Pablo Burillo (órgano, teclados), Mauricio Serrano (bajo, guitarra rítmica) y Miguel Ángel Calvo (batería). En ocasiones les acompañaba con la guitarra rítmica Vicente Ferrer, y ya, por aquella época, les representaba el hermano de Mauricio, Víctor Manuel, y León Heredia, antes de irse a Madrid a una oficina de representación artística. Debutan en directo en las fiestas de Albaladejo con un repertorio que se limita a hacer versiones de los grandes éxitos, nacionales e internacionales, que copan lo más alto de las listas de ventas españolas. Los primeros conciertos eran únicamente instrumentales con canciones de The Shadows, [grupo slug="Los-Pekenikes"]Los Pekenikes[/grupo] o [grupo slug="Los-Relampagos"]Los Relámpagos[/grupo], para más tarde pasar a ser cantados con temas de [grupo slug="Los-Sirex"]Los Sirex[/grupo] o [grupo slug="Los-Brincos"]Los Brincos[/grupo]. Gracias al apoyo económico del padre de Pablo compran una batería completa y un órgano Hoffer lo que les permite presentarse como un grupo más moderno y, de esta manera, cobrar más por sus actuaciones. Éstas se celebran lo mismo dentro de su provincia, como en Valdepeñas -donde compartirán escenario con [grupo slug="Raphael"]Raphael[/grupo]-, Almedina o Almuradiel, que fuera como en diversos hoteles de la costa alicantina durante la temporada estival. Su primer directo con composiciones propias se produce en el Primer Festival de la Juventud de Villanueva de los Infantes donde interpretan los temas "Ingenua", "El rock de Valdepeñas" o "La yenka de Santa Cruz". En 1966 deciden cambiarse de nombre por el de Los Paletos al incorporarse dos nuevos componentes a la formación venidos del extinto grupo tomellosero Los Saltos: Tony (cantante) de la localidad de Manzanares y Paco (batería), apodado el oso por ser oriundo de Ossa de Montiel. Cambian su estética, del traje y corbata pasan a la camisa blanca de tirilla, pantalón negro, boina, faja y blusa, en un deseo de remarcar el ser de provincias aunque su estilo pop seguirá inalterable. No será éste su único hecho diferencial, ya que durante esta primera época como sexteto tocan con dos baterías, algo que dura hasta que Miguel Ángel pasa a ser vocalista junto a Tony. Su primer concierto con la nueva formación se produce en las fiestas del colegio Santo Tomás de Aquino de Tomelloso. 1967 es un año repleto de trabajo para Los Paletos, actúan en Radio Madrid, en el programa El Gran Musical de Tomás Martín Blanco, donde coinciden con Los Pekenikes. Se presentan y ganan el primer Festival de la Mancha con el tema "Tierra manchega". Y, finalmente, realizan una gran gira que les lleva por toda España desde el norte al hotel Canciller Ayala de Vitoria, pasando por el sur actuando en el Atalaya Park marbellí, hasta las costas valencianas tocando en El Gallo Rojo de Alicante, y en Los Viveros de Valencia. Todo esto sin descuidar los festejos locales como las ferias por la provincia de Ciudad Real, para finalmente pasar el invierno en Benidorm. En 1969 se presentan al concurso Champolión Musical organizado por la cadena SER alcanzando la final que se celebra en el cine Palafox de Zaragoza. Presentado por Miguel de los Santos y Juan Castello Rovia, y con actuaciones de los grupos [grupo slug="Doble-Dinamita"]Doble Dinamita[/grupo] y Los Pekenikes, Los Paletos quedan englobados en el grupo de Madrid junto a Los Magos, Los Esfinges e In Group, mientras que en el de Barcelona están Los Skorpis, Los Boom, Los Bríos y Resurrección. Ese mismo año editan su primer trabajo, el sencillo [disco slug="principe-azul-siento"]"Príncipe Azul / Siento" (Berta, 1969)[/disco] cuya portada cuenta con un dibujo del grupo por obra del artista José Luis Cabañas. En 1970 editan el EP [disco slug="principe-azul-siento-no-mientas-cuando-te-vayas"]"Príncipe Azul / Siento / No Mientas / Cuando te Vayas" (Berta, 1970)[/disco] con una portada idéntica a la del single. Y ese mismo año firman en exclusiva para tocar todos los fines de semana del año en el Castilla Park de la localidad albaceteña de La Roda. Los años venideros siguen girando por todo el país actuando con artistas como [grupo slug="Rudy-Ventura"]Rudy Ventura[/grupo], [grupo slug="Franciska"]Franciska[/grupo], Alberto Cortez o [grupo slug="Mari-Trini"]Mari Trini[/grupo]. Poco a poco va empezando su lento declive –los estudios, el trabajo y el obligado cumplimiento del servicio militar mandan- hasta que en 1975 realizan su última actuación en la sala Picadilly de Madrid.

Marià Albero

July 1, 2019, 12:17 am

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"He tingut sort amb les dones, que ja és molt tenir / i a les mans la primavera que ja és dir / He pujat on la neu crema i he caigut al sot / Demaneu-me el que vulgueu que tinc de tot / Però no pas aquest poema volador i petit / Gust d'amor / Color mangrana / que he escrit per al meu amic" ("Per el meu amic", canción que [grupo slug="Joan-Manuel-Serrat"]Joan Manuel Serrat[/grupo] escribió y dedicó a Marià Albero) Marià Albero i Silla nace el 27 de diciembre de 1949 en Valencia, siendo una de las voces valencianas que se une al movimiento de la nova cançó junto a [grupo slug="Raimon"]Raimon[/grupo], [grupo slug="Maria-del-Carme-Girau"]Maria del Carme Girau[/grupo], [grupo slug="Els-4-Z"]Els 4 Z[/grupo], u [grupo slug="Ovidi-Montllor"]Ovidi Montllor[/grupo] entre otros. Su debut discográfico se produce con la edición del EP [disco slug="vam-ser-tots-al-jorn-de-la-tardor-no-deixare-de-lluitar-napalm-no-volem-esperar-com-abans"]"Vam Ser Tots al Jorn de la Tardor / No Deixaré de Lluitar / Napalm / No Volem Esperar com Abans" (Edigsa, 1967)[/disco] que cuenta con el acompañamiento de [grupo slug="Francesc-Pi-de-la-Serra"]Francesc Pi de la Serra[/grupo] a la guitarra y la dirección artística de Salvador Gratacós. Durante esas sesiones de grabación conoce a Joan Manuel Serrat, que a su vez está preparando el EP [disco slug="canco-de-matinada-men-vaig-a-peu-paraules-damor-les-sabates"]"Cançó de Matinada / Me'n Vaig a Peu / Paraules d'Amor / Les Sabates" (Edigsa, 1967)[/disco]. Entre ellos surgirá una gran amistad que durará toda su vida. En abril de ese mismo año, participa en los recitales organizados por Edigsa, en un repleto Palau de la Música, para la presentación del tercer trabajo de Serrat. Marià actúa en la primera parte del programa junto a [grupo slug="Jacinta"]Jacinta[/grupo] y la cantante francesa Jocelyne Jocya –que al no saberse sus canciones traducidas al catalán, las cuales había publicado Edigsa, fue abucheada por el público-. El borche final de estos recitales era el primer concierto de Serrat en solitario en el emblemático edificio. En julio de 1967 Marià actúa en el cine Arinco de Palamón junto a [grupo slug="Enric-Barbat"]Enric Barbat[/grupo], [grupo slug="Guillermina-Motta"]Guillermina Motta[/grupo], Joan Manuel Serrat y [grupo slug="Els-3-Tambors"]Els 3 Tambors[/grupo]. Y en septiempre participa en la gala del Gran Premi del Disc Català organizada en el hostal Roger de Flor en Lloret de Mar junto a [grupo slug="Maria-del-Mar-Bonet"]Maria del Mar Bonet[/grupo], [grupo slug="Xavier-Ribalta"]Xavier Ribalta[/grupo], Els 3 Tambors, [grupo slug="Miquela-Llado"]Miquelina Lladó[/grupo], Lou Bennett y Billie Brooks más los premiados [grupo slug="Tete-Montoliu"]Tete Montoliú[/grupo] y Serrat. Ese mismo mes toca, junto a Francesc Pi de la Serra, en el casino de L'Aliança del Poble Nou, junto a [grupo slug="Rafael-Subirachs"]Rafael Subirachs[/grupo] en la universidad de Zaragoza, y en su Valencia natal con [grupo slug="Pau-Riba"]Pau Riba[/grupo], Maria del Mar Bonet y Francesc Pi de la Serra, para acabar el año con un par de directos en Barcelona. El primero en la plaza de toros de Las Arenas, donde Marià se subirá al escenario junto a varias voces del colectivo de [grupo slug="Els-Setze-Jutges"]Els Setze Jutges[/grupo], Raimon, [grupo slug="Nuria-Espert"]Nuria Espert[/grupo], [grupo slug="Guillem-dEfak"]Guillem d'Efak[/grupo], Miquelina Lladó, Jacinta, Pere Oriol, [grupo slug="Xavier-del-valle"]Xavier[/grupo], [grupo slug="Los-Jemax"]Los Jemax[/grupo] y [grupo slug="Eurogrup"]Eurogrup[/grupo]; mientras que el segundo es dentro del I Ciclo de la Cançó Catalana en el auditorio de Caja Sabadell junto a Pau Riba y varios jueces. El año 1968 comienza para Marià con una actuación en el café teatro valenciano El Micalet junto a Francesc Pi de la Serra y [grupo slug="Lluis-Miquel"]Lluís Miquel[/grupo]. Para, posteriormente, realizar una serie de sesiones junto a Enric Barbat y/o Maria del Mar Bonet como en el Forum Vergés de Barcelona, en el centro católico de Sants, en el salón de actos del C.E. Huracans de Lleida o en la facultad de medicina de Salamanca. En algunos de estos directos se sumaron otros cantantes a la cartelera como [grupo slug="Joan-Ramon-Bonet"]Joan Ramon Bonet[/grupo], [grupo slug="gloria"]Glòria[/grupo] y [grupo slug="El-Grup-de-3"]El Grup de 3[/grupo] en el Orfeó Gracienc, Guillermina Motta en el club Helena, Maria Pia y Glòria en Balaguer, o Guillemina Motta y [grupo slug="Paco-Ibanez"]Paco Ibáñez[/grupo] en Lovaina. Durante el mes de mayo y junio, actúa como telonero de Serrat –junto a otros artistas como Tete Montoliú, Glòria, [grupo slug="Maria-Pilar"]Maria Pilar[/grupo], Maria del Mar Bonet y [grupo slug="nuria-feliu"]Nùria Feliu[/grupo]- en una pequeña gira que el Nano hace por Catalunya. Edita su segundo trabajo, el sencillo [disco slug="jo-no-ho-crec-classe-mitja"]"Jo No ho Crec / Classe Mitja" (Edigsa, 1968)[/disco] con una fotografía de portada obra de Josep Puvill, y el diseño artístico de Jordi Fornas. El 23 de junio actúa en el centro cultural de Sant Adrià de Besòs junto a [grupo slug="Lluis-Llach"]Lluís Llach[/grupo, y, pocos días más tarde, en el cuarto aniversario de Radioscope, emisora donde el presentador [grupo slug="Salvador-Escamilla"]Salvador Escamilla[/grupo] impulsó la nova cançó. Celebrado en el Palau de la Musica contó con un sinfín de cantantes tales como [grupo slug="Falsterbo-3"]Falsterbo 3[/grupo], [grupo slug="Regina-Buira"]Regina Buïra[/grupo], [grupo slug="Dos-Un"]Dos+Un[/grupo], Guillem d'Efak, [grupo slug="Duo-Ausona"]Duo Ausona[/grupo], [grupo slug="Els-7-dAqui"]Els 7 d'Aquí[/grupo] y un largo etcétera. En julio participa en el festival Filomàtic, y en agosto en las primeras Diades de la Cultura Catalana celebradas en la localidad francesa de Prades –al año siguiente se convertirán en la Universitat Catalana d’Estiu- junto a [grupo slug="Maria-Amelia-Pedrerol"]Maria Amèlia Pedrerol[/grupo], Lluís Llach, Dos+Un, [grupo slug="Merce-Madolell"]Mercè Madolell[/grupo] y Llorenç Tarrida. Finaliza el año tocando en la II Feria de la Canción Catalana en el teatro Romea de Barcelona. Para el lanzamiento de su tercer microsurco, [disco slug="el-joglar-la-finestra"]"El joglar / La finestra" (Edigsa, 1969)[/disco], Marià se decanta por la musicalización de un poema de Francesc Almela i Vives -"La finestra"- y de un tema compuesto por Albert García. La foto de portada será obra de Colita, y el diseño del vinilo corre a cargo de Juan Carlos Pérez Sánchez. Con la llegada de los 70 Marià abandona la nova cançó para interesarse más por la nueva corriente que estaba en auge en la ciudad condal, la ona laietana. Se une a Manel Joseph (Dos+Un, [grupo slug="Orquestra-Mirasol"]Orquestra Mirasol[/grupo], [grupo slug="Orquestra-Plateria"]Orquestra Plateria[/grupo]) para formar el grupo ,apadrinado por Serrat, [grupo slug="Patatas-Fritas"]Patatas Fritas[/grupo]. Sólo graban un único sencillo, pero sirve para dar paso a [grupo slug="La-Rondalla-de-la-Costa"]La Rondalla de la Costa[/grupo]. En una entrevista para Enderrock, Manel comenta sobre esta banda que "Él (por Marià) tuvo la idea de hacer un grupo moderno que recogiera, al mismo tiempo, la sonoridad de la típica rondalla. Me lo comentó, y como yo estaba también en la Orquesta Mirasol, hablamos con Xavier Batllés, que se apuntó rápidamente haciendo los arreglos y repartiendo jamones -nombre familiar con el que se conoce a la familia de los instrumentos de cuerda: laúdes, mandolinas- para todos". A finales de 1970 –los días 12, 13 y 14 de diciembre- participa en el encierro de Montserrat junto a otras trescientas personas –entre ellos Joan Miró, Antoni Tàpies, Manuel Sacristán, Terenci Moix, Xavier Rubert de Ventós y por parte de la cançó Joan Manuel Serrat, Guillermina Motta, Raimon o Francesc Pi de la Serra- contra el Proceso de Burgos y las penas de muerte impuestas a un grupo de militantes de ETA. Marià lo recordaba así: "Del encierro de Montserrat recuerdo el coñac y el ron que corrían, las reuniones donde ya se veían las putas capillitas de poder. Recuerdo a muchos personajes de la cultura y de forma especial y entrañable a Joan Miró, que nos dejó boquiabiertos por su personalidad revolucionaria, cercana y de influencia montaignesca que yo siempre he amado. También vi algunos choricillos que se han convertido en señores de la política y más bien corruptos" Junto a Joan Manuel Serrat crea el sello Òliba, dentro de la matriz de Edigsa, como plataforma para creadores, músicos y artistas, con proyectos necesitados de un soporte para mostrar su trabajo. De esa época Marià recuerda que "todas las producciones tuvieron en su momento un toque de originalidad reconocido por los medios de la época, y la mayoría de los trabajos fueron premiados por su aportación a la modernidad". En muchos de ellos ejerce de productor como, por ejemplo, en el [disco slug="Chichoneras-Cat"]"Chichonera's Cat" (Edigsa, 1975)[/disco] de [grupo slug="Ia-Batiste"]Ia & Batiste[/grupo] o [disco slug="Tutankhamon"]"Tutankhamon" (CFE, 1975)[/disco] de [grupo slug="Iceberg"]Iceberg[/grupo], [disco slug="nuvols-de-setembre"]"Núvols de Setembre" (Óliba, 1976)[/disco] de Enric Barbat, o de productor artístico como en el LP homónimo de debut de [grupo slug="Barcelona-Traction"]Barcelona Traction[/grupo]. Después de La Rondalla de la Costa, Marià sigue vinculado a un conjunto que auna los aires populares con el espíritu progresivo de la época, siendo partícipe del grupo [grupo slug="Sardineta"]Sardineta[/grupo] junto a Eliseo Parra ([grupo slug="Mi-Generacion"]Mi Generación[/grupo], [grupo slug="los-unicos"]Los Únicos[/grupo], [grupo slug="Al-Tall"]Al Tall[/grupo]), Toni Xuclà (La Rondalla de la Costa) o Eduard Altaba ([grupo slug="Blay-Tritono"]Blay Tritono[/grupo], [grupo slug="cactus"]Cáctus[/grupo], [grupo slug="Peruchos"]Perucho's[/grupo]). También participa en la banda sonora de "Tatuaje" (Bigar Luna, 1979) Posteriormente se dedica a trabajar en el mundo de los mercados medievales cuando era algo todavía incipiente en este país. Junto a su pareja Laura, forma Grallers de Banyoles con el que participa en las primeras ediciones del festival Tradicionàrius. A finales del siglo XX lanza su último trabajo registrado, [disco slug="Estampida"]"Estampida" (Picap, 1995)[/disco]. Un LP casi instrumental basado en bailes populares de diferentes países mediterráneos con mucha presencia familiar y estética medieval. Hasta su muerte, el 12 de mayo de 2013 en la localidad de Sales de Llierca, Marià se sedica al teatro de calle y la animación.

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Midnight Sequencer

July 8, 2019, 7:12 am

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Midnight Sequencer es un proyecto del coruñés CG Santos centrado en la electrónica clásica… “Midnight Sequencer surge en 2017, durante la pre-producción de ‘The Baneful Choir’, lo que será el próximo disco de [grupo slug="teitanblood"]Teitanblood[/grupo], banda en la que me encargo de las atmósferas y los fx. Durante el proceso de búsqueda del concepto sonoro que apoyara las ideas que están detrás del álbum, acabé dándome de bruces con la síntesis. Hasta el momento, mi uso de los teclados se había limitado a nivel preset, modulando y destruyendo la señal de diferentes formas, pero la síntesis me ofrecía algo más. Me metí de lleno y se abrió ante mí un abanico nuevo de posibilidades excitantes. Durante todo ese proceso, aparte de formarme teóricamente, el acercamiento práctico fue básicamente de ensayo y error. Durante los ensayos surgían derivadas, y sonidos que obviamente no tenían cabida en Teitanblood, pero que para mi tenían potencial. Un potencial que realmente no encajaba en ninguno de mis proyectos, y es ahí donde nace Midnight Sequencer, como un modo de profundizar más en todo ello”. A parte de su rol en Teitanblood y de Midnight Sequencer, CG Santos tiene otros proyectos personales, siendo el más longevo [grupo slug="like-drone-razors-through-flesh-sphere"]Like Drone Razors Through Flesh Sphere[/grupo] (LDRTFS, 1998-actualidad). Aunque lleva en el mundo de la música desde mediados de los 90, centrado fundamentalmente en el black metal. CG Santos tenía claro el concepto del grupo desde el principio, “es un proyecto en solitario que surge influenciado por las propias máquinas. Su sonido, en principio vacío de contenido conceptual, es el que me susurra conceptos al oído y me empuja a ir cada vez más allá en una dirección, no sé si opuesta, pero si muy diferente a todo lo que había hecho antes. Todo da un salto cualitativo cuando incluyo los secuenciadores por pasos en la ecuación y empiezo a experimentar con la programación analógica de secuencias; la imaginación se dispara; es cuando empiezo a escribir canciones propiamente dichas y todo se contextualiza. Lo que en principio eran simples atmósferas más o menos interesantes, adquieren una tercera dimensión que me orienta definitivamente a lo que puedes escuchar en ‘All the same dream’”. Desarrolla un sonido que remite a clásicos como Brian Eno o Tangerine Dream y a otros artistas como Ralf Hütter, Edgar Froese, Klaus Schulze… “la electrónica de los pioneros que comentas, entre otros, es la referencia más cercana que tengo. No obstante, es evidente que mi bagaje en otros géneros ha influenciado definitivamente al sonido, al modo en el que escribí el disco, a las melodías, las estructuras y quizá mi propio acercamiento general a la electrónica moderna”. Podemos manejar muchas etiquetas: synthwave, cyberpunk… “aunque entiendo que se relacione a Midnight Sequencer con ello, no me identifico con los valores y conceptos que desarrolla el synthwave o la cultura cyberpunk. Quizá la mejor etiqueta sea simplemente ‘electrónica’. Sé que es un tanto inespecífico desde una perspectiva actual, donde todo tiene que ir perfectamente clasificado, envasado al vacío, con código de barras y un hashtag para enfocarlo a su nicho de potenciales consumidores, pero la cantidad de etiquetas y subgéneros que existen implican sutilezas irrelevantes para mí. No escucho prácticamente nada de electrónica, no tengo contactos en el mundillo, ni soy consciente de las idiosincrasias de los diferentes sub-sub-géneros. En los 90 hice electrónica, y todo era sencillo, house y techno, punto; pero el mundo ha cambiado mucho desde entonces, se ha diversificado, saturado, y aun así todo el mundo quiere ser ese copo de nieve único y perfecto; buscar y mostrar su singularidad a base de crear artificialmente su pequeño lugar en el mundo...  El que escuche Midnight Sequencer, lo clasificará según su criterio y sus propias experiencias. Pero al final solo hay dos categorías, me gusta o no me gusta”. [disco slug="all-the-same-dream"]“All the Same Dream” (Civitas Mortis, 2019)[/disco] es su primer trabajo. “A groso modo, el disco ronda la idea del estancamiento evolutivo que implica nuestra relación con la tecnología. Públicamente prefiero no profundizar demasiado en ello porque realmente, ni en este, ni en la mayoría de mis acercamientos musicales, pretendo transmitir ninguna idea concreta. No soy un gurú que deba esparcir sus ideas para iluminar la triste existencia del pueblo ignorante de la verdad suprema; simplemente hago música porque es lo único que sé hacer, sin más. Obviamente hay ideas y conceptos que me influencian y sobre los que baso mis trabajos, pero eso no quiere decir que deban ser interiorizados por terceros. Puede sonar incongruente, lo sé, la música es un lenguaje y como todo lenguaje debe decir cosas, pero las ideas en las que me baso y lo que el oyente interprete, no tiene por qué coincidir; de hecho, no debería coincidir. Me parece más interesante el análisis introspectivo o las sensaciones que pueda tener alguien ajeno al proyecto, que lo que yo teóricamente quiera expresar; no me gusta adornar mis trabajos con discursos más allá de lo imprescindible, todo está implícito en la música y en los libretos. La música es el mensaje”. Con respecto a la grabación afirma que “el proceso de grabación no tiene mucho secreto. Fue el típico proceso tedioso de grabación multipista. El mismo sistema que para grabar cualquier otra cosa. La mayoría lo grabé en un multipistas digital y algunos elementos en un cuanto pistas de cinta.  Todo el proceso de grabación estuvo enfocado a conservar la dinámica y las texturas, con una mezcla que favoreciera la interacción entre el sonido de las diferentes máquinas. Para esto prescindí de elementos de post-producción, limitándome a ajustar niveles para el master final”.

Los Condes

July 10, 2019, 1:45 am

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En 1967, [grupo slug="Los-Z-66"]Los Z-66[/grupo] sufren importantes cambios en su formación. Entran el batería Manolo Marí, el teclista Pep Noguera y el saxo Manolo Martínez -Ness- que junto al guitarra Vicenç Caldentey y bajista Leopoldo González pronto llaman la atención del sello EMI Regal, sobre todo por su afán de experimentación sonora y su excelente cantante. Ese mismo año graban sus primeras referencias, una conjunción de temas soul y otros que anticipan el rock psicodélico que suponen su entrada en las listas de ventas. El impacto de dichos artefactos en el archipiélago es tal, que renuevan musicalmente toda la escena de las islas introduciendo una serie de sonidos en su propuesta que se alejaba de los estándares de la época. Hasta esos momentos predominaban el beat británico, pero su apuesta por James Brown o Wilson Pickett les convierte en pioneros de ese estilo en España. Poco tiempo después, muchos grupos siguen su estela, siendo Los Condes uno de ellos, y por muchos, considerados como una de las bandas más importantes de soul y r&b después de los mencionados Z-66. Formados el año 1968, este conjunto es el compuesto por Paco (voz), Carlos María (guitarra) (Los Fugitivos, [grupo slug="Los-Pops"]Los Pops[/grupo]), Bernat Ferrà (bajo) (Bronze), Ernesto (batería), George (saxo) y Pepe (trombón de varas). El nombre del conjunto viene del deseo de "llegar a ser los aristócratas de la música actual". El grupo fue muy publicitado gracias al apoyo del locutor Miguel Soler –que desde Radio Mallorca, y Miquel Vives desde Radio Popular, renovaron por completo el panorama mallorquín con una serie de programas destinados al público más joven que demandaba un nuevo estilo de música- y de su gestor personal, Francisco del Valle. En pocas semanas ya se habían hecho con un nombre destacable en la escena y poco después de su debut en directo, en la sala Jartan's de Palma de Mallorca, viajan a Barcelona para grabar dos sencillos para el sello Emi Regal. El primero, [disco slug="try-me-no-puedes-maggie"]"Try Me / No Puedes, Maggie" (Regal, 1968)[/disco], contiene los temas "Try me" escrito por Wayne Carson y popularizado por Bruce Channel, y "I can't let Maggie go" de Honeybus que habían logrado llegar al Top10 en las listas de éxitos británicas ese mismo año. El segundo, [disco slug="baby-besame-no-me-ilusionare"]"Baby, Besame / No Me Ilusionaré" (Regal, 1968)[/disco], contiene las adaptaciones al castellano del "Hold me tight" de Johnny Nash y "My little lady" de The Tremeloes –que a su vez estaba basada en la canción italiana "Non illuderti mai" de Orietta Berti-. Aparte de estos cuatro temas, su repertorio también incluía adaptaciones de éxitos foráneos como el "Soul man" de Sam & Dave o el "Soul finger" de The Bar-Kays. Sus directos, además, los completaban, incorporando dos go-gós en el escenario. En 1968, actúan en el V Festival Internacional de la Canción de Mallorca, fuera de concurso, junto a [grupo slug="Los-5-del-Este"]Los 5 del Este[/grupo] y [grupo slug="Los-4-Ros"]Los Ros[/grupo]. Un evento rodeado de polémica debido al maltrato que le dio RTVE y por la canción ganadora, que tuvo una repercusión escasa a pesar de ser elegida para representar y promocionar las islas. El periodista Manuel Santolaria escribió sobre la misma: "Si es posible, que no se haga uso y abuso de la famosa austeridad porque si no, se van a reír del Festival hasta en las islas Feroe. (…) Nosotros entendemos que hasta para ser pobres hay que tener una cierta elegancia. Hay que saber ser pobres y disimular para que luego, en lugar de lástima, no causemos gracia. Y si hace falta hacerse el señor dentro de la pobreza o la austeridad, hay que saber serlo". El 13 de julio de 1969 actúan en el primer aniversario de la sala Sgt. Peppers, que, para la ocasión, celebra una gran fiesta soul con Los Z-66, Los Condes, y [grupo slug="Los-del-Sol"]Los del Sol[/grupo]. Otros locales de la isla donde tocan mucho son el Big Apple, Los Rombos, el Olé. Pero, el grupo se disuelve poco después tras varios y serios problemas. El primero la expulsión de Carlos de María del grupo siendo sustituido por Bartomeu Genovard ([grupo slug="Los-Brujos"]Los Brujos[/grupo]), y el segundo por el grave accidente de tráfico que sufre su vocalista. Después de unos meses de especulación el grupo desaparece después del verano del 69. Durante los años 70 hubo un par de intentos de resucitar la banda, pero ambos fueron frustrados.

Pacto de Perdedores

July 17, 2019, 8:40 am

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“Nos gustó el concepto de dos mataos que para llegar a unos mínimos tenían que hacer fuerza juntos” cuentan Iker Cortés (voz y guitarra) y John Tones (batería y coros) a la hora de explicar el porqué del nombre que eligieron para su banda. “Hubo una época en la que el P.P. se pasaba el día con lo del Pacto de Perdedores en la boca” dicen, y efectivamente la idea prendió en el dúo, que desechó otras de las posibilidades que andaban considerando como Urticaries. Los dos son periodistas y se conocían virtualmente “de internet, de coincidir en foros”. Si bien Iker se estrenaba musicalmente, John, en cambio, llevaba algo así como una década transitando por varios proyectos previos. De todos ellos, los únicos con los que se llegó a grabar alguna maqueta o actuar en directo fue con P.A.J.E.R.O. (dúo y luego cuarteto de pop), Tres Tristes Ninjas (trío de hardcore punk), Mini Pierna Extra (trío de tecnopunk) y Wicked Wanda, el que más duraría. Con Pacto de Perdedores, eso sí, se estrenaba tocando la batería. De hecho, empezó a hacerlo en 2015 y no fue hasta que adquirió cierta soltura que decidió empezar a tocar con Iker. “Nos entendimos rápido y, más o menos a finales de ese año empezamos a quedar semanalmente”, cuenta de los comienzos. En esos primeros ensayos, empiezan con versiones de grupos que gustan a los dos. El sonido al que se apunta tiene a Black Keys, White Stripes o The Hives como referencias. Otra cosa es que, finalmente, se consolidaran en parámetros diferentes: “No nos parecemos demasiado al estilo que hacen habitualmente los dúos de guitarra y batería, no tiramos ni al blues vintage a lo White Stripes ni a la mezcla de garage y psicodelia stoner que hacen tantos dúos”. Además, comprobaron que la inclusión de un bajista no aportaba grandes diferencias a lo que tenían ya “porque el sonido ya estaba definido”. Es por ello por lo que decidido el formato de dos el objetivo es “sacar el máximo partido de nuestras limitaciones al tener menos instrumentos de lo habitual”. En sus primeros momentos funcionan para ensayar en locales por hora en diferentes emplazamientos: BoxinBox (en Prosperidad)  , Pandora's Box (en Atocha). Luego pasaron un año en la zona de Marqués de Vadillo, pero al no quedar satisfechos con la experiencia, se trasladaron a los Locales Rufino en Suanzes. El debut en directo tiene lugar en la primera edición del Canino Punk Fest celebrado en la Sala Juglar de Madrid en noviembre de 2016, teloneando a [grupo slug="megaherzios"]Megaherzios[/grupo] y [grupo slug="las-cruces"]Las Cruces[/grupo]. El concierto, que consistió en una decena de canciones que incluían una versión de [grupo slug="los-ganglios"]Los Ganglios[/grupo], se podría escuchar posteriormente en el bandcamp del grupo. A finales de 2018 entran a grabar en el estudio de Raúl García cinco temas seleccionados de su repertorio. Descartan en principio todos los que habían quedados grabados de su concierto en directo, para guardarlos en caso de querer darles salida de algún modo. “No tiene mucho más misterio, las grabamos a lo largo de un par de fines de semana con medios más bien rudimentarios, pero estamos contentos con el sonido”, nos cuentan de la sesión de grabación. En un principio, la idea es confeccionar una maqueta con ellos, autoeditarla en formato de CD y en digital para el bandcamp, pero uno de los sellos a los que habían mandado los temas, Family Spree, les responde entusiasmado con la oferta de un EP de vinilo. [disco slug="sale-mal"]“Sale Mal” (Family Spree, 2019) [/disco] quedará pues como el debut en disco de Pacto de Perdedores. Da cabida tanto a temas como “La canción de Taburete”, correspondiente probablemente a la faceta más ligera o desenfadada como a ejercicios más próximos a la ironía y mordiente propia de actitudes de insurgente punk. Asimismo, el sonido de envolventes guitarras de “Mentir más” o “La desintegración” podrían hacer pensar que el grupo, efectivamente tal y como confiesan, ha disfrutado de unas cuantas horas de escuchas a través de la discografía de Pixies o Nirvana, respectivamente. De los dos grupos americanos dicen haber adquirido “cierta tendencia a combinar las partes de calma con las de ruido”. De la escena nacional señalan a [grupo slug="biznaga"]Biznaga[/grupo] como la banda con la que podrían tener ciertas similitudes. Su sonido final, sostienen, es el resultado de los esfuerzos de los dos componentes, no siempre dirigidos en la misma dirección: “Por nuestra forma de componer (Iker lleva melodía de voz o de guitarra y yo la marraneo con la batería, acelerándola o simplificándola, y a partir de ahí hago la letra), al final son dos gustos diferentes tirando cada uno en una dirección”, cuenta John. Así, no es de extrañar la amplitud del espectro lograda: “A veces nos salen cosas que recuerdan al rock lo-fi tipo Turqoiz Noiz o Ty Segall, y otras veces nos salen sin querer cosas que recuerdan al punk español de los ochenta o a Green Day. La prueba de esta variedad es que hasta ahora hemos tocado versiones de grupos tan dispares como [grupo slug="astrud"]Astrud[/grupo], Los Ganglios y los Pixies, y todas encajan en nuestro repertorio”. Pacto de Perdedores ha tocado un par de veces en el Canino Fest, un evento que les pilla bien próximo, han sido teloneros de grupos como [grupo slug="miguel-costas"]Miguel Costas[/grupo] o Fur Dixon’s WTFukushima en la sala Gruta 77 y han llegado a aparecer en Radio 3. Si crees que su nombre sugiere una actitud de acumular derrota tras derrota, te equivocas; su empeño es, por el contrario, el de tocar más y mejor. Habrá pues que seguirles.

Menchu

July 25, 2019, 4:35 pm

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Menchu era una joven ourensana que creció en una familia que siempre sintió adoración por la música, “Fernández Bordas, el famoso violinista que tiene hoy una calle en Ourense, fue familiar mío. Mi bisabuelo que era delegado de Hacienda en Tarragona dirigía allí una polifónica. Mi abuela, mi madre y mis tías cantaban en coros. Todos en mi familia se dedicaban a la música, aunque también a otras cosas. Eran médicos, abogados… pero todos tenían como segunda carrera la música. Todos la estudiaban desde pequeños” comenta Menchu. De jovencita se inicia en el coro del colegio de monjas Santo Domingo, “de aquella las monjas te ponían a cantar porque se hacían muchos festivales benéficos, especialmente en Navidad”. Conforme va creciendo su pasión por la música va en aumento, formando el cuarteto Voces Meigas en el año 59,  “lo montamos con dos chicos de la [grupo slug="coral-de-ruada"]Coral de Ruada[/grupo], Moncho y Lito, y un amigo de Coruña llamado Luis María, que era abogado de sindicatos y tocaba muy bien la guitarra. La Orquesta Auria nos orquestaba las canciones y sonábamos muy bien, en la línea de Los Cinco Latinos. La idea era participar en el gran festival de Navidad que se celebraba en el teatro. No cobrábamos, participábamos en festivales benéficos. Era todo por afición”.  El caso es que Voces Meigas se enteran que hay un concurso musical organizado por Radio Madrid y deciden participar, “era un concurso nacional. Fuimos a Madrid a cantar, y lo hicimos en directo en el teatrillo de la radio, con público y todo. Después la gente votaba las canciones por toda España. El caso es que ganamos. Tras el éxito obtenido tenemos ofertas para grabar y cantar, pero como era todo por afición, volvimos a Ourense y nos desentendimos. Poco después lo dejamos”. Más adelante, en el año 62, tras estudiar en el conservatorio solfeo, piano y canto, Menchu tiene la oportunidad de participar en el IV Festival de la Canción de Benidorm. “Fue por afición. Conocía a uno de los gerifaltes del festival, que era amigo de la familia, y me insistía en que tenía que ir. El problema era que en casa no me dejaban, no estaba bien visto que una mujer anduviese por ahí sola actuando. Consigo convencerlos, pero me dicen ‘vas a Benidorm, te vuelves y se acabó, después nos volvemos a Ourense’. Era muy jovencita, [grupo slug="raphael"]Raphael[/grupo] y yo éramos los intérpretes más jóvenes ese año en Benidorm, los dos de la misma edad” explica Menchu.  “Fueron tres meses de estancia en Madrid ensayando las canciones preseleccionadas para participar en el festival. El pública votaba y se iban eliminando canciones”. En la edición anterior del festival, la tercera, se había producido una importante polémica, puesto que la organización recibe una carta anónima escrita por varios autores que se quejan de que el locutor Raúl Matas forme parte del jurado calificador, ya que guarda una estrecha amistad con un compositor asiduo al festival, [grupo slug="augusto-alguero"]Augusto Algueró[/grupo]. También se producen quejas con respecto a las deficiencias que presenta el recinto en el que se celebra el festival, el Manila Park. En la cuarta edición se producen cambios en el festival, motivados por las quejas y polémicas del año anterior. Se produce un traslado a la Plaza de Toros, abandonando el Manila Park; se introducen modificaciones a la hora de seleccionar las canciones finalistas  y se  implanta   la  modalidad  de  interpretar  las  canciones  en doble  versión:  rítmica  y  melódica. Si por algo pasa a la historia esa cuarta edición es por el éxito alcanzado por el joven Rafael Matos, que desde ese momento inicia una meteórica carrera con el nombre artístico de Raphael. Él consiguió que la canción “Llevan”, compuesta por Ángel Martínez Llorente y Armando Reguero, obtuviera el primer premio (es importante señalar que se ofrecieron dos versiones del mismo tema, defendiendo la otra versión la cantante cubana Margarita Cantero). Además obtuvo a título personal el primer premio al mejor intérprete, dotado con 50.000 pesetas. El segundo puesto es para “Quisiera” de Barajas y De León, canción interpretada por Raphael y [grupo slug="los-brujos"]Los Brujos[/grupo]; el tercero para “Cada cual” de Sellés y Portolés, defendida por Raphael; y el cuarto puesto para “Alba de amor” de Portolés y Sánchez García, canción que interpreta Menchu... “Esa canción era muy compleja. Muy complicada su interpretación y armonías, de hecho fui yo la única que la grabé” explica. Se trata de un bolero que refleja un amor que nace bajo la luz de la luna: “En la noche / de brillante luna llena / crecen ilusiones del gran amor / de nuestro amor / y en el cielo / dos nuevas estrellas / cambian silenciosas fulgores / somos tú y yo”. El festival termina con un brillante fin de fiesta con [grupo slug="marisol"]Marisol[/grupo], Milva, Los Cinco Latinos, el [grupo slug="duo-dinamico"]Dúo Dinámico[/grupo] y Monna Bell, cantante chilena que había sido la  ganadora del primer festival de Benidorm en el año 59 con la canción “Un telegrama”. Tras su participación en Benidorm, el sello Hispavox se fija en ella, y le ofrece un contrato discográfico, “me hicieron un contrato por el cual tenía que grabar mínimo tres discos al año. Yo grabé el primero, me vine para Ourense y lo dejé todo, porque en casa no me dejaban”. Ese único disco que graba Menchu es el EP con cuatro canciones [disco slug="menchu-iv-festival-espanol-de-la-cancion-benidorm-1962"]“Menchu: IV Festival Español de la Canción Benidorm 1962” (Hispavox, 1962)[/disco]. Esas cuatro canciones son las cuatro premiadas en la edición del festival: “Llevan”, “Quisiera”, “Cada cual” y “Alba de amor”. Es curioso, porque los también gallegos [grupo slug="los-espanoles"]Los Españoles[/grupo], graban exactamente el mismo EP con las cuatro canciones premiadas en Benidorm, [disco slug="los-4-primeros-premios-de-benidorm-1962"]“Los 4 Primeros Premios de Benidorm 1962” (Polydor, 1962)[/disco].

Quijote

August 2, 2019, 4:07 am

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Los orígenes del conjunto Quijote los encontramos en el grupo santanderino –del barrio del Carmelo- Los Golpes formado en el año 1968 por tres amigos: Cristóbal Lois, que se encarga de la guitarra solista, Jesús García "Chuchi", de la batería, y Pedro Moro, de las voces. Poco tiempo después, se incorporan a la formación Vicente San Emeterio como guitarra rítmica y José María Díez "Tote" al bajo. Como quinteto duran unos meses, ya que Pedro tiene que abandonar el grupo y su rol como cantante lo asumen los otros cuatro componentes indistintamente, sin que haya una voz solista predominante. En sus inicios, tocan en la mayoría de las salas cántabras con un repertorio donde intercalan versiones de los éxitos del momento con otros más antiguos pero igual de bailables. Pero, poco a poco, su número de actuaciones va aumentando, y no sólo por su región, sino ampliando la geografía a otras limítrofes como Asturias o Castilla y León. Amén de participar en algunos festivales organizados por Radio Cantabria y Radio Popular, inaugurada poco antes. En 1970 participan en un certamen organizado por el colegio de los Padres Agustinos y el locutor de Radio Cantabria, Federico Llata Carrera. Dicho certamen lo gana un joven cantante desconocido llamado Juan Carlos Revilla gracias a sus capacidades escénicas. Juan Carlos buscaba un grupo que se amoldara a su estilo de cantar y encuentra la conjunción perfecta en Los Golpes que se cambian de nombre varias veces, pasando a ser Realidad, después Época, y más tarde Época Dorada. Ya en 1971 pasan a llamarse como el personaje más famoso de la historia de la literatura española: Quijote. En verano de 1971, Ramón Crespo -productor de la multinacional madrileña Movieplay, y que más tarde sería director de Epic- recala en Santander buscando nuevos grupos para que se enrolen en el catálogo del sello capitalino. Habla con el locutor Federico Llata y le indica cual son los más importantes del momento, entre ellos Quijote. Ramón queda encantado con el conjunto y les ofrece un contrato discográfico. En otoño el grupo se desplaza a la capital para firmar y grabar su primera referencia, [disco slug="piri-piri"]"Piri Piri" (Movieplay, 1971)[/disco], en los desaparecidos Estudios Celada, en Alcorcón, producido por Gonzalo de la Puerta que había trabajado con conjuntos como [grupo slug="Nuestro-Pequeno-Mundo"]Nuestro Pequeño Mundo[/grupo], [grupo slug="Lluis-Llach"]Lluís Llach[/grupo] o [grupo slug="Los-Pekenikes"]Los Pekenikes[/grupo]. Este microsurco tiene, en su cara A, una composición de Amador Jaén y el francés Daniel Vangarde -uno de los compositores de más éxito detrás de temas como el "Help!" de [grupo slug="Tony-Ronald"]Tony Ronald[/grupo] o "Un rayo de sol" de [grupo slug="Los-Diablos"]Los Diablos[/grupo]-. En la primavera de 1972, en el MIDEM –feria del disco que se celebraba en Cannes- consiguen vender los derechos de edición del grupo en el extranjero. De ese modo el primer sencillo de Quijote se puede comprar en países como Francia, Inglaterra, Italia, Bélgica, Chile o Argentina. Gracias a la fuerte promoción en revistas y diarios, durante ese verano el quinteto cántabro llega a ser nº1 de Los 40 Principales, y es rápidamente mencionado como uno de los grupos revelación del momento. "Piri piri" es una canción muy radiada, amén de ser versionada por las orquestas en las fiestas populares veraniegas. Hacen su primera participación televisiva actuando en "Estudio Abierto" (TVE), programa presentado por José María Iñigo, y, poco tiempo después, en "A Todo Ritmo" (TVE) de [grupo slug="Pepe-Domingo-Castano"]Pepe Domingo Castaño[/grupo]. Las pequeñas giras que antes eran en Cantabria y alrededores, ahora son nacionales y durante el final de 1971 y buena parte de 1972 se dedican a tocar en muchos puntos de la geografía peninsular. Ese mismo año participan en el festival Canción 72 celebrado en Alcobendas con el tema "Juego de niños" compitiendo contra artistas como [grupo slug="los-iberos"]Los Íberos[/grupo], [grupo slug="Carlos-Anton"]Carlos Antón[/grupo], [grupo slug="Marta-Baizan"]Marta Baizán[/grupo], [grupo slug="Los-Guacamayos"]Los Guacamayos[/grupo] o [grupo slug="Joan-Baptista-Humet"]Joan Baptista Humet[/grupo]. El primer premio fue para el cantautor argentino Jairo con su tema "María Serena". Antes del verano del 72, viajan a Barcelona para grabar su segundo trabajo con la mirada puesta en el verano. Registran un par de canciones con Tony Ronald: "Ya será domingo" –que se editara en su tercer trabajo- y "Enero, febrero marzo y abril" –que aparecerá en su segundo vinilo-. Pero divergencias con la elección de los temas que aparecerá en el microsurco, hacen posponer el lanzamiento hasta después del verano. Hacen una segunda sesión de grabación en Madrid, donde adaptan tres éxitos foráneos del momento. Finalmente es en otoño cuando sale a la venta la segunda referencia de Quijote, el sencillo [disco slug="quien-eres-tu-whats-your-name"]"Quién Eres Tú (What's Your Name)" (Movieplay, 1972)[/disco]. Del diseño del vinilo se hace cargo Norberto Cavo y la fotografía de portada es obra de Gigi. La cara A es una adaptación al castellano de un tema del grupo Chicory Tip que habían compuesto Pette Bellotte y Giorgio Moroder-pieza fundamental del techno y el disco-. El single no alcanza las cotas de ventas de su primera referencia –que saliera después de verano hundió bastante la promoción del disco-, pero el grupo no pierde mucha popularidad a pesar de ello. Siguen apareciendo con regularidad en televisión y radios de toda España, y aparecen reseñados en las revistas nacionales. A finales de año se produce un cambio en la formación de Quijote, Vicente San Emeterio, que hasta entonces se había ocupado de la guitarra rítmica, deja el grupo y su lugar es ocupado por Ricardo Sinovas que se encarga de los teclados. En 1973 graban su tercera y última referencia, el microsurco: [disco slug="el-amor-es-un-dia-que-nace-ya-sera-domingo"]"El Amor Es un Día Que Nace / Ya Será Domingo" (Movieplay, 1973)[/disco] que hace que la popularidad del grupo se mantenga. Ese mismo año, la editorial Círculo de Lectores edita un EP con cuatro temas, ya editados previamente del grupo, destinado a sus subscriptores. La canción "El amor es un día que nace" es elegida, por votación popular, como canción del verano en el programa "La Cigarra del Verano" de Radio Cantabria. En 1974 el grupo se toma un descanso de sus obligaciones musicales, ya que los miembros de Quijote se centran más en acabar sus estudios universitarios que en la música. Pero nunca más retornaran a su vida anterior, y en 1975 el grupo se disuelve definitivamente.