“Wordsnoise. Palabras baleiras con moito ruído de contido e bucles de atmósferas presionantes que envolven e volven cargadas de letras de sopa boba. Protopoesía con chuleta vegana mergullada en obsesivos desacordes. Eu non che digo nin que si nin que non”   Wordsnoise son un dúo compuesto por Alfonso Rodríguez Rodríguez (Minux) y Luis Real (Arpista Iniciado) nacido en Ourense en 2015 que conjuga ruido y poesía. “Al principio Wordsnoise no nos hacíamos llamar así. Uníamos nuestros dos pseudónimos, o como se les quiera llamar,  Arpista (Iniciado) en el ruido (guitarra eléctrica) y Minux (yo) en las palabras/voz y nos presentábamos así. Y así actuamos  cinco veces. Como Wordsnoise solo actuamos otras cinco” explica Alfonso. “La historia surge por un lado porque Luis Real llevaba tiempo con un proyecto en solitario como Arpista Iniciado después de estar en muchas bandas (y continuar hoy en día) y también porque yo ya venía recitando desde hacía años en distintos recitales y presentaciones de libros. Acababa de autoeditar un libro –“Lúa Plenur” (2014)- y para las presentaciones utilizaba un radiocassette en el que se reproducía una cinta con ruidos pregrabados por mí y así funcionaba de fondo mientras leía mis poemas. El Día das Letras Galegas de 2014 nos juntamos para una especie de festival en un bar de Ourense (Grándola), Body Cocktail (Zan Hoffman), Arpista Iniciado y yo pero por separado. No sé si fue ese día o algún otro más adelante, en ese mismo bar, que Luis Real (Arpista Iniciado) me comentó el tema de juntarnos y mezclar palabras y ruido. Y así comenzó todo”. Luis Real recuerda aquel recitado de Minux con aquel radiocassette en el que ponía un collage de ruidos, trozos de anuncios de radio, recitados... con un desorden muy adecuado… “le propuse hacer esa cama de ruido en sus recitados y así es como nace Wordsnoise. Yo de aquella (y aún sigo) estaba explorando las improvisaciones ruidistas en un proyecto llamado Arpista Iniciado, que básicamente consiste en una sucesión de riffs, loops, efectos, feedbacks y errores de pulsación que intuía  que le podía dar mucha fuerza a los poemas de Minux”. El nombre es un claro indicativo de lo que es su sonido, esa mezcla orquestada de poesía y ruido… “Desde mi perspectiva es lo más semejante a tener un grupo de hardcore a lo que pude haber llegado. Ya que nunca lo pude lograr, lo de pertenecer a uno, y de esta manera y a este nivel me siento ‘realizado’. (Aquí pueden ir risas). Evidentemente no es un grupo de hardcore. Lo que hace Arpista Iniciado es crear atmósferas ruidistas a veces y otras un poco menos, pero muy envolventes. Todo de manera improvisada. No hay temas o esquemas preconcebidos excepto alguna idea, como mucho, que se puede repetir y ante esa creación musical, un menda, de manera improvisada, quizás también, se introduce en ella cuando puede o considera taladrando con palabros que conforman algo semejante a poemas (eso sí los poemas no son improvisados)” explica Alfonso. Luis apunta que “básicamente consiste en el recitado de Minux sobre una sesión de improvisación do Arpista Iniciado. Esto, a priori, solo tiene valor estadístico y, ciertamente, para definir el proyecto hay que remitirse en un 75% a la obra poética de  Minux y en el 25% restante a mi vehiculización de esa obra en mi modo de improvisar, algo que varía en cada actuación”. Con respecto a las influencias que marcan el proyecto, Alfonso habla de “el hardcore (oldschool), el punk y la poesía de tripas o triposa y algo de corazón. Escupir el malestar social y persoal pero a veces dar algún respiro con algo de ironía y/o retranca”, mientras que Luis indica que “musicalmente intento inspirarme en gente muy diversa, que pienso que influyeron sino en la manera de tocar sí en la elección del camino, desde Fennesz a Merzbow pasando por Raymond Scott, Tom Dissevelt, los drones de Spacemen3, Cage, los Neubauten o los mismos Sonic Youth, y posiblemente olvido algunos, aunque muchos de ellos no se dedican a la improvisación per se”. En 2016 llega el cassette [disco slug="wordsnoise"]“Wordsnoise” (Na Brétema Edicións, 2016)[/disco]. Cinco cortes grabados en un local en O Couto (Ourense) que comparten Alfonso y Adriana Pérez (que también tiene participado en el proyecto de Wordsnoise con la videocreación “Rebordados” que se tiene proyectado en las últimas actuaciones)… “la grabación fue un tanto rudimentaria, ya que no teníamos los requerimientos técnicos necesarios para grabar en directo e intentar reproducir lo que es una actuación de Wordsnoise. Grabamos por separado la voz de Minux y la guitarra del Arpista Iniciado y después editamos las pistas y añadimos ruidos varios de ambiente que habíamos grabado previamente. Estaba prevista una masterización pero por motivos de tiempo no fue posible” apunta Luis. Con respecto a las letras y a los mensajes que transmiten, Alfonso afirma que “escojo normalmente los poemas más politizados, por decirlo de alguna manera, los que pueden resultar más irónicos o las dos cosas a la vez. En su conjunto son un barullo de palabros que intentan dar un revés a todos eses otros palabros que resuenan incesantemente en nuestras cabezas todos los días y que nos tienen atontados o violentados, sumisos y reaccionarios”. Luis por su parte indica que “a mí me gustan los poemas del cassette, pero por encima de eso me gustaría  destacar la policromía de temas que se pueden encontrar en un poema de Minux, saltando de uno a otro tema, de una imagen a otra, sin descanso, sin dar tiempo a pensar, casi como una canción de hardcore”. El futuro es incierto, pero Wordsnoise continúan avanzando. “Es complicado por distintas razones. Tampoco hay mucha acogida normalmente para un proyecto de este tipo que no es ni una cosa ni la otra y además, pienso, algo radical, y por otra parte yo tengo dificultades a veces para hacer frente a las actuaciones. No exactamente por ‘miedo escénico’ sino por una especie de desgaste anterior, in situ y posterior con respecto a la mentalización y a la energía de hacer este tipo de historias. Esto merma y tiene mermado la visibilidad del grupo pero muchas veces es inevitable” apunta Alfonso. Luis Real también toca con [grupo slug="ded-routines"]Ded Routines[/grupo], “tanto Iván como María son de ese tipo de personas que te inoculan ganas de hacer cosas nuevas y experimentar; y, en este sentido en Wordsnoise me encuentro igual de cómodo, aún siendo conceptos diferentes, ya que tanto Alfonso como Adriana son también de ese tipo de personas que inoculan ganas de hacer cosas y ampliar tus perspectivas”.

Resulta difícil creer que una banda de música de verbena formada entre compañeros de clase de guitarra pase a convertirse, primero en un grupo de nueva ola de teclados para finalmente terminar practicando punk radical y contestatario. Y, sin embargo, ésa fue precisamente la evolución que experimentó Éxtasis tras sucesivos cambios de formación a lo largo de su trayectoria en la década de los 80. Merecedores en todo este devenir estilístico de un reconocimiento sobre todo local alrededor de Tavernes de la Valldigna, su localidad de origen, y en Valencia más en general, la recuperación de esta grabación que tienes entre las manos, y que se suponía iba a ser el primer LP del grupo, permite documentar el estadio final al que llegó el sonido del grupo. El grupo lo forman originalmente Vicente Fons a la guitarra rítmica, Catalina Císcar a los teclados, Antonio García como cantante y bajista, Agustín Tormos a la batería y el profesor de todos ellos, Jesús de la Justicia –Zapa- como guitarra solista. Su intención es la de tocar en verbenas, y así funcionan desde Navidades de los 80 por toda la provincia tras un estreno en directo con un concierto que dieron en la calle La Barca de Tavernes durante el transcurso de unas fiestas locales. Sin embargo, pronto empezaron los cambios en el seno del grupo. Primero se produce la sustitución de Jesús por José Armengol –Pepe Galleta- a la guitarra y luego se incorpora Juan Manuel García, hermano de Antonio y que había tocado en Sombras, como batería adicional. En principio funcionarían con dos baterías, llegando a tocar así en una actuación que dieron el día 29 de junio de 1984 en la discoteca Mahiques de la vecina población de Simat de Valldigna. y en la que finalmente cada componente del grupo tuvo que poner de sus bolsillos unas 3000 pesetas, "y eso que el de la discoteca no quiso su parte de la recaudación", nos cuenta Pepe Galleta. “Si eres joven y quieres molar con Éxtasis vas alucinar” rezaba el texto anunciando ese concierto. El formato de las dos baterías no duraría demasiado ya que finalmente Agustín terminaría por dejar el grupo. La primera grabación del grupo sería una cinta registrada en su local de ensayo situado en la calle Castellets, con Vicente de Musical Valencia, al cargo de las cuestiones técnicas. Quedó así una maqueta con una media docena de temas. Volverían a grabar otra al poco tiempo en Valencia. Por otro lado, además del cambio de formación, inician un profundo cambio en la orientación de su música, perfilando un estilo cercano al de propuestas como [grupo slug="alaska-y-los-pegamoides"]Alaska y los Pegamoides[/grupo], [grupo slug="desechables"]Desechables[/grupo] y sonido de nueva ola con tintes oscuros. Añaden para ello a Carlos Povill – Charly- (con experiencia previa en grupos como The Shark, Neurosis, Metamorfosis, Carbono 14, Moco Seco) a la formación como cantante. La banda, que junto a [grupo slug="opera-prima"]Ópera Prima[/grupo] (antes llamados Lapsus) constituía una de las pocas alternativas musicales de pop-rock de su localidad, ensaya en la casa del abuelo de Vicente Fons que estaba situada en la calle Castellets en la parte más alta de la falda de la Montaña de Las Cruces. Deciden entonces grabar en los estudios Pertegás de Xirivella un puñado de canciones. Con ellas editan el mini-LP, [disco slug="miles-de-ladrillos"]“Miles de Ladrillos” (Ediciones Milagrosas, 1985)[/disco], que verá la luz de mano de Ediciones Milagrosas, sello que tenía como uno de sus responsables a Vicente Bartual, cantante en el programa de televisión Si Yo Fuera Presidente. La pequeña compañía discográfica valenciana completaría un catálogo con trabajos de grupos como [grupo slug="los-inhumanos"]Los Inhumanos[/grupo] o La Morgue en la primera mitad de la década de los 80. El debut en vinilo de Éxtasis contenía dos canciones por la cara A (“Miles de ladrillos” y “He perdido un duro”), mientras que la cara B traía “Algo”, “Caras ocultas” y “Andamos”. Sonaban a pop oscuro de sintetizador en consonancia con proyectos del momento como los mallorquines [grupo slug="peor-imposible"]Peor Imposible[/grupo]. El disco se presentó en la sala Planta Baja de Valencia, donde tocarían muchas otras veces. Éxtasis tuvo enfrente a un numeroso público que sabía ya de antes sus temas, fruto de sus conciertos anteriores en el mismo local o en la sala Gasolinera. Cuando Charly anunció que iban a tocar “He perdido un duro” empezaron a llover monedas sobre el escenario que el cantante no tuvo problema alguno en recoger y guardarse en el bolsillo. A la vista de la reacción que había suscitado entre el respetable se dirigió al mismo indicando “¡Me he equivocado! El tema se llama He Perdido Mil Duros”. Como era de esperar, no logró en esta ocasión la misma respuesta. Se les pudo ver en festivales de pop rock como el celebrado el 22 de agosto de 1985 en la plaza de toros de Valencia bajo el nombre de La Movida Valenciana de la Dipu, junto a Inhumanos, [grupo slug="seguridad-social"]Seguridad Social[/grupo], [grupo slug="comite-cisne"]Comité Cisne[/grupo], [grupo slug="orfeon-brutal"]Orfeón Brutal[/grupo] …. Como resultado del evento se llegaría a grabar un disco, “La Moguda Valenciana de la Dipu Pop-Rock 86” (Sonomusic, 1986), en el que participaban grupos locales como [grupo slug="scooters"]Scooters[/grupo], [grupo slug="vamps"]Vamps[/grupo], Ópera Prima, [grupo slug="controversia"]Controversia[/grupo] etc.. Éxtasis contribuiría al vinilo con el tema “Destroy”, que aparece en los créditos bajo la firma de Antonio García, y que dejaba bien claro que el sonido del grupo se acercaba ya a un punk con tintes abrasivo. No había sitio ya, por ejemplo, para los teclados de Catalina, que había dejado el grupo poco antes. Bastante activos en directo, los valencianos oficiaron de teloneros de los británicos 1000 Mexicans cuando estos tocaron en la discoteca Chocolate. Recuerdan entre las actuaciones memorables ocasiones como el concierto en el pub El Buc de Alberique. Cuando, tras un retraso considerable en llegar a la sala por problemas con los vehículos en los que se desplazaban, empiezan la actuación deciden hacerlo apareciendo de uno en uno sobre el escenario. Primero fue el batería el que, una vez instalado, comienza a tocar; luego apareció el bajista y así sucesivamente hasta que le llega el turno a Catalina, la teclista, que al querer llegar a su sitio tropieza con los cables, produciéndose un enorme chispazo que de manera fulminante deja el local a oscuras. Los intentos por restablecer la corriente eléctrica fueron infructuosos y el concierto se tuvo que suspender sin haber tocado siquiera un solo tema. Igualmente les viene a la memoria la ocasión en la que iban a tocar en el paseo de Oliva y no llevaron batería convencidos de que desde la organización del evento se les iba a prestar una. Al empezar a tocar utilizando la que estaba instalada ya en el escenario para otro grupo, su propietario sube enfadado intentado evitar que la utilizaran: “Se pelearon los baterías y el público se subió al escenario. ¡Se lió buena! Al final todos a protestar por la mala organización y nos volvimos a casa”. Éxtasis continuaba con un proceso de evolución en el sonido que parecía no tener fin. En un giro más de tuerca, se cambia en la guitarra a José por Roberto López –Bob-, primo de Charly, apuntando a las coordenadas de un punk mucho más duro en un espectro que cubre desde Stiff Little Fingers a G.B.H. Asimismo, se produce un nuevo relevo a las baquetas, saliendo Juan Manuel y entrando en su sustitución César Mata, un punk que venía de Valladolid. La radicalización en su sonido vino acompañada lógicamente con un cambio de estética y actitud, encontrándose titulares de reportajes en la prensa local en los que se descolgaban con rotundas proclamas del tipo: “Odiamos a los grupos babosos”. El nuevo rumbo musical les situaba ya en los parámetros del punk vasco de la época, y aunque leyendas urbanas sin corroborar hablaban de visitas al Euskadi radical para compartir cartel con algunos de los grandes nombres de entonces, lo que sí es cierto es que telonearon a [grupo slug="kortatu"]Kortatu[/grupo] y [grupo slug="cicatriz"]Cicatriz[/grupo] en el Mercado de Abastos de Valencia. En las inmediaciones del lugar se produjeron altercados con grupos de skinheads que habían acudido con intención de montar lío. Igualmente complicado resulta comprobar la veracidad de afirmaciones que sostienen que Éxtasis llegó a tocar en Alemania junto a The Damned. Preguntado Bob al respecto, responde con ganas de mantener el misterio: “Tenemos amigos y familiares en Berlín. El disco sonó allí. Algunos componentes y amigos estuvieron en Berlín Oeste. Es lo único que te puedo decir”. Dispuestos a dejar constancia de los nuevos aires del grupo, deciden entrar a grabar nuevo material. “Queríamos grabar algo que fuera diferente al mini-LP. Más en la línea de la canción Destroy”, cuenta Bob. Bajo la producción artística de Remi Carreres (bajista de Comité Cisne) graban una serie de temas que, efectivamente poco o nada tienen que ver con lo que el grupo había estado tocando desde sus comienzos. El grupo por entonces lo formaban Charly (voz), Antonio García (bajo y voz), César Mata (batería) y Bob (guitarra). Este último recuerda que utilizó la guitarra de Carlos Goñi (miembro igualmente de Comité Cisne): “Le rompí una cuerda, lo que enfureció a Remi ya que tenían concierto por la noche”. “Discordia”, que es el título que querían dar al LP era, sobre todo, un disco de punk duro, con títulos como “Odio”, “Bofia”, “No quiero vivir muerto” o “Jode el sistema” que dejaban poco hueco a la duda de las intenciones de la banda. Su edición hubiera supuesto completar el panorama en el que se desenvolvían otros grupos de punk valencianos como [grupo slug="generacion-77"]Generación 77[/grupo], [grupo slug="crenom"]Crenom[/grupo] o [grupo slug="extrema-cordialidad-homicida"]Extrema Cordialidad Homicida[/grupo], aportando quizás un punto más abrasivo que estos otros no cubrían. Sin embargo, nunca hubo oportunidad de comprobarlo porque antes de que el disco pudiera ver la luz, la banda decide disolverse. Desavenencias y conflictos entre algunos de los miembros y circunstancias externas de diverso índole acaban con el grupo antes siquiera de haber mirado con algún sello la posibilidad de editar el disco. Charly fallecería en 1997 víctima del SIDA, pero antes tocó en Family Noise, Libanés y Perrakos, grupo en el que coincidiría con José Armengol. Éste participó también junto a su hijo Elvis en Blue Hotel. Bob formó parte de [grupo slug="alerta-roja"]Alerta Roja[/grupo], grupo que acaba en 1997 y posteriormente es guitarrista en [grupo slug="la-fistula-vallkanika"]La Fístula Vallkánika[/grupo]. Informado de la organización de Festur 2010 en la sala El Loco de Valencia con bandas de la época, Pepe Galleta decide inscribir a Éxtasis en el evento. El concierto, celebrado el 27 de noviembre de 2010, reunió en el mismo cartel a Banzay, El Respetable, Éxtasis, Los Garfios, Los Inhumanos, Nana, Opera Prima, [grupo slug="oscura-vision"]Oscura Visión[/grupo], Piedras Azules, Pronóstico Reservado, Se Vende, Spray y Vamps. De los miembros de entonces de Éxtasis sólo participaron en la ocasión Bob, José Armengol y Juan Manuel. El resto de las vacantes se cubrieron con amigos y seguidores del grupo. La reunión tuvo su continuación en mayo de 2011 en un concierto organizado por Esquerra Unida del Pais Valencià en el mismo Tavernes, que cerró el capítulo de nostalgia. Al menos de manera momentánea y en lo que se refiere a actuaciones en directo. El descubrimiento de una copia de la grabación de “Discordia” que llega a las manos de los responsables de VómitoPunkRock Records activa el proceso de recuperación de unas canciones que no merecían quedar escondidas. Localizados dos de los componentes del grupo, Pepe Galleta y Bob, el sello valenciano edita finalmente el vinilo [disco slug="discordia"]"Discordia" (VomitoPunkRock, 2018)[/disco] que podría haberse oído hace ya unas cuantas décadas.

Nacho Mora (A Coruña) tiene una importante trayectoria en bandas como [grupo slug="los-covers"]Los Covers[/grupo], [grupo slug="elephant-band"]Elephant Band[/grupo] o [grupo slug="meu"]Meu[/grupo]. Todo comienza de adolescente en Los Nuestros, banda en la que coincide con [grupo slug="xoel-lopez"]Xoel López[/grupo]. Los dos músicos se unen a la banda mod coruñesa Los Covers -con los que llegarían a grabar el EP [disco slug="los-covers"]“Los Covers” (Thunder Pussy, 1995)[/disco]- hasta su final allá por el 96. Su siguiente aventura tiene más éxito, con la Elephant Band alcanzan el reconocimiento dentro de la escena 60’s nacional, dejándonos los recomendables [disco slug="for-cold-days"]“For Cold Days” (Animal, 1998)[/disco] y [disco slug="fabrica-de-chocolate"]“Fábrica de Chocolate” (Animal / Munster, 1999)[/disco]. Tras la disolución de la banda, Xoel se embarca en su proyecto más exitoso y comercial: [grupo slug="deluxe"]Deluxe[/grupo]; mientras que Nacho, acompañado por Ramón Saleta (batería), pone en marcha Meu. Una formación que se acerca con acierto al punk, al power pop y al rock. Nacho decide dejar todo eso atrás e iniciar un nuevo camino. Decide iniciar su carrera en solitario mezclando rock, poesía y tradición… “Las motivaciones fueron muchas, como comprobar que tengo más discos y muy buenos, en catalán que en gallego. O ser consciente de que cuando presumes del primer número uno en gallego, del gran [grupo slug="andres-do-barro"]Andrés do Barro[/grupo], es de hace más de cuarenta años. O el disco de [grupo slug="lucas-15"]Lucas 15[/grupo] en cuanto al concepto de actualizar la tradición. Muchas cosas, me duele en el alma el maltrato que hacemos los gallegos a nuestra cultura, tenemos el idioma más bonito de la península y en lugar de presumir de ello nos avergonzamos y no somos capaces de salir de un complejo eterno que es para hacérselo mirar”. Pese a que en Galicia en los últimos años está habiendo una importante reivindicación de la música tradicional, pasándola por un filtro rock ([grupo slug="os-amigos-dos-musicos"]Os Amigos dos Músicos[/grupo], [grupo slug="espino"]Espiño[/grupo]…) o electrónico ([grupo slug="mercedes-peon"]Mercedes Peón[/grupo], [grupo slug="ulobit"]Ulobit[/grupo], [grupo slug="baiuca"]Baiuca[/grupo], [grupo slug="lume"]Lume[/grupo]…) y del gallego, acercándose cada vez más grupos a él, Nacho afirma que “tengo una visión muy pesimista. Compruebas que hay propuestas muy buenas y que la indiferencia de todos los actores que pueden influir acaba por dejarlas en medio del olvido. La balanza musical hoy es tan mercantilista que a nada que te alejes de ciertos parámetros estás fuera, así que, cualquier atisbo de arte o cultura no masiva queda para un pequeño reducto. Lo único bueno que veo, meramente anecdótico, es que el gallego ya no es patrimonio de los folkis o el rock bravú”. Nacho cita a la banda asturiana Lucas 15, una influencia capital. Algo que queda patente en su disco debut, [disco slug="entre-as-zocas-e-os-lostregos"]“Entre as Zocas e os Lóstregos” (Autoproducido, 2018)[/disco], en el que es acompañado por Manu Molina, [grupo slug="abraham-boba"]Abraham Boba[/grupo], Xel Pereda, Luis Rodríguez… Con ellos establece contacto tras trabajar de road manager varios años con [grupo slug="nacho-vegas"]Nacho Vegas[/grupo]: “Trabajé de gira con Nacho Vegas algunos años, en una época en la que Nacho tocaba todos los fines de semana, esto quiere decir que al final de un año has pasado más tiempo con la banda que con tu pareja… Les iba poniendo las maquetas de lo que iba grabando en el estudio casero,  se animaron y una Semana Santa, Xel Pereda tenía el estudio vacío y allí que me fui a Xixón a grabar con ellos”. Para la edición del disco recurre al crowdfunding… “Opté por la autogestión, el crowdfunding salió muy bien y luego vinieron los ‘problemas’. Al ser todo letras de poetas de todas las épocas necesité de autorizaciones formales de la SGAE, tanto de herederos como de los actuales, primero empecé la gestión en la SGAE de Madrid (no sólo donde resido, sino al lado de donde vivía entonces). Fue horrible. Tras las dos primeras autorizaciones empezaron a pasar meses y meses y no había novedad. Llegaban a cuenta gotas, yo no daba crédito. Finalmente pasé la gestión a la SGAE de Galicia y mucho mejor, al menos los mails fluían y sentía que no pasaban de mí. No obstante la última la tuve que hacer de manera artesanal, esto es, a modo Lobatón, di con el heredero que faltaba, que la SGAE no conseguía localizar… ¡Manda carallo! Como anécdota me gusta recordar una entrevista al de [grupo slug="los-secretos"]Los Secretos[/grupo] con la que me topé, donde se quejaba de un proceso de dos años para las autorizaciones en un disco de versiones y se mostraba muy enfadado. Por un lado, me sirvió de consuelo de tonto y por otro, me vi en un abismo… Si a él le tardan dos años siendo el de Los Secretos, yo que soy un cheíñas…”. Con respecto al título del disco afirma que “no me gusta titular los discos con el nombre de una canción, me parece desmerecer al resto de canciones. ‘Entre as zocas e os lóstregos’ aparece en ‘Limiar’, el texto de Álvaro Cunqueiro, y fue de las últimas canciones que hice, diría que la última de las que entraron en el disco. En cuanto la acabé vi que esa frase era justo lo que reflejaba el disco, la conjunción de la cultura tradicional popular y la revisión en ciertos momentos más ruidosos o electrificados”. Para la elaboración del disco Nacho realiza una selección de autores gallegos y poemas, con Eduardo Pondal, Celso Emilio Ferreiro, Ana Romaní, Baldo Ramos, Miro Villar, Ramón Cabanillas, Estíbaliz Espinosa, Álvaro Cunqueiro y Uxío Novoneyra… “Tenía claro que quería utilizar textos de los clásicos de las letras gallegas, pero también quería unirlos con autores actuales que utilizan otro lenguaje. Hice, deshice, cambié canciones enteras con un mismo texto hasta que me gustaran, hubo poemas que tuve que dejar de lado. Viviendo en Madrid he tenido que tirar mucho de Internet, más allá de los libros de poemas que ya tenía, en especial de Álvaro Cunqueiro. Es imposible encontrar literatura gallega en Madrid y ya no te digo poesía. Ojo, en Galicia no estamos para festejar tampoco; aun habiendo una cantera de poetas en auge, la difusión que tienen es terrible. Me quejo como músico cuando al lado de un poeta soy un privilegiado”. La grabación “fue muy rápida. Un mes antes les envié las pistas que tenía grabadas en casa, y como son unos maestros y tenemos un gran entendimiento, en cinco días estaba acabado. Coincidió con el incendio en las Fragas do Eume que es uno de mis lugares favoritos y por eso la portada es un bosque quemado”. El futuro está plagado de luces y sombras… “a día de hoy no tengo planes concretos. Tengo varias canciones acabadas y disfruto mucho con el proceso creativo, pero como esto está más cerca de hacerme un agujero en el bolsillo que de darme de comer, estoy como el manido tópico del gallego en la escalera”.

Detrás de Severine Beata está la malagueña Marta Peláez, licenciada en musicología y música que ha formado parte de distintas formaciones, como [grupo slug="pianobomba"]Pianobomba[/grupo] o los difícilmente clasificables [grupo slug="chin-yi"]Chin Yi[/grupo]… “De Chin Yi lo que más recuerdo son los conciertos. Teníamos un directo potente y disfrutable, nos lo pasábamos muy bien. Pablo (líder y personificación de Chin Yi) es de mis mejores amigos y de las personas más creativas que conozco. Sabe muy bien hacer grooves hipnóticos, de una ritmicidad preciosa y compleja que engancha. Con temas tan bien pensados resulta sencillo sacar sonidazo y disfrutar el bolo. Además de eso, gracias a Chin Yi me compré mi primer sintetizador con el dinero de los conciertos y dejé el saxo para meterme de lleno con teclados y sintes”. Marta decide dar un paso adelante y desarrollar su propio proyecto, así es como nace Severine Beata… “Bueno, tenía muchos temas que había ido componiendo sin ninguna idea de llevarlos al directo ni de montar un grupo ni nada. Los hacía porque salían. Pero luego estuve una época bastante sola y necesitaba tener bolos de nuevo que me rejuvenecieran (aquí, giro de melena). Así que me propuse hacer un repertorio que pudiera llevar sola a directo. Me di cuenta que no podía interpretar esos temas tan chulos que había hecho anteriormente por culpa del concepto engañoso de los DAWS. Ahí me volví una talibana del directo y de la veracidad de la electrónica. Sólo haría arreglos que realmente pudiera interpretar en directo. Ya estaba bien de temas con cincuenta pistas pero que sólo podía tocar una línea. ¿PERO ESTO QUÉ ES?, ¿UN KARAOKE?, ¡VENGA YA, HOMBRE!”. Con respecto al nombre elegido para el proyecto, Marta afirma que “es una mezcla de cosas. Pero sobretodo, es adoración a ‘Belle de Jour’ y su concepto del placer. Y que en la facultad me dediqué a estudiar a monjas y algunos graciosos me llamaron beata”. Comienza entregando las maquetas “Pulchra Est” (2013) y “Amica Mea” (2014), para después entregar [disco slug="de-rerum-natura"]“De Rerum Natura” (Autoproducido, 2015)[/disco]. Un trabajo grabado a base de primeras tomas con un Waldorf Blofeld (sintetizador digital de simulación analógica) y una caja de ritmos… “La grabación fue sencillísima, en Jenny Records (Toledo). Hicimos tres tomas del repertorio en directo, con los temas seguidos. Me acompañó a tocar algunos sintes modulares en directo mi amigo José Luis Polo, que acababa de apañarse un Doepfer A-100, entre otras cosas. Luego elegimos las tomas que más nos gustaron. La idea del disco fue sobre todo un acercamiento orgánico a la electrónica lejos del concierto-karaoke, las estructuras basadas en el desarrollo melódico-textural y la búsqueda del idioma propio del  instrumento como clave estética... y mucho Lucrecio”. La música de Severine Beata bebe de la experimentación y la reformulación, apuesta por las primeras tomas, por que las composiciones crezcan en directo… “Supongo que existen varios tipos de procesos compositivos. A veces tienes una melodía que aparece en tu cabeza casi perfectamente terminada. Está tan bien que te pasas unos días pensando que es la alarma despertador del teléfono. O un anuncio de youtube. ¿Verdad? Después de pasar revista a todas las melodías que me  acechan y descartar que sea un refrito o un producto de una polución mental, la empiezo a valorar y ¡hala! Ya se ha agarrado y acaba saliendo. Otras veces me enamoro compulsivamente de canciones y me da rabia no haberlas compuesto yo. Me las estudio como puedo. Hago un resumen armónico, busco los cambios de más color y llego a creer comprender la magia. Me convenzo de que entiendo esa parte que me vuelve muy loca. Después olvido lo ocurrido. Y mucho después, sin mirar la partitura ni los apuntes, grabo el recuerdo que se me ha quedado del tema ya vampirizado, el que me permite el equipo que tengo y mis dos manos. Y ya” explica. Con respecto a sus influencias afirma que “es complicado. Y largo. Lo voy a intentar resumir: a pesar de que conozco algunas de las clásicas compositoras de música electrónica, las llamadas ‘pioneras’ no soy en absoluto una entendida. A la mayoría de ellas las he conocido por amigos que me han oído y comentado: me recuerdas a esta y a la otra... Músicos que me flipan mucho y oigo frecuentemente: Alan Vega, Silver Apples, Moondog, Arvo Pärt, Julee Cruise, Maryam Guébrou, Tomita, [grupo slug="las-barbas-indomitas"]Las Barbas Indómitas[/grupo], Bartók, Autechre, Space Lady, Meridian Brothers, Delia Derbyshire...”. Establece contacto con Javi Álvarez ([grupo slug="fluzo"]Fluzo[/grupo], [grupo slug="duo-cobra"]Dúo Cobra[/grupo], [grupo slug="neboa"]Néboa[/grupo]), “conocí a Javi (ese amor humano de persona) en un festival precioso que organizó Javier Longobardo en el Centro José Guerrero de Granada sobre música e imagen. Nos juntamos muchos amigos: Las Barbas Indómitas, Beatriz Sánchez, Amparo Moreno, Pablo Geso... para mí, un antes y un después. Allí Javi me invitó a participar en su programa de la radio Reina Sofía ‘Con las Ondas en la Masa’. Fue grabando en La Follable II, cuando me arrodillé y le rogué que me produjera. Como él es bueno y muy generoso me dijo que sí”. Javi se encarga de la producción de [disco slug="el-ojo-brillante"]“El Ojo Brillante” (Repetidor, 2018)[/disco]… “me siento muy orgullosa y feliz con el resultado. El disco se oye entero y te quedas con ganas de más... (es lo que me dice todo el mundo, incluida mi madre, ¡ojo!). Está hecho de sonidos cercanos a la ensoñación, al recuerdo, con reflejos de luz y un poco de nostalgia,  amable aunque no complaciente. Son temas gustosos de interpretar una y otra vez, que tienen algo de juego de manos. Por un lado tiene implícita una continuación con “De Rerum Natura” (2015) aunque otros son distintos, más maduros y contrastantes. También tiene momentos más cómicos que el anterior disco, con más sentido del humor y más cabra/organillo. Como objeto en sí, el disco además es una preciosidad, gracias al diseño de portada e interior por Julio Linares y sus visiones, que inspiran el tema ‘La Selva de Julito’… Considero que he vivido un lujazo gracias a Javi, poder desarrollar los temas bajo su consejo y buen criterio. Sobre todo se nota su mano en la mayor potencia de los sonidos, conoce a la perfección el espíritu de todos los cacharros que guarda en casa, es exquisito con la tímbrica y tiene gran sabiduría para despejar lo que importa de lo que no.  Trabajar con él es facilísimo, ¡una alegría! Nos lo pasamos de puta madre, cunde el tiempo, avanzamos rápido, nos entendemos y respetamos... y somos unos obsesos que podemos pasar diez horas sin parar más que para café y cigarrito”.

Bruce Grinn proviene de [grupo slug="the-loopholes"]The Loopholes[/grupo], banda de A Guarda (Pontevedra) que apostó por la crudeza y el minimalismo, por el el rock de raíces e intimista, sin distorsiones ni artificios. Folk rock del Delta del Miño que tras la edición de un interesante LP, [disco slug="on-the-spur-of-the-moment"]“On the Spur of the Moment” (La Casa Taller / H-Records, 2015)[/disco], se apaga. Es en ese momento cuando Bruce decide iniciar su proyecto en solitario. Repasando su biografía, Bruce nace en A Guarda y a los 14 años se instala en Southampton (Reino Unido), algo que marca profundamente su desarrollo musical y personal… “Tras la separación de mis padres mi madre decidió regresar a Inglaterra conmigo y algunos de mis hermanos. Llegar a Southampton a los 14 años fue una experiencia muy dura para nosotros. Había mucha tensión interracial y violencia en el barrio de Shirley y era difícil hacer amistades. Por otro lado, Inglaterra apuesta mucho por formar musicalmente a los jóvenes en los colegios. Recuerdo entrar en las aulas de música de Taunton College y alucinar con todo el equipo de música disponible y lo formados que estaban los alumnos en general. ¡Era otro mundo par a mí! Craig David, quien años más tarde se hizo famoso como cantante de R&B, solía ensayar mucho ahí (risas). Se paseaba por el pasillo escuchando música en los cascos y cantando en alto. ¡Yo flipaba! Un año más tarde nos mudamos a  Honiton (Devon) y ahí entablé amistad con muchos músicos como Ergo Schmidt, bien conocidos a nivel regional. Eran músicos que venían de una tradición muy folk; un rollo muy John Martyn, Bert Jansch, Nick Drake etc., así que solíamos pasarnos horas tocando, ‘fingerpicking’ con la guitarras acústicas. Es algo que siempre se ha quedado conmigo”. Cuando vuelve a Galicia, establece contacto con la escena local y nacen The Loopholes… “Fue una etapa muy bonita. A pesar de ser un formato fuera de lo común nuestra música fue muy bien recibida y giramos mucho en España, Portugal e incluso Inglaterra. La verdad es que lo pasamos muy bien y me dio la oportunidad de crecer como músico”. Tras grabar un EP y un LP, The Loopholes quedan en stand-by y tanto Dani como Bruce inician nuevos proyectos. Dani con los [grupo slug="breakin-bones"]Breakin’ Bones[/grupo] y Bruce en solitario… “Comenzar este proyecto no fue algo premeditado. Dani empezó a girar bastante con los Breakin´ Bones y yo decidí aprovechar para grabar algo diferente a lo que había hecho hasta entonces. Mi idea inicial era volver a Inglaterra a grabar allí con la ayuda de varios músicos de bandas en las que había tocado. Volver a donde empezó todo para mí. A veces es bueno volver a empezar para recuperar frescura y energía. Por motivos económicos y de tiempo, al final se me hizo imposible grabar allí y opté por grabar en Baixo Miño Estudios con Miguel de la Peña, ¡qué está mucho más cerca! (risas)”. Así es como nace su primera entrega, [disco slug="fustian-fumes"]“Fustian Fumes” (Autoproducido, 2018)[/disco]. Un trabajo en el que hay grandes diferencias con su aventura anterior. El rock gana protagonismo. Un rock que se mueve entre la canción de autor y el intimismo que planea entre la melancolía, la épica y la rabia –“Kind of like”-. Nos encontramos con cortes emocionales con ecos de Mark Lanegan –“Under the wheel”- y un deje anglosajón permanente… “Es un disco con mucho bagaje emocional: rabia, melancolía, tristeza, etc. Se acumularon muchas cosas. Las influencias se van filtrando inconscientemente así como vas escribiendo, es inevitable y bonito. Las asimilas, las haces tuyas y dejas que estas te vayan llevando por un camino casi sin saber porqué o a hacia dónde se dirige. Yo diría que en este disco hay influencias que van del funk de James Brown al folk más ‘grassroot’ de Hank Williams. Sí, el rock gana protagonismo pero como todas las canciones fueron escritas con guitarra acústica la canción de autor siempre está presente”. Los cortes más deudores de la aventura con The Loopholes, son los más folk, cortes como “Paper” o “Out of the wild” (esta recuerda sentimentalmente a Gram Parsons, en una clave más actual)… “Cuando llegué al estudio tenía unos catorce temas para grabar y fui escogiendo sobre la marcha, siempre con la idea de ir alternando estilos manteniendo la misma base. Sí tenía claro que quería hacer un disco potente y que mostrase varias de mis facetas como compositor. Creo que ‘Fustian Fumes’ es un disco para gente que tiene un amplio gusto musical. Quiero decir que a quien le gusta el rock clásico y no le gusta el folk o el country posiblemente no le vayan a gustar varios temas. Yo opino que un disco tiene que ser con un viaje a través de diferentes emociones, que requieren diferentes texturas. Que sea como una montaña rusa de emociones. Me gusta tener libertad para moverme entre ellas”. Hay cortes como “Automatic” que miran directamente a los ojos al rock alternativo… “Es un tema que tenía bastante claro, aunque siempre la había tocado en acústico. Buscaba un sonido agresivo y sucio distintivo del rock de los 80 y 90 que tanto me ha marcado. Me siento muy cómodo en ese terreno y tenía muchas ganas de llevar algunos temas a ese terreno. Habrá más temas en esta línea en el próximo disco, seguro”. Con respecto a la grabación afirma que “tenía un presupuesto muy bajo así que la grabación fue rápida y algo atípica. Miguel de la Peña (Baixo Miño Estudios) me ayudó mucho con los arreglos y a pre-producir los temas. Nos entendimos muy bien desde el principio y eso hizo posible que el disco saliese adelante. Al no disponer de banda la pre-producción fue lo que más tiempo nos llevó, ya que tuvimos que arreglar los temas para grabar unas demos que pudiesen escuchar los músicos que iban a participar en la grabación. Hubo temas que cambiaron mucho, tanto que tuve que reescribir muchas letras y melodías, incluso días antes de entrar a grabar. Fui al estudio, hice un par de tomas y así fue como quedaron. Hay muchas cosillas que fuimos improvisando así como íbamos grabando. En retrospectiva, creo que le ha aportado frescura, a sacrificio del perfeccionismo. La grabación de los temas fue muy rápida, en cuatro o cinco días grabamos todo lo principal. La verdad es que disfruté mucho haciendo este disco pero de cara al próximo disco me gustaría tener más tiempo para grabar. ¡Si el presupuesto lo permite!”. Un aspecto importante de sus composiciones son las letras… “me gusta escribir sobre experiencias difíciles que he vivido, o las que han vivido otros a mi alrededor. Creo que la labor de un artista es transformar realidades en objetos de belleza con los que la gente pueda conectar a su manera. Me inspira saber que hay gente que pueda expresar sentimientos a través de mi música. Quiero que mi música haga bailar, llorar, animar, sonreír, excitar… de todo. Desde pequeño he tenido la necesidad de escribir letras y música sobre lo que estaba experimentando. No sabría no hacerlo porque es lo que me mantiene vivo, es lo que me ayuda a sobrellevar mi realidad”. Bruce continúa mirando hacia adelante, avanzando en un segundo disco que está cada vez más cerca.

Guipúzcoa vivió en la primera década del siglo XXI (entre 2002 y 2012) una efervescencia de bandas punk y oi! especialmente interesante. Ligada en cierta manera a las gradas de futbol, la denominada movida de Bardulia estuvo compuesta por un gran número de chavales dispuestos a tocar en bandas, editar fanzines y montar pequeños sellos independientes que sacaron a la calle recopilatorios con los que inmortalizar el momento. Uno de aquellos grupos, quizás el último en formarse antes de que rencillas y convulsiones internas dieran al traste con todo aquel derroche de energía creativa, fueron los Kaleko Urdangak. Surgidos en el seno de la cultura skinhead, se encargaron de recoger la antorcha del espíritu oi! para adaptarlo conforme a su visión política personal y el entorno en el que viven. La banda la forman a finales de 2010 y comienzos de 2011 el grupo de amigos que se encargaban de grabar el programa Kaleko Mobida centrado en el punk y el oi! en todo el País Vasco en la radio libre Txapa Irratia de Bergara para su programación en la Radio Nacional Info7 Irratia. Biru a la guitarra, Moto al bajo y Ekaitz a la batería comienzan a ensayar para ver cómo funcionan tocando juntos. De ellos, Biru era el que más experiencia musical atesoraba de proyectos previos, como, por ejemplo, [grupo slug="ostiada-oi"]Ostiada Oi![/grupo] con los que empezó en 1998 o los [grupo slug="doubling-boys"]Doubling Boys[/grupo]. Moto, por su parte, tocaba en [grupo slug="red-district"]Red District[/grupo], mientras que Ekaitz se había fajado en una banda de Azkoitia, Testíkulos de Jehova, que en su corta existencia entre 2005 y 2008 había dejado una maqueta. Enseguida advirtieron de que efectivamente había muy buenas sensaciones: “Empezamos a pulir todo poco a poco, pero la idea era ensayar-ensayar-ensayar, grabar-grabar-grabar, tocar-tocar-tocar. Y para ello decidimos que necesitábamos un cantante”, nos cuentan. Solos, sin nadie aun a cargo del micrófono, tocarían en un par de ocasiones en verano de 2011 bajo el nombre de Kalekumeak Remake, una banda con la que hacían versiones de [grupo slug="kalekumeak"]Kalekumeak[/grupo], pero para el proyecto que quieren poner en marcha incorporan a Beñat, natural de Elgoibar, como voz solista en marzo de 2011. A la hora de definir el sonido del grupo se fijan como posibles referencias a propuestas internacionales como los franceses Janitors, los suecos Cliches o Templars de EE.UU. “Han sido claves para darle a nuestro oi! un toque más rock and rollero. Era lo que queríamos”, nos dicen. La filosofía principal la tienen clara: “Nosotros venimos de la cultura skinhead y hacemos oi! izquierdista e independentista”. A la hora de elegir el nombre para el grupo mantienen un insulto que en tono de broma le dirigió Moto a Ekaitz una noche de juerga en el gaztetxe de Elgeta, jugando con el título del programa de radio que hacen y su connotación de calle: Kaleko Urdanga viene a significar en castellano algo así como puta callejera. Gustan además de buscarle una conexión algo más profunda cuando nos dicen: “Nuestros padres provienen de caseríos y entorno rural, y nosotros hemos sido la primera generación que ha nacido en la calle”. Sería precisamente en el mencionado centro social de Elgeta donde debutan en directo. Fue el 14 de enero de 2012 sustituyendo en el último momento a [grupo slug="achtung"]Achtung![/grupo] en un festival con un cartel que incluía también a CC627 y NCK. En esa misma fecha fallecía José Luis Álvarez Emparanza –Txillardegi-, lingüísta, escritor y político vasco, uno de los fundadores de E.T.A., a cuya memoria se dedicó el evento. La actuación de Kaleko Urdangak fue seguida con expectación por parte de muchos de los congregados, que querían saber de las capacidades del nuevo grupo. Como anécdota recuerdan el encuentro tras el concierto con el mago Anthony Blake, que andaba de gira y actuaba precisamente en el Kafé Antzokia de la misma Elgeta. “Después de su actuación fue al gaztetxe, cuando cuatro skins se le acercaron a pedirle una foto. Amablemente accedió de muy buen gusto”. Tan sólo unos meses después, en verano, graban en el estudio Northern Drunkens que tiene Biru, donde además ensaya la banda. De la grabación y producción de [disco slug="eman-bai"]"Eman Bai” (Petruska / Teletetxo / Puzkarra / Erronka /Riot Squads / Skizo, 2012)[/disco], el disco resultante, se encarga Aitor ([grupo slug="apurtu"]Apurtu[/grupo]). Las condiciones de las mismas no fueron, sin embargo, las mejores: “Grabamos siete temas poco ensayados, Beñat muy verde…. La grabación fue bastante caótica, decidíamos cosas sobre la marcha, la batería sin claqueta. ‘Auzoan jaio naiz’ lo cantamos todos juntos” nos confiesan. Igualmente nos informan de que “Oi! music at the disco”, uno de los temas, “que, por cierto, tiene una parte ‘Oi! Oi! Oi!’ interminable” la canta en realidad Moto. Con todo, lo cierto es que la crudeza y posible apresuramiento del trabajo de debut juegan a favor de una propuesta en la que se propugna con rabia, por ejemplo, la deportación de todos los políticos contrarios a la independencia de El País Vasco del Ebro para abajo. Cánticos Oi! de orgullo de pertenencia a la estirpe skinhead con la inclusión, para cerrar el disco, de "Asimilar", un tema de Ostiada Oi! La edición del disco corrió a cargo de varios sellos amigos que participaron a modo de crowd-funding. Se sacaron medio millar de CDs y unos 320 discos de vinilo. La presentación tuvo lugar el 5 de mayo de 2012 en el gaztetxe de Bergara junto a Friday’s Crew y Cold Revenge, un evento que quedaría registrado en video. Kaleko Urdangak sería una de las bandas invitadas a participar en el recopilatorio “Nafarroa 1512-2012 Punk Oi! Doinuak Gure Historia Gogoratzen” (Bardulia Ekoizpenak, 2012). En el proyecto, ideado por Pepino ([grupo slug="afonia"]Afonía[/grupo], [grupo slug="orreaga-778"]Orreaga 778[/grupo], Achtung!, [grupo slug="vietcong-68"]Vietcong 68[/grupo]), muchos de los herederos directos de la extinta Bardulia musical se posicionaban con respecto a lo que entienden como conquista sobre su tierra. El disco se financió con festivales celebrados en diferentes localidades, como el arriba mencionado en el que debutaron Kaleko Urdangak. “Gure historia”, el tema con el que participaban en el recopilatorio se grabó en los estudios Northen Drunkens, donde también quedaron registrados otras muchas canciones de otras bandas que intervenían en el disco. En la lista de las mismas se incluían nombres como Apurtu, Malos Tiempos, Secuestro Express, [grupo slug="arkada-social"]Arkada Social[/grupo], Enboskada, Brutal Calling, Orreaga 778, The Last Strenght, T.D.I, [grupo slug="slevy"]Slevy[/grupo] y un largo etcétera. El recopilatorio se presentó en Maya - Amaiur, localidad navarra en la que se produjo el sitio por parte del ejército castellano del que fue el último castillo leal al Reino de Navarra en 1522. En el evento tocaron Kaleko Urdangak, Erru Gabe y Orreaga 778, con los que también tocaba Ekaitz, por lo que hizo doblete para la ocasión. El batería recuerda: “Se desplazó mucha gente allí. Fue muy especial todo”. Igualmente, el mismo año, vio la luz otro recopilatorio en el que participan Kaleko Urdangak, el “Ten Years of Oi!” (Antisozial Records, 2012) editado para conmemorar los 10 años de funcionamiento del fanzine Riot Kids. Pedroca, responsable del mismo, invitó a todos los grupos a los que había entrevistado para la publicación: [grupo slug="suzio-13"]Suzio 13[/grupo], Ruido Ibérico, Achtung! The Last Strenght, [grupo slug="keltoi"]Keltoi![/grupo] Aggressive Combat, Hetairoi … Los vascos incluían el tema “Anaitasuna” en la que llamaban a la unidad de los skins y a la hermandad dentro de la escena oi! como respuesta a las convulsiones que vivían la movida de Bardulia que ponían en serio peligro su existencia. El grupo reconoce que se trata de una canción que no gustan demasiado de tocar en directo, algo así como un tema maldito. Esta primera época del grupo, la comprendida entre 2012 y 2013, es de una gran actividad en directo: “los conciertos eran casi semanales” nos dicen. La mayoría tuvieron lugar a lo largo de la provincia guipuzcoana. La última actuación que dieron ese año fue en Hernani junto a [grupo slug="mcd"]M.C.D.[/grupo], Aggressive Combat y Achtung el 15 de diciembre. En 2013, sin embargo, empezaron estrenándose fuera del País Vasco. En concreto el 26 de enero fuera a Orense a tocar en el Auriense Café Cultural donde compartieron cartel con Cold Revenge y Matxetazo Naparrotxa. Algo más tarde, el 6 de abril, irían a Coslada donde tocarían con Black Eyed Bruisers y Suzio 13 en el Centro Asociativo Barrio de la Estación. Probablemente una de las citas más entrañables que tuvieron fue la del Zuzenean Kaleko Mobida Fest III con motivo de la fiesta de su programa de radio. En el gaztetxe de Bergara trajeron a los bretones Janitors, acompañándose además de Hawkins Thugs y Broken Faces. El festival incluía diferentes actividades en las que se involucraba tanto el público como los músicos. Las actuaciones de todas las bandas participantes quedaron registradas en la mesa de mezclas y la de Kaleko Urdangak, en la que participaron dos senegaleses para interpretar “Zure aukera” se editó ligeramente la suya para luego compartirla por los medios digitales habituales en otoño de 2016. “No se editó físicamente. Sin más, para nosotros es un documento bastante especial”, nos cuentan. La grabación contiene muchas de las bromas privadas que se gastaron desde el escenario A los consabidos conciertos por la región se uniría la actuación en el Heretic Club de Burdeos con Gavroche y Harakiri el 1 de noviembre, así como cuando les tocó oficiar junto a Achtung! de anfitriones de los granadinos [grupo slug="copycats"]Copycats[/grupo] el 30 de diciembre. Entre marzo y abril de 2014 entran a grabar en los estudios Musikorta de Amoroto (Vizcaya) donde Jota se encargó de todas las cuestiones técnicas. Completaron con otras sesiones en Northern Drunkens, de manera que se vieron con una media docena de temas nuevos con los que proyectar un nuevo disco. [grupo slug="4-anai"]4 Anai[/grupo], banda amiga de Algorta con componentes de otros grupos como Madskins o Ukabilkada también tienen material nuevo grabado y les proponen la posibilidad de sacar un disco compartido. La idea gusta a los componentes de Kaleko Urdangak que aceptan encantados, pero sin embargo el proyecto se retrasaría mucho más de lo planeado en un principio, ya que el grupo sufriría un inesperado parón. Y es que, en abril de 2015, se produce la salida de Beñat de la banda: “No se sentía cómodo cantando. Pensaba que no daba la talla y que no la daría nunca”, nos cuentan acerca del pequeño seísmo que vivieron Kaleko Urdangak con la marcha del que había sido su cantante desde casi el comienzo. El resto del grupo se ve sorprendido y demasiado ocupado con los distintos proyectos en los que andan involucrados, bien musicales (Doubling Boys), fanzines (Breaking Rules), locales (Northen Drunkens) o el mismo programa de radio (Kaleko Mobida): “Al final nos saturó y nos explotó en la cara” confiesan. Es por ello que, tras la actuación que dieron el día 15 de ese mes en el gatztetxe de Abadiño con [grupo slug="tears-and-beers"]Tears and Beers[/grupo] y Shock Waves, toda la actividad del grupo queda momentáneamente en suspenso. No sería hasta finales de 2016 que reunida la sección musical de la banda se decide reflotar el grupo. Fichan para ello a Remen, cantante de Gernika precisamente de Tears and Beers, una de las formaciones con las que habían tocado Kaleko Urdangak en su último concierto. Biru le llamaría por teléfono el día de los Inocentes ofreciéndole el puesto a cargo del micrófono del grupo a lo que responde entusiasmado que sí. Los ensayos de los renovados Kaleko Urdangak comienzan a principios de 2017 preparando con ganas nuevos temas y actuaciones en directo. Aunque el grupo se tomó la vuelta a los escenarios con calma, se les pudo ver tras el verano en conciertos que dieron en septiembre en San Sebastián (en el Café Antzokia con [grupo slug="strike-back"]Strike Back[/grupo] y Madskins) y en Pamplona (junto a Unidad Alavesa), en noviembre en el Rock Palace de Madrid, donde tocaron con Strike Back y [grupo slug="jess-y-los-extenders"]Jess y los Extenders[/grupo], y finalmente en diciembre en Gernika con Roten XIII y 4 Anai. Se retoma asimismo el proyecto del disco compartido que se había quedado empantanado, para lo que se reanudan las conversaciones iniciadas tiempo atrás con No Turning Back Records. En un principio se pretende hacer coincidir la salida del disco con la reaparición sobre los escenarios del disco en abril de 2017, pero una serie de retrasos lo impediría. De entrada, el grupo no pisa el estudio hasta diciembre de ese año. Sería en los Sound of Sirens de Pamplona, contando con la producción de Julen Urzaiz, su responsable. De aquellas sesiones el grupo saldría bien surtido de material que irían editando en sucesivas entregas a lo largo de 2018. Pero los temas que primero vieron la luz, los del compartido de marras con 4 Anai, [disco slug="kaleko-urdangak-4-anai"]“Kaleko Urdangak / 4 Anai” (No Turning Back Records, 2018)[/disco], fueron los grabados entre 2014 y 2015 en Northen Drunkens y Musikorta, aunque la masterización se realizase efectivamente en el estudio navarro. No se editó, eso sí, hasta abril de 2018. El diseño de la portada mostraba una escena de inspiración histórico medieval, la de la reina Juana III de Navarra quien, según cuenta la leyenda, se aparece en los días de niebla en los bosques de Irati acompañada de un centenar de soldados leales con el objetivo de recuperar los territorios perdidos al invasor castellano. En la ilustración del disco, está haciendo entrega de una espada a un skin en un bosque ante la atenta mirada de los soldados. Inspirados en todo ello, y en homenaje a la canción “Arabasoen mendekua” de [grupo slug="su-ta-gar"]Su ta Gar[/grupo], de temática similar los de Vergara incluían la canción “Iratiko basoan”, relatando sus aventuras en el bosque navarro al encuentro del espíritu de la reina. Su contribución al compartido, una media docena de temas, ponían de manifiesto lo mucho que había mejorado su sonido sin perder ni un ápice de la fuerza y contundencia del principio, sostenida a base de unas guitarras y sección rítmica inapelables. El arrebatador comienzo de “Heriotzera arte”, donde manejaban a la perfección los coros típicamente amenazantes y contundentes del género, continuaba con maneras similares intercalando algún título en castellano (“Maldito dinero”, una versión de Zakarrak) y en inglés (“Let’s go”), que terminaba precisamente entre cánticos de bar o hinchada de fútbol. También incluían “Euskal Rock & Roll” versión de un tema de [grupo slug="niko-etxart"]Niko Etxart[/grupo] Sobre la cuestión lingüística a la hora de componer se muestran contundentes: Castellano, inglés y euskera son los tres idiomas que controlan y que suelen utilizar, pero llegado el caso prefieren manejarse en este último, su “herramienta del día a día”, y que piensan hay que defender y difundir.

Para la edición del siguiente EP deciden cambiar de sello. “No Turning Back siempre nos dio problemas y retrasos, y contactamos con Pedropa, amigo que conocíamos del fanzine Riot Kids y era un visitante a Bardulia muy asiduo, muy amigo. Y él se volcó con nosotros y nosotros con él. Nos saca tres referencias en cinco meses. Puntualidad y buena promoción, no se puede pedir más” cuentan del inicio de su relación con Tough Ain’t Enough Records.

El pequeño sello madrileño comenzaría editando [disco slug="kaleko-urdangak"]“Kaleko Urdangak” (Tough Ain’t Enough, 2018)[/disco], un EP con cuatro de las canciones de su sesión en Sound of Sirens. La elección de las mismas no parece ser fruto de la casualidad ya que se trata de tres temas que ya venían incluidos en su “Eman Bai” de 2014 y el “Gure historia” del recopilatorio con referencias al antiguo reino de Navarra. Parecía pues que, con la recuperación de parte de su antiguo repertorio con la formación renovada y el nuevo sonido, el grupo pretendía dar comienzo de forma oficial a una nueva etapa. “Creemos que son los mejores temas de la primera época y también las que no estaban dignamente grabadas”, explican. La portada tenía también su pequeña historia detrás. Diseñada por Moto, el bajista, ilustra la tortura a un condenado que está siendo descuartizado con cuatro caballos tirando de sus miembros. Además de seguir la estética de otros grupos de la escena oi!-hardcore (ellos mencionan a Rexe o Fuerza Bruta, y nosotros recordamos a Hexen) pretendían con ello escenificar el “acoso y derribo” que denunciaban estar sufriendo como banda, acusados de nazis o simpatizantes de los mismos. Cuentan incluso de la emboscada que sufrieron en un festival celebrado en San Sebastián en diciembre de 2013. En una especie de volumen 2 de lo editado tras el cambio de compañía, en [disco slug="biolentzia-1984"]“Biolentzia 1984” (Tough Ain’t Enough, 2018)[/disco], sacaban en cambio, material nuevo. Y además con sorpresa porque el tema que daba título al EP, una especie de canto nostálgico (duro y violento eso sí) a la década de los 80 vascos, incluía una colaboración de gala: ni más ni menos que [grupo slug="fermin-muguruza"]Fermín Muguruza[/grupo]. Al preguntarles al respecto de cómo se forjó la participación del cantante de [grupo slug="kortatu"]Kortatu[/grupo] (banda a la que precisamente se refieren en la canción), cuentan de cómo contactaron con él, gracias al contacto de Ainhoa, batería de [grupo slug="hexen"]Hexen[/grupo], que había participado en el rodaje de la película “Zuloak” del que fue director Muguruza. La propuesta que le hicieron fue la de aportar voces en la canción que ya estaba grabada. “Fermín mostró interés desde el principio y no nos pidió nada a cambio, el problema era su agenda repleta. Al final hicimos la cita en el acogedor estudio de Iñaki Stepi en la plaza Mosku de Irún, el 21 de febrero de 2018. No le comentamos que lo íbamos a grabar en video, y creo que al principio flipó un poco cuando aparecimos con todos los bártulos” relatan casi sonrientes. Antes de la cita con el que fuera una de las figuras emblemáticas del denominado Rock Radikal Vasco, el grupo había dejado grabado un videoclip para acompañar la canción el día 13 de enero de 2018. En el mismo aparecía toda la secuencia de lo vivido por la banda ese día: “Tocábamos en la sala Shake de Bilbao, y a la tarde era la manifestación a favor del acercamiento de los presos políticos vascos. Antes de adentrarnos en Bilbao comimos en el caserío de Takolo ([grupo slug="gersnika-rudelari"]Gersnika Rudelari[/grupo]) amigo íntimo de nuestro cantante Remen, que se encuentra en la villa de Errigorri, cerca de Gernika”, nos cuentan, recalcando que lo que se veía en el video reflejaba la realidad habitual de Kaleko Urdangak: “Es nuestro día a día, nuestra cotidianidad: militancia política-musical y gran relación con el entorno rural”. El sencillo también traía otro adelanto de lo que luego sería el LP, “Iheslari”, y una versión de un tema de [grupo slug="mikel-laboa"]Mikel Laboa[/grupo], “Gure bazterrak”. Preguntados acerca de si la revisión del repertorio de cantautores vascos no va un poco en contra de la ruptura que supuso el punk con aquella visión edulcorada que estos daban sobre el País Vasco de los 80, no dudan en señalar las conexiones existentes el folk y [grupo slug="hertzainak"]Hertzainak[/grupo], [grupo slug="rip"]R.I.P.[/grupo] y su versión de “Lepoan hartu eta segi aurrera” o las de Kortatu con el mismo Mikel Laboa (con el tema “Ehun ginen”). Asimismo defienden su pertenencia a “la cultura vasca y a la subcultura skinhead”, aspectos que dicen estar muy unidos. A la hora de indicar los ingredientes principales de todo lo que han escuchado desde pequeños, además de las bandas británicas “Nosotros hemos crecido con Gozategi, Alaitz eta Maider, [grupo slug="oskorri"]Oskorri[/grupo], Mikel Laboa, Bittor Aiape, a la vez que Su ta Gar, Etsaiak, Kortatu, [grupo slug="zarama"]Zarama[/grupo], Sorotan Bele, [grupo slug="delirium-tremens"]Delirium Tremens[/grupo] o [grupo slug="zakarrak"]Zakarrak[/grupo] y encima de esa base conocimos todo lo demás: Cock Sparrer, Angelic, Sham 69, Camera Silens, [grupo slug="decibelios"]Decibelios[/grupo]…toda la movida del Oi! skinhead”. También son ilustrativas las versiones que han llegado a tener en su repertorio. A las ya mencionadas anteriormente se añaden las incursiones en el repertorio de bandas como Bittor Aiape (“Ihes”), [grupo slug="iskanbila"]Iskanbila[/grupo] (“Jaio bizi eta hil”), Komintern Sect (“Les Anees de aceer”) o Decibelios (“Paletas al poder”). Dicen conformar su música como “una especie de homenaje, incluso hasta personal, haciendo referencia a nuestra infancia y adolescencia”, con un objetivo final definido: “Al final construimos un relato personal, colectivo e identitario. En nuestra opinión es importante crear un sonido diferenciado y hacer que la gente se identifique lo más fácilmente con las canciones. Crear identidad y tener identidad, ésa es la clave”. Para antes del verano de 2018 Kaleko Urdangak había completado una serie de actuaciones a sumar a la arriba mencionada en la sala Shake de Bilbao en enero, con conciertos en el gatztetxe de Bergara junto a Rixe en marzo y junto a Daltonz y Vietcong 68 en mayo, y en Pamplona junto con Roba Estesa, Piñata Protest, Ezinke y Akort. El disco [disco slug="nortasuna"]“Nortasuna” (Tough Ain’t Enough, 2018)[/disco] vería la luz en septiembre de 2018, y con el tema que le daba título ponían de manifiesto mucho de ese equilibrio entre la nostalgia de unos orígenes rurales ligados al caserío y la energía e intensidad del street punk de coros tabernarios y guitarras poderosas que tanto les gusta. La cara B de la versión en vinilo, además de recuperar el tema "Biolentzia 1984", incluía una versión del "Who pays the piper" de The Cliches (y que ellos titulan "Benetakoak") y una colaboración con Tommy cantante del grupo argentino Tango 14 para el tema "Seguimos en pie". El disco venía a representar la confirmación de la estabilidad como banda, con un sonido con el que seguro se mostraban mucho más conformes que con su primer entrega "Eman Bai!" y en el que habían tenido espacio suficiente para mostrarse fieles a sus reivindicaciones histórico-territoriales y de pertenencia a la estirpe skinhead. Kaleko Urdangak ven en el Oi! un marco idóneo para la crítica social y política. “No decimos que sólo deba limitarse a eso, también se puede exaltar por ejemplo la unidad de la clase obrera o incluso la amistad (…) Pero que no vengan hablando de tomar cervezas, emborracharse, andar por la calle y reventar cabezas de los hippies a lo simple y a lo burro ¡Ya nos hemos cansado de eso!”. Conscientes de la diversidad de propuestas dentro de la escena reconocen: “Hay que decir que hay y ha habido esa corriente dentro del Oi!, ese garrulismo de tonterías y violencia gratuita, pero que no se confundan, no ha sido hegemónica”. Interesados en saber su opinión al respecto, les preguntamos precisamente sobre la violencia manifestada en muchas ocasiones por bandas dentro del género: “Nosotros lo que predicamos y defendemos es la violencia ejercida contra el estado y toda forma de cloaca que lo protege. No entendemos ninguna otra clase de violencia, y tampoco entendemos un Oi! que no defienda esto. Odiamos la violencia gratuita que se genera entre nosotros por tonterías, desde sectores e instancias o esferas más altas que quieren dividir la juventud organizada. También odiamos la violencia del fútbol, que consideramos gratuita e incluso tonta”. Existe, a su juicio, un objetivo claro contra el que dirigir todos los esfuerzos en vez de perder el tiempo y energía en idioteces: “Luchar contra los estados francés (centralista y negacionista de todo lo vasco) y español (franquismo, impunidad, políticas de venganza, represión, tortura, terrorismo de estado…)”. Kaleko Urdangak conjugan a la perfección el binomio caserío y calle (baserri eta kale) hasta sus últimas consecuencias.

No, King Trash Fandango no surge de las cenizas de Inadaptados, la banda de Lanzarote que se fajó en sonidos de rock sucio. Entre otras cosas porque cuando Javi Fuentes y Antonio “El Fuzzo” decidieron ir al local de ensayo tras pasarse una tarde de aburrimiento escuchando discos en casa (algunos de ellos de [grupo slug="patrullero-mancuso"]Patrullero Mancuso[/grupo] por lo que contaban en una entrevista a Sancocho Metálico), no había siquiera intención de disolver un proyecto con el que habían salido de la monotonía desértica de la volcánica isla canaria. Aquella tarde del 13 de enero de 1996 tan sólo les dio por tocar para matar el tiempo, haciendo versiones y componiendo, como quien no quiere la cosa, temas nuevos. Habían cogido el radiocasete de la madre de uno de ellos y en cuestión de media hora habían dejados grabadas unas ocho canciones (dos versiones y seis originales) “inventadas sobre la marcha”. La operación sentaría además un precedente ya que con aquel aparato rudimentario al que bautizarían cariñosamente “unipistas”, dejarían asimismo registrados en su local cantidad de ensayos y directos. La música que les motiva e inspira es la que escuchan de propuestas como las de The Mummies, Country Teasers, Pussy Galore, Pretty Fuck Luck, Flat Duo Jets, Scientists, The Gories, Spacemen 3, Jackknife, Oblivians, Chrome Cranks, Patrullero Mancuso, Thee Headcoats, [grupo slug="ulan-bator-trio"]Ulan Bator Trío[/grupo], [grupo slug="el-desvan-del-macho"]El Desvän del Macho[/grupo], [grupo slug="desechables"]Desechables[/grupo], The Beguiled, Subsonics, Gallon Drunk, Suicide... Se trata en la mayoría de los casos de bandas del catálogo de sellos como Munster, Crypt, Alehop! In the Red … La primera de las maquetas que grabaron con su “unipistas” se tituló “Yeah” (1996) y contenía una buena colección de temas “Die baby die”, “Jungle fever”, “Girl sweat”, “Fuck you Bitch”, “Crash your head”, “Fuck my girl” y las versiones “Youngblood” (de Thee Headcoats) y “New kind of kick” (de The Cramps), y mostraba que estaban dando salida a una vertiente más sucia y cruda en comparación con lo desarrollado con Inadaptados. En un principio prescinden de bajo, y la demo se graba con Javi a la batería, mientras que era Antonio el que cantaba y tocaba la guitarra. Pero para cuando están listos para volver a grabar una nueva cinta, han logrado convencer a otro Inadaptado, Carlos Brito, para que se una al experimento que andan perfilando con la única condición de que tocara bien la batería bien la guitarra, pero no el bajo. Ya tienen además nombre para aquella aventura que iniciaban: Se quedan con King Trash Fandango, la derivación del juego al que se habían lanzado una noche de borrachera Javi y Antonio, dándole vueltas y retorciendo el nombre de Jon Spencer Blues Explosion sin razón alguna, por pura diversión. “Justo después de grabar la primera cinta, acabada la última canción, nos acordamos del nombre y decidimos bautizar al grupo así”, nos cuentan. Otro de los ensayos que deciden grabar, ya en formato de trío, da lugar a “We Are the Kings” (1996), donde se incluyen los cortes “Radio trash”, “Let's go!”, “What the fuck !?”, “Kings of fandango”, “Hong Kong Fuy”, “Soviet Radio”, “Lisa”, “Girl”, “Egypcian Baby”, “I'm gonna kill that woman”, “Comanche” (version de Link Wray), “Rock and Roll is killing my life”, “Losing Touch with my Mind” (versión de Spacemen 3), y “Kings of fandango (inframix)”. En esta ocasión deciden intercambiarse los instrumentos (guitarras y batería) entre los tres como también hacían (aunque sostienen no saberlo de antemano) sus admirados Oblivians. Su intención, a la hora de dejar registradas las canciones que interpretaban en su local de ensayo en una cinta no era otra que la de tenerlas para ellos mismos, aunque, eso sí, enviaron una copia a Iván (Psicorock, [grupo slug="sin-radio"]Sin Radio[/grupo]) en Gran Canaria de la primera de ellas. Todo un acierto, porque éste la hizo llegar a Domingo Alemán, componente de [grupo slug="soviet-love"]Soviet Love[/grupo] y responsable del sello Ruin Records, que disfrutó la escucha de aquellas canciones, quedando gratamente sorprendido con que una banda canaria sonara como una versión autóctona de Gories, “en Lanzarote nada menos”. Así que apenas un par de semanas desde que se juntasen inicialmente como grupo, tenían sobre la mesa una oferta para desplazarse hasta Las Palmas, tocar en el festival Underplátano celebrado en la sala La Fábrica y grabar en la bodega de Manolo (otro componente de Soviet Love) las canciones para el EP que pensaba editarles Ruin Records. Toda la operación, en la que también saldrían discos de [grupo slug="inadaptados"]Inadaptados[/grupo], Sin Radio y Soviet Love, contó con la subvención del Servicio de Cultura del Cabildo de Las Palmas. [disco slug="kings-of-fandango"]“Kings of Fandango” (Ruin, 1996)[/disco] se compuso recuperando tres temas de la segunda maqueta (el que daba título al disco, “Let’s go!”, “Radio trash”) y “Die baby die” que venía en la primera cinta, y tuvo portada diseñada por Juan Saturno, un amigo de la banda, a partir de una idea que le transmitieron sus componentes. Del disco se prensaron medio millar de copias. El sonido final parecía registrado desde el final de una cueva, y el tono general de rock oscuro y viscoso se acrecentaba con los aullidos de las voces. Acelerados y grasientos en el “Die baby die” y “Let’s go”, el trío podría efectivamente hacerse pasar por un combo de garage y rock and roll pantanoso de un rincón perdido de los Estados Unidos. El grupo había atraído la atención de periodistas como Jesús Ordovás, quien además de radiar en su programa de radio Diario Pop tanto “Estado salvaje” de Inadaptados como “Radio trash” de  King Trash Fandango, en una visita a las Islas Canarias no tenía empacho alguno en incluir a ambos grupos en una reducida y selecta lista de lo mejor de la escena del archipiélago. Todo ello serviría tanto para que el disco se vendiera muy bien, con multitud de pedidos para Domingo Alemán, como para dar a conocer al grupo más allá de la escena insular. La coexistencia de los dos grupos, que tan sólo diferían en la presencia de Juan Luis –Buli- Panés a las baquetas de Inadaptados, hacía que se intentara no hacer coincidir los conciertos (“porque es un coñazo y aburrido” decían), aunque no afectaba tanto a los ensayos: cuando aparecía el batería, ensayaban como Inadaptados (el proyecto que consideraban principal) y si no lo hacía, practicaban como King Trash Fandango. La conexión con la Península, y más concretamente con Madrid, se abriría asimismo de la mano de Antonio, que aprovechaba sus visitas a la capital para visitar a familiares para empaparse de lo que se allí se cocía musicalmente. La relación epistolar que estableció con Eva y Murky (componentes de [grupo slug="pretty-fuck-luck"]Pretty Fuck Luck[/grupo] y responsables del sello Alehop!) se vio formalizada en persona en aquellas escapadas, en las que además tuvo ocasión de conocer a Honeydew (el tercer miembro de Pretty Fuck Luck), a los compañeros de Murky en Patrullero Mancuso y a la gente del sello Munster. Parece ser que Íñigo, su responsable, terminó enganchado a la música de King Trash Fandango gracias a la insistencia de la propia Eva y Anita ([grupo slug="pussycats"]Pussycats[/grupo]). “Recibir una llamada a Lanzarote de tu sello favorito para proponer un pequeño contrato discográfico era increíble, algo surrealista”, recuerdan emocionados. Y es que, efectivamente Munster Records les ofrece participar en un CD compartido con [grupo slug="bongolocos"]Bongolocos[/grupo]: [disco slug="two-times-as-good-as-one"]“Two Times as Good as One” (Munster, 1997)[/disco]. Las notas interiores explicaban la razón del emparejamiento: “Ambos grupos prescinden de bajista”. De la música de los canarios decían era el resultado de meter en una misma coctelera a Cramps, Suicide, Jon Spencer Blues Explosion y Link Wray. Los siete temas con los que contribuían al disco (entre los que se incluía una versión de Suicide: “R’n’R is killing my life”) fueron grabados en los estudios Acatife de Lanzarote, especializado en realidad en música folclórica, en una sesión realizada totalmente en directo a cargo de Eduardo Martínez. “El técnico no daba crédito a lo que escuchaba y las ideas locas de la banda” recuerdan divertidos. A tenor de lo que reza la información en el interior del CD, grabación y masterización duraron unas tres horas: “Lo-fi y Cheap-fi de cojones”. Además del intercambio de batería y guitarra, adoptaron la costumbre de identificarse con nombres que podían variar de una ocasión a otra. Así, si en el EP firmaban como King Rancho, Trash Guancho y Fandango Pancho, en el compartido de Munster decían llamarse en cambio, Pepe Pótamo, Lagarto Juancho y Gorilla McGuilla. La inclusión en el catálogo de Munster se certificaría primero con la participación en el recopilatorio “Punkin’” (Mordam, 1997), un disco para el mercado norteamericano con bandas del sello de Íñigo como [grupo slug="la-banda-trapera-del-rio"]La Banda Trapera del Río[/grupo], [grupo slug="los-perros"]Los Perros[/grupo], [grupo slug="safety-pins"]Safety Pins[/grupo] etc.., donde contribuían con dos inéditos de la sesión del compartido con Bongolocos (“Hong Kong Phooey” y “Hell is inside me”). Igualmente aportaron “El hombre serio y formal” para “Destruye y Mata, Tributo a Desechables” (Munster, 1998). Ese mismo año, el 1998, saldría “La Cagarruta Sónica” (Alehop!, 1998), uno de los recopilatorios bizarros que editó Alehop!, con diversas bandas del sello como Guiller Momonje, Capitán Entresijos, Ulan Bator Trío, Atom Rhumba, Jugos Lixiviados, Solex, Piolines etc… y que recogería el “Fuck you, we are the best” que graban en el Unipistas. Además de lo que tocaron en Lanzarote, “incontables veces y en las situaciones más variadas y con muchas bandas amigas”, se movieron por Fuerteventura y Las Palmas, donde actuaron en La Fábrica (el garito de Vicious Soul) y La Calle. Inmersos ya en la órbita de Alehop! reciben invitación para participar en la penúltima edición del festival Serie B celebrado en Pradejón (La Rioja). El viaje a La Península se organizó de manera que en la primera jornada tocaron en Madrid, en el Garaje Sónico situado en la misma plaza de Malasaña, en un concierto organizado por Honeydew junto a Toxie. Luego se desplazarían a la localidad riojana para participar en la Tarde Tóxica, cuya organización corría a cargo de Eva y Murky y que permitió ver sobre al escenario a Patrullero Mancuso, Guided by Voices, Gallon Drunk, Subsonics, Soviet Love, Thee Headcoats, Thee Headcoatees, [grupo slug="jugos-lixiviados"]Jugos Lixiviados[/grupo], [grupo slug="capitan-entresijos"]Capitán Entresijos[/grupo], Ulan Bator Trio, [grupo slug="manta-ray"]Manta Ray[/grupo], Pussycats… “Inolvidable es la palabra. Pregunten por ejemplo a [grupo slug="cabezafuego"]Íñigo Cabezafuego[/grupo], o a los mismos Patrullero Mancuso, que se lo pasaron fino filipino”, nos avisan. Con todo, y a pesar de semejante curriculum de participaciones en ediciones fuera del estricto y restringido ámbito insular, de lo que presumen con mayor orgullo es de la nota llena de elogios (tanto para King Trash Fandango como para Inadaptados) por parte de Tim Warren, capo de Crypt Records y de tener constancia de primera mano de que su EP llegó a manos de los miembros de Gories, Oblivians y Jon Spencer Blues Explosion. La vida de King Trash Fandango fue intensa pero breve. Su último concierto lo dieron en el bar La Virazón. “Duró alrededor de 15-20 minutos, ni los Dwarves, y fue el caos. El cansancio, la presión de estar en ambas bandas, la precariedad de material instrumental, la falta de dinero...hicieron que el grupo implosionara para siempre jamás. Y tal como se creó, desapareció delante de los ojos de un atónito público”. El fulgurante éxito que tuvo la banda es cuestión digna de estudio. Cuando se les pregunta su opinión al respecto de las causas que explicasen el porqué del mismo reconocen no salir del asombro: “No tenemos ni idea realmente. Algunas veces, tras los conciertos venía gente de otras bandas a preguntarnos ‘¿cómo lo habían hecho? ¿cómo lo habían conseguido?’, a lo cual nos entraba la risa y no teníamos respuestas. Aunque con el tiempo, creemos que muy probablemente fuera la pasión y convencimiento absoluto de lo que estábamos haciendo, ajenos a todo, además de una grandísima dosis de curiosidad e inquietud. Sólo queríamos divertirnos, realmente. Y lo conseguimos”. Tras la aventura de King Trash Fandango se centrarían en Inadaptados, y decidido el parón de estos igualmente un poco después, Antonio marcharía por el 2000 a Madrid donde uniría fuerzas a Murky en [grupo slug="pantasma"]Pantasma[/grupo] y Supergrupo y tocaría en [grupo slug="humbert-humbert"]Humbert Humbert[/grupo].

Kalte Sonne son un trío lugués compuesto por Miguel (bajo), Víctor (batería) y Mufi (guitarra). “La banda surge en 2013, con Miguel, Víctor y Javi Miranda (involucrado en proyectos diversos tales como: Art of Lament, Bristol, Crazy Breed, Dead Flag, Digital Quail, Experipecies, Pressences o TFL). Aún en los comienzos se incorporó Ángel, que había coincidido anteriormente en otras bandas con Miguel y Víctor. Con esta formación se editó ‘The Hum’ (2014). En 2014 Javi dejó la banda  y con la efímera incorporación de Hadrián (Black Goat, The Last Twilight, HÆC) grabamos ‘Terra Incognita’ (2015). Tras su retirada quedó configurada la actual formación de power trío y se aprovechó para darle una vuelta de tuerca a la orientación musical de la banda llegando a un punto en el que nos sentimos muy a gusto” explican. Todos vienen de formaciones de metal luguesas… “Además de participar en algunos proyectos y bandas de limitada repercusión los tres miembros actuales del grupo formamos parte en algún momento de Skullkrusher, que musicalmente discurría a medio camino del thrash metal alemán y el death metal sueco. Es mencionable también el periplo de Ángel en Sen Berce, banda con un sonido próximo al thrashcore y crossover thrash. Víctor actualmente forma parte también de la banda de blues-rock Conducto Coloquio. La idea original de formar una banda instrumental surgió de Javi, nuestro primer guitarrista, y nuestra idea era hacer algo diferente a lo que veníamos haciendo y experimentar un poco con cosas nuevas”. Así es como nace Kalte Sonne, cuyo nombre proviene del alemán, “(kalte [ˈkaltə]: frío | sonne [ˈzɔnə]: sol). Después de llevar compuestos unos cuantos temas se nos ocurrió el nombre de Kalte Sonne que se ajustaba bien a la orientación que había tomado la banda”. Su música suena a libertad, con elementos post rock, post–black metal, stoner, progresivos… “No nos gustan mucho las etiquetas, por lo cual hemos escogido la opción fácil y nos definimos como una banda de post metal / rock, que es probablemente lo que mejor se ajusta a lo que hacemos en estos momentos. Si se analiza un poco más a fondo se pueden intuir elementos de stoner, death-black metal, shoegaze, sludge, post-rock, doom, rock progresivo… un poco el resultado de la mezcla de todos nuestros gustos. Cada miembro del grupo bebe de muy diferentes influencias; por citar algunas: Return to Forever, Pink Floyd, Black Sabbath, Between the Buried and Me, Rainbow, Mastodon, Alcest, The Ocean, Isis, Envy, Deafheaven, Tool, My Sleeping Karma, The Sword, Tuber, High on Fire…”. Su primera entrega llega en 2014, [disco slug="the-hum"]“The Hum” (Autoproducido, 2014)[/disco]. Un EP de cuatro temas grabados en los estudios Montealto (Coruña) junto a Fernando Mejuto y Hugo Santeiro. Posteriormente llegan los volúmenes [disco slug="terra-incognita-searching-the-new-world-part-1"]“Terra Incognita (Searching The New World Part.1)” (Autoproducido, 2015)[/disco] y [disco slug="kalte-sonne-octawitch-searching-the-new-world-part-2"]“Kalte Sonne / Octawitch: Searching The New World Part.2” (Lost Penguin Conspiracy, 2016)[/disco]… “En ‘Terra Incognita (Searching The New World, Part 1)’ (2015) aún manteniendo la esencia de nuestro primer trabajo, con pasajes post-rock y blackgaze, añadimos elementos de otros estilos y gracias a los  arreglos de Hadrian creemos que dimos un paso más. Ya con formación de trío, nos orientamos un poco más hacia el sludge-stoner que se puede observar en ‘Searching the New World Part. 2’ y que lanzamos en un compartido con [grupo slug="octawitch"]Octawitch[/grupo]. Esta transformación del sonido, seguramente y sin quererlo, viene dada por los gustos personales de los que quedamos en el grupo y por el cambio en la forma de componer los temas. Al quedar un solo guitarrista comenzamos a incorporar loops de guitarra en los temas, intentando que estos no queden planos y dándoles profundidad, lo que ha propiciado que el sonido de la banda progrese en la dirección actual.  Desde la edición de ‘Terra Incognita’ hasta nuestro reciente ‘Ekumen’ (2018) el concepto (a posteriori) de nuestras creaciones parece girar en torno al espacio exterior; un viaje astral a través de la música que se puede apreciar también en las portadas de cada uno de los discos”. En 2018 llega [disco slug="ekumen"]“Ekumen” (Western Swarm / Violence In The Veins / MPFR, 2018)[/disco], su trabajo más maduro y sólido… “Nuestra idea era dar un paso más en la progresión del grupo. Después del EP y varios compartidos creíamos que era el momento de sacar un larga duración que representase la evolución de la banda. En cuanto a la composición de los temas, en principio intentamos no basarnos en ideas o conceptos preestablecidos y ver a dónde nos llevan. Una vez tenemos unos cuantos temas que forman un bloque, los pulimos y miramos de asociarlos a un concepto según lo que nos han transmitido a cada uno en su creación. Finalmente en ‘Ekumen’ proponemos una idea simbólica para los temas, en este caso centrada el ser humano ante la imponente inmensidad del universo mediante el Hainish Cycle, pero nos gusta que cada oyente asimile a su manera nuestra música. ‘Athshe’ fue el primer tema que compusimos tras el split anterior y es, por el momento, el que está teniendo mayor aceptación. Es una buena muestra de lo que hacemos puesto que en él se encuentran un poco las partes tranquilas y más cañeras de la banda. ‘Ansible’, el último tema que compusimos para este disco, nació de una improvisación total en el local y fue creciendo muy rápido. Luego en el estudio, se le agregaron unas líneas de guitarra en las que colaboró Iván Ferro y unos arreglos de última hora con un sintetizador, añadiendo un toque más de locura para finalizar el disco. La composición de ‘Serendipity’ fue, como con ‘Ansible’, muy fluida y  ‘Eleven Soro’ es el que ha costado un poco más de trabajo, pero estamos muy satisfechos con el resultado. El disco se ha grabado en Kollapse Studio de Lugo con Iván Ferro a los mandos técnicos. Siempre es un gusto grabar con Iván y aprendemos algo nuevo en cada grabación con él. Nuestro anterior trabajo también lo grabamos en Kollapse cuando el estudio aún estaba emplazado en Madrid. Para Ekumen y  con el estudio en Lugo, pudimos disponer de mucho más tiempo, lo que hizo la grabación más placentera aún”.

Kimuru es el proyecto del lugués Quique Fernández Muruáis. Un artista polifacético que centra su actividad en la música y en la pintura. Para conocer sus orígenes a nivel musical tenemos que remontarnos al año 84, año de nacimiento de V.O., formación que practicaba un estilo pop cercano a la aventura de [grupo slug="fernando-marquez"]Fernando Márquez “El Zurdo”[/grupo] con [grupo slug="la-mode"]La Mode[/grupo]. En ella nos encontramos a Fran (guitarra), Fito (voz), Manín (batería), Bruno (teclados) y al propio Quique Muruáis (voz). Se trata de una aventura efímera, que nos deja una maqueta grabada en aquella Aula de Música Electrónica de la Universidad Popular puesta en marcha por [grupo slug="bibiano"]Bibiano[/grupo] en Vigo. Tras el final de V.O., Fran y Fito pondrían en marcha junto a Bambi y Piti Sanz, una de las bandas más importantes del rock lugués: [grupo slug="los-contentos"]Los Contentos[/grupo]. Quique montaría con Fran y Piti el grupo de versiones Los Osos Montañosos, "versiones de los muy grandes como Dylan, Who, Bowie, Stones, Beatles, MC5. Mucho divertimento, pasión y actitud. Y bastante desfase" explica Quique. Después vendrían Los Fantomas, proyecto con el que comienza a desarrollar composiciones propias, y después Los Comestibles, con versiones de los 80 y 90 (John Cale, Pixies, R.E.M., Pulp, The Divine Comedy, Bowie, Beck, Paul Weller, Iggy Pop, Madonna, Elvis Costello, Elliott Murphy...). Kimuru es su proyecto más personal... "Kimuru es la idea de montar canciones y textos que yo tenía compartiendo con otras personas bajo una linea conceptual y estética bastante definida de antemano. Aquello de dar rienda suelta a las filias y fobias mediante canciones". Con respecto al nombre elegido explica que "no me comí la cabeza mucho y utilicé las iniciales de Quique Muruáis. Aún me sigue haciendo gracia el nombre". En 2005 llega su primera referencia, [disco slug="todas-las-naves-espaciales-son-de-plastico"]“Todas las Naves Espaciales Son de Plástico” (Falcatruada, 2005)[/disco]. Un trabajo grabado en Abrigueiro Estudios (Friol, Lugo) junto a Arturo Vaquero. Participan en ella Martín Alonso (guitarra en [grupo slug="holywater"]Holywater[/grupo]), César López (bajo en Los Comestibles) y Arturo Vaquero ([grupo slug="humanoid"]Humanoid[/grupo]) que es el responsable de los efectos espaciales, texturas y desarrollos del disco... "Arturo dejó su sello personal casi más como Humanoid que como Arturo Vaquero. Eso le da un carácter especial e influye directamente en el resultado". Con respecto al disco Quique afirma que "lo grabamos en una semana y fue intenso. Era finales de diciembre y hacía un frío de la hostia lo cual me obligaba a un tratamiento diario y extenso de licor café. Tengo un recuerdo dulce y algo borroso, sobre todo al final del día. Hubo algo de proceso iniciático y también un poco de magia durante aquellos días. Fue una especie de road movie en canciones. Una odisea espacial por carretera de juguete electroacústica. El título hace referencia a la idéa de que antes de volar hay que soñarlo. Antes que las naves espaciales volaran tuvo que haber un niño o una niña volándolas con su mano". A nivel musical es un disco espléndido. Un disco profundamente melancólico que consigue ponernos en ocasiones un nudo en el estómago con su realismo y crudeza. Melancolía envuelta en pop con luces y sombras, un viaje introspectivo que se viste de viaje espacial... "Supongo que eso está en los textos y en la manera de vestir las canciones. Pretendimos que tuviera un aire de cuento, de un viaje interior por esa galaxia infinita que son los sentimientos. Quería una linea argumental entre las canciones para que tuviera unidad y concepto al mismo tiempo que jugar y experimentar en el estudio". Tres años después llega [disco slug="piedras-y-confettis"]“Piedras y Confettis” (Falcatruada, 2008)[/disco].  Una continuación marcada por canciones introspectivas y melancólicas, "es un trabajo más orgánico, Además de César López, Arturo -y la colaboración de Martín en tres canciones- entraron a formar parte Xosé Saqués a la batería y Xabier Pérez a guitarra y piano. El resultado es más rollo banda. Los textos siguen por una senda parecida a la del disco anterior. El viaje, el amor o desamor, la muerte, la suerte. Mi catálogo de temas es muy recurrente". En el conjunto destaca una canción como “Verano de serpientes de verano”, pop clásico y atemporal de ese que queda marcado en la piel para siempre... "tenía el texto escrito pero no la música y una tarde prácticamente se juntaron las dos partes sin darme casi ni cuenta mientras estaba tocando una guitarra. Decidí grabarla en una cinta por si volaba, pero no, se me había quedado grabada mientras dormía y me levanté con ella en la lengua". La banda se mantiene en activo pero se prodigan muy poco y Quique se centra en la pintura... "la pintura forma parte de lo que es prioritario para mí en el día a día. Me salvó en el peor momento de mi vida -de esto hace once años- y ya no la puedo dejar. Me meto en el taller y el tiempo se vuelve líquido y agradecido. Así cada día tengo mi propio rompecabezas que resolver". En el aire queda un disco con doce canciones ya grabadas... "son doce canciones grabadas que no están editadas en ningún lado. ¡Material nuevo y de primera! De ese 'No Disco' hacemos cuatro canciones en directo. Además el gusto por hacer letras no lo perdí y es posible que aún siga intacto". Actualmente la banda está formada por César López al bajo, Carlos Díaz (guitarra), Pope (batería) y Quique (voz y guitarra).

Cuando terminó aquel concierto en agosto de 1998 en  La Gomera con la que había sido su banda hasta entonces, los tinerfeños [grupo slug="conemrad"]Conemrad[/grupo], Txetxo cerraba una etapa que había iniciado muchos años antes, en el 1985. La deriva estilística que había sufrido el que probablemente pueda considerarse grupo pionero por excelencia del Oi! en las Islas Canarias les había hecho transitar por el ska, el rock americano y, finalmente, el thrash metal. “Tenía claro que quería formar otra banda, reencontrarme con el punk rock” nos cuenta justificando así el que tan pronto volvió de la Península, a donde había ido ese verano para trabajar en una excavación arqueológica, buscase a los compañeros de viaje ideal. Los encontró en el seno de [grupo slug="pension-ruido"]Pensión Ruido[/grupo], una banda de Santa Cruz ya disuelta y en la que habían tocado Jorge –“Maño”-, David y Alberto. Habían sido todos ellos antes compañeros tanto de haber compartido escenario en alguna ocasión como de consumir (afortunadamente sólo) alcohol, “Algo que me venía por entonces muy bien después de unos años 90 muy peligrosos con Conemrad” reconoce abiertamente el guitarrista. Asimismo, Txetxo había sido el encargado de la producción de las maquetas que habían grabado Pensión Ruido: “Elemento Subversivo” (1994) y “Bajo Amenaza” (1995). Unos 5 años mayor que sus nuevos compañeros, había tenido tiempo, además de con Conemrad, fajarse en un proyecto previo del 1984, Vado Permanente, y otro llamado Síndrome, que formó con Carlos, batería de los primeros y que se empuñó el bajo, en lo que la banda paró por irse Jordi, el cantante, a cumplir con las obligaciones que le imponía el servicio militar. Con este último grupo grabaría también maqueta y tocó en directo en varias ocasiones. El reparto de funciones es el siguiente: Txetxo y Maño se encargan de las guitarras y voces, David del bajo y de voces igualmente y Alberto de la batería. Los tres componentes que se repartían la tarea de cantar se alternaban en función de quién había llevado la parte principal de composición del tema en cuestión. El nombre para la banda llegó de una propuesta, a modo de broma, de Alberto un día en un bar. Llevaban ya tiempo tratando de decidirse por uno que convenciera a todos y terminaron adoptando este último al no encontrar ningún otro más convincente: “El resto de propuestas eran tan patéticas que no merecen ser recordadas”, decían alguna de las veces que han contado sobre el bautismo del grupo. Como local de ensayo entran en la casa que tenía la abuela de Alberto en la Plaza del Cristo de La Laguna, y aprovechando que ella no vivía allí, ocuparon uno de los cuartos para sus aventuras musicales. Esos meses posteriores al verano fueron de una actividad febril: “Iniciamos los ensayos y empezamos como locos a componer. Los temas se orientaron rápidamente al punk-rock acelerado, casi hardcore que era lo que El Maño siempre solicitó y al resto nos daba igual. La idea inicial era pasarlo bien bebiendo y tocando en el local y en cualquier concierto que nos llamaran”. Y seguro que lo hacían, pero, además, les dio tiempo a empezar a grabar algunos de los temas que iban componiendo. Así, un poco después, entre febrero y marzo de 1999, preparan ya la que sería su primera maqueta [disco slug="hoy-hace-un-dia-estupendo-seguro-que-viene-alguien-y-lo-jode"]“Hoy Hace un Día Estupendo … Seguro que Viene Alguien y lo Jode” (Tagrawla, 1999)[/disco]. La cinta contenía unos 13 temas originales de la banda registrados en el local de ensayo con un cuatro pistas analógico que tenía Txetxo (que sigue teniendo en la actualidad y que se utilizó entonces para grabar material de muchas bandas tinerfeñas de entonces), de la que el sello Tagrawla Records, del que era responsable Carlos ([grupo slug="asco"]A.S.C.O.[/grupo]), editó una tirada de 1000 copias. La misma banda, de modo casero, también se encargó de poner en la calle una edición limitada en formato de CDs. La presentación de esta primera grabación en la sala Barremoto en Bajamar (Tenerife) el 31 de julio de 1999 fue el debut en directo de Gran Banda Mandinga. El concierto fue con [grupo slug="smd"]SMD[/grupo], el grupo en el que militaba Txino, el hermano de Txetxo. Temas de aquel primer trabajo como “Apestando por lo nuestro”, “Machoman” o “Sube la persiana” ocuparon un puesto destacado del repertorio de los directos de la banda durante mucho tiempo después. “Si ves que por las mañanas ya no sale el Sol, Imbécil sube la persiana” cantaban en este último, para el que, además, encargaron un videoclip a Alejandro Ramos, en el que se podía ver a un amigo de la banda, Suso El Sucio, andando en pijama tanto por la Plaza del Cristo de La Laguna como por el monte de Anaga. Mezclaban en su debut Gran Banda Mandinga una fuerte dosis de ganas por pasarlo bien adoptando maneras gamberras, con la aspereza de hardcore sinuoso de “Trepa”, el punk rock galopante y atropellado a coros por todos sus miembros de “Uno más” o el más abrasivo de “Borreguito plasta” con riff de “Smells like teen spirit” de Nirvana incluido. Eso sí, quizás en una especie de adelanto insospechado de lo que vendría luego, tanto en “Machoman” como en “Huele a pota”, se aplicaban incorporando ska en su música. Ese mismo año, en el mes de agosto, volverían a tocar en la plaza de toros y a partir del año 2000 se verían compartiendo escenario con bandas insulares que, o bien empezaban entonces o traían ya unos cuantos años de trayectoria consolidada. En la lista se incluyen los nombres de grupos como Species, Macarraca, Mandarrias Band, Pachumba, Malaspecto, [grupo slug="represion-24-horas"]Represión 24 Horas[/grupo], Modern Fucking, Parasitosis, [grupo slug="malformaciones-kongenitas"]Malformaciones Kongénitas[/grupo], Skachados, Los Flemáticos, Konexión 911, Las Ratas, Hot Vulcan Stompers, [grupo slug="brutalizzed-kids"]Brutalizzed Kids[/grupo], Trópico 28… En 2001 actuaron en la Plaza de Ingenio en febrero, en el Beat Club de Santa Cruz entre abril y junio, en el Blues Bar de La Laguna en abril, en la plaza de toros  y en el Enemigos Íntimos Club de Granadilla en septiembre. Parte de esa actividad en directo de la primera etapa de la banda, entre 1999 y 2001 se vería reflejada en el recopilatorio “Desconciertos 99-01” (Ediciones La Mina, 2001), del que saldría una edición limitada y numerada de unas 250 copias. El trabajo, que vio la luz con Ediciones La Mina, un invento puntual de David, el bajista del grupo, serviría para poder financiar nuevas grabaciones. Ese mismo año Job empezó a participar con el saxo en la música del grupo mientras que Rober aportaba colaboraciones puntuales a la trompeta. La actividad en directo en esta primera etapa Mandinga de finales de los 90 los vería compartiendo escenario en numerosas ocasiones, además de con SMD, con otros grupos como [grupo slug="guerrilla-urbana"]Guerrilla Urbana[/grupo] o Enemigos Íntimos. En 2003 el grupo comienza a grabar nuevo material con la mente puesta en un nuevo disco. Vistas truncadas sus expectativas de hacerlo en un estudio por falta de liquidez, deciden que los gastos se limitarían a la edición del CD y la impresión del correspondiente cuadernillo. Como ya habían hecho antes trabajan entonces en su local de ensayo utilizando el cuatro pistas de Txetxo, aunque luego volcarían todo a uno de ocho pistas digital para poder ampliar con más entradas. El sello Ruin Records de Domingo Alemán ([grupo slug="soviet-love"]Soviet Love[/grupo]) de Las Palmas editó [disco slug="poco-profesional"]“Poco Profesional” (Ruin, 2003)[/disco] en formato de CD sacando un millar de copias que traían un libreto interior con letras y detallada información al respecto. De los 18 temas que incluía, 6 eran versiones, una costumbre que adquirieron de tocar en directo, cuando se quedaban sin temas propios en clave de ska y elegían adaptar las del repertorio de otras bandas. En este caso miraron hacia [grupo slug="ilegales"]Ilegales[/grupo] (“Mamoncete”), Henry Mancini (“Inspector”), Los Fabulosos Cadillacs (“Te tiraré del altar”), La Chusma (“Pinochet”), Maniática (“El caso del mendigo sin manta”) y Calzones Rotos (“Gente”). El trabajo coincidiría con un momento de transición de la banda. La grabación se alargaría y durante la misma la formación de Gran Banda Mandinga sufriría variaciones. Por un lado, Txino, el hermano de Txetxo, entra como cantante, aunque en el disco sólo aportaría la voz en los temas que cantaba David, quien, tras grabar su contribución al bajo para el disco terminaría dejando el grupo. En su sustitución, justo cuando se edita el disco, entraría Poti que había sido guitarrista en Los Jartos y A.S.C.O. Igualmente, y también proveniente de La Lata Verde y A.S.C.O., donde tocaba la guitarra, entra Pedri para reforzar la sección de viento con la trompeta junto a Job. Se consolida así el viraje del sonido del grupo hacia el ska abandonando poco a poco la base hardcore con la que empezaron. “Poco Profesional”, del que vendieron las 600 copias editadas, empezaba con “Canarias Uber Alles”, un tema arisco en lo musical y con una letra conflictiva en el que el grupo apuntaba las maneras “a un paso del fascismo en el sentido racista de odio” mostrado por una parte del sector “guanchista” hacia los godos llegados de la Península. La banda tuvo que afrontar las críticas de quienes les tildaron de anti-canarios. A lo largo de 2004 se producirían cambios también en los vientos, ya que convencen a Pablo, que se acababa de hacer con un trombón, algo defectuoso eso sí, para que se incorporase al grupo. Él es además quien sugiere el nombre de David –“Vector”- ([grupo slug="la-lata-verde"]La Lata Verde[/grupo]) para sustituir a Job al saxo. Los Mandinga certificaban con esta ampliación a ocho miembros (con todos los problemas de logística que ello acarreaba) la consolidación de un sonido en el que primaba el ska. Su presentación con tan poderosa sección de metales se produce el 13 de marzo de 2004 durante La Noche Mestiza, compartiendo cartel, entre otros grupos, con la Kinky Beat. Además, graban de nuevo el tema “Poco profesional” en los estudios Gallinero Records de Los Realejos (Tenerife) preparando un videoclip con el que acompañarlo. Ese sería el año en el que, tras numerosos conciertos por las islas, como el festival Gomera Rock en julio o en El Hierro en agosto, siguiendo la tradición de bandas como [grupo slug="escorbuto-cronico"]Escorbuto Crónico[/grupo], Guerrilla Urbana o los mismos Conemrad, Gran Banda Mandinga visita El País Vasco para tocar en el gaztetxe de Leoia de Bilbao en agosto. Como contaban en una entrevista, en un principio, la idea original del grupo era la de actuar en cuatro sitios diferentes pero, una vez ya instalados en la casa de quien les acogía (Valen de [grupo slug="ultima-neurona"]Última Neurona[/grupo]) se fueron cayendo uno a uno los conciertos apalabrados salvo uno. Un par de años después se sustituye a Pedri a la trompeta por Juanka (Pachumba), añadiéndose una segunda con Freddy (Frank Wild Year), aunque sólo estaría hasta 2007. Lo justo para poder participar en la grabación del nuevo disco del grupo, algo que no haría Pablo por no poder hacer sonar adecuadamente el trombón del que disponía. Aunque lo intentaron comprobaron que no se podia utilizar para grabar. Es por ello por lo que se recurre a un profesional para las sesiones de estudio. La banda quiso forzar a Pablo para que, a pesar de todo, recibiera clase de trombón para poder seguir en el grupo, pero éste vio incompatible dedicar el tiempo necesario para todo ello  [disco slug="gran-salto-adelante"]“Gran Salto Adelante” (Producciones Malditas, 2007) [/disco] es ciertamente un paso hacia adelante para el grupo, que encara la elaboración de un nuevo disco de manera algo más cuidada. Aunque asumida por la propia banda, la producción es definitivamente mejor que en ocasiones anteriores. Graban en los Estudios Atlantide de Savino di Vietro situado en Icod de los Vinos (Tenerife), corriendo la masterización a cargo de de Aitor Ariño. El resultado de la grabación se envió a Maldito Records, con los que acordaron su edición a través de Producciones Malditas. La Gran Banda Mandinga presentó el trabajo el 31 de octubre de 2007 en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz ante 300 personas que recibieron como regalo con su entrada el CD. La distribución del millar de copias que se editaron, se realizó tanto por las Islas Canarias como por La Península, acompañando el que sería el pico máximo de actividad del grupo con actuaciones por toda la escena insular. De hecho, un poco antes del concierto de presentación arriba mencionado, se fueron en agosto de ese mismo año hasta Santander para tocar en la sala Heaven. También pararían para actuar en las fiestas de Portugalete. En marzo de 2008 participan en el Festival Dorada en Vivo en Santa Cruz teloneando a [grupo slug="rosendo"]Rosendo[/grupo] manteniendo durante todo el año y el siguiente una apretada agenda de conciertos por un gran número de escenarios insulares. La sección de viento volvería a experimentar variaciones, ya que el trombón pasó a manos, primero de Cipri –“El Breve”- y luego, en 2013, de David –“Borroka”-, mientras que el saxo pasó a ser cosa de Richi. El concierto que dieron el 28 de julio de 2012 en el Hard Skull Fest en Vecindario resultaría, a la postre, el último concierto del grupo, ya que, casi un año después, en junio de 2013 emiten un comunicado en el que informan del “cese temporal” de la relación que ligaba a la banda con todos los seguidores mandingas: “La desidia nos ha derrotado” decían, “Después de cinco años sin grabar un disco y prácticamente un año sin tocatas, hemos decidido cerrar el kiosco”. Dejaban claro asimismo que no había nada raro ni turbio tras la decisión, que no era la degradación de la relación entre sus componentes lo que les había llevado a dejarlo. Muy al revés, fue entre “birras y chupitos” cómo decidieron hacer lo que les pedía el cuerpo por entonces. Lo que está claro es que para cuando Gran Banda Mandinga deciden dejarlo, habían terminado ya ese continuo viaje hacia el ska al que siempre apuntaban, a base de reforzar y consolidar su sección de viento.

Conocemos a Santi Araújo (Ponteareas, 1993) de su aventura folk pop con [grupo slug="la-familia"]La Familia[/grupo], formación que dejó como testamento un interesante disco: [disco slug="esto-es-normal"]“Esto es Normal” (Ernie, 2011)[/disco]… “Las canciones que acabaron en el disco de La Familia fueron mi primer ejercicio de buscar sincerarme y encontrarme a través de las canciones. Cuando empezábamos a pensar en un segundo disco, yo buscaba llevar esa exploración un paso más lejos. De haber seguido, tendríamos que haber aportado todos a las composiciones, sino ya no encajaba con mi modo de entender la música”. Años después Santi empieza un nuevo proyecto en solitario, algo que surge de manera natural… “No decidí en un momento determinado empezar este proyecto, soy el primer sorprendido. Al igual que las canciones que acabaron en ‘Esto es Normal’ (2011), las que aparecen en ‘Catedral’ (2018) surgieron en un momento personal muy intenso. Es en esos momentos en los que necesito girar el espejo hacia dentro, para ver realmente qué está pasando e intentar decírmelo a través de canciones. Llevaba cinco años sin hacer ninguna canción (tampoco lo buscaba) y de repente durante dos meses estuve haciendo dos canciones al día (y eso que la mayor parte del día lo pasaba trabajando)”. De esta forma nace [disco slug="catedral-santi-araujo"]“Catedral” (Ernie, 2018)[/disco], un EP debut que se presenta como un “cancionero de dolor expuesto, en el que Santi se desarma y se deja sangrar, a la vez que también se reconstruye a cada nota y cada palabra”. Habla de un proceso de aceptación de uno mismo, de seguir laberintos hasta llegar a encontrarse a uno mismo y alcanzar la catedral, “creo que por primera vez en mi vida noto que me respeto, que estoy orgulloso de ser quien soy. No ha sido fácil, ha costado mucho llegar hasta aquí. Viví una temporada en México y allí me encontré con muchas cosas dentro de mí que estaban inconexas. Volví con crisis de ansiedad y justo cuando toqué ese fondo del que siempre se habla aparecieron las canciones para rescatarme, para ayudarme a reconciliarme conmigo mismo y con el mundo que me rodea”. A nivel musical nos encontramos con un viaje reflexivo e introspectivo que bebe de la canción de autor, el folk rock y el pop… “Buscaba llevar las canciones a un lugar más sofisticado, y la persona que podía hacerlo realidad era Ralph Killhertz. De todas las canciones que hice en esta época de estallido, elegimos las cinco que más casaban entre sí y ayudaban a crear una fotografía de ese momento… El disco lo grabamos en 360 Global Media, en Madrid. La base (Miguel Rodrigáñez al contrabajo, Gonzalo Maestre a la percusión y Ralph Killhertz al piano) se grabó toda en directo. Los arreglos (panderetas, pandeiros, zanfonas, metales, etc.) los grabamos en Galicia”. Las canciones salen a su encuentro… “intento encontrarme en ellas. Canto lo que necesito escuchar, lo que necesito decirme”.

Paulo Pascual Castro tiene una amplia trayectoria en bandas como [grupo slug="foggy-mental-breakdown"]Foggy Mental Breakdown[/grupo] o [grupo slug="camarada-nimoy"]Camarada Nimoy[/grupo]. Hace unos años se volcó con el theremin y puso en marcha este proyecto personal llamado Modulador de Ondas… “Me acerqué a él por primera vez hace años a través del cine, escuchando las bandas sonoras de películas como Spellbound, The Day the Earth Stood Still, Ed Wood, etc. Me compré uno pequeño y experimenté mucho, aunque lo usaba de manera muy puntual en una banda en la que tocaba. Con Camarada Nimoy me hice con un Moog y la cosa empezó a mejorar, empecé a trabajar más su lado melódico y cobró más importancia en el grupo, pero realmente fue en 2016 cuando empecé con mi proyecto de Modulador de Ondas cuando me volqué a estudiar y aprender el lenguaje del instrumento y su técnica, que es tan difícil como gratificante. Encontré en mi camino un instrumento estupendo para las melodías solistas de mis composiciones instrumentales, tanto que di el paso de comprarme otro modelo más avanzado construido a mano por un luthier alemán (Dominik) volcarme a estudiar en él y hacerlo el protagonista de mi primer LP en solitario”.

Con respecto a las influencias que marcan su sonido, Paulo comenta que “estoy en un momento que no racionalizo demasiado cuales son los ingredientes de esta aventura, me dejo llevar por un río que me va dejando en muchas orillas conocidas y desconocidas. Me funciona mejor y me da más satisfación esto que marcar un itinerario previo para hacer una ruta. De todas maneras, todo lo que uno escucha, funciona como influencias, sería ingenuo no reparar en esto. Creo que me ha marcado mucho por ejemplo el disco ‘An Electric Storm de White Noise’ (Delia Derbyshire, Brian Hodgson y Mark Jenkins) la electrónica de Messer Für Frau Müller, los discos en solitario de Leonard Nimoy, los maravillosos sonidos y atmosferas de Timber Timbre, el surf pop contemporáneo de bandas como La Luz, las melodías de los Growlers, la psicodelia de The Entrance Band, el minimalismo de Yann Tiersen, las aventuras sónicas de la Tropicalia (ya desde sus inicios con O'Seis) el colorido y exótico mundo de Lex Baxter, Martin Denny, etc y he escuchado de chaval muchísimo a los clásicos -Kinks, Beatles, Stones…-. Una vez me contaron que cuando soñamos, las caras de las personas que vemos, nunca son inventadas, siempre son los rostros de la gente a la que vemos, vimos, o simplemente nos cruzamos un día por la calle y después no reconoceríamos, pero en nuestra cabeza, en los sueños ahí están. Creo que con las influencias musicales pasa algo parecido a la hora de componer.

Tengo una visión de la música muy cinematográfica, cuando grabé temas con la acústica y slide me sentía como dando un paseo por una de las guapas localizaciones de 'Doctor en Alaska' por ejemplo :) me influyen series, películas, paisajes... muchas cosas además de otros músicos”.

En 2018 llega su primer trabajo, [disco slug="planeta-theremin"]“Planeta Theremin” (Autoproducido, 2018)[/disco]. Un disco que llega tras una grabación intensa, “vino en un momento de nuestra vida alucinante, el embarazo de María y la llegada a este mundo de nuestra adorada Iris. Pensar en la grabación de ‘Planeta Theremin’ es pensar en esto, estuvo muy unido. Estoy convencido que mucha de la luz que tiene este trabajo viene de ahí. Fueron sesiones a veces duras, y no siempre podíamos finalizar lo que queríamos y había que adaptarse a las horas libres. El técnico de sonido Alber, nunca había grabado un theremin y eso fue muy bueno, no hubo ningún tipo de concesión en temas de afinación, se trató como si fuese otro instrumento. Alber me exigió más que yo y eso lo agradezco ahora cada vez que escucho el disco”.

Tanto en el directo, acompañado por Macarena Montesinos (violonchelo) y Uxo Pousa (theremin), como en el disco, hay diversidad de instrumentos como el chelo, guitarra acústica… lo que permite generar atmósferas ricas en texturas… “Después de haber estado dando conciertos sólo con mi guitarra, theremin y loopstation decidí grabar el disco con colaboraciones puesto que no me atraía la idea de limitarme en exceso por el formato que fuese a llevar después, y creo que fue un acierto. De hecho, la idea de llevar estos temas al directo en formato trío ha salido después, la instrumentación va a ser diferente a la del disco y eso me parece muy interesante.

Sin quererlo me di cuenta después de que no hay ningún otro disco editado en el estado que tenga esta instrumentación y que integre así un theremin con otros instrumentos, espero que aparezcan más y se normalice su uso, que no se asocie únicamente a ‘sonidos raros, de extraterrestres, etc.’ ( y lo dice un fan de la temática espacial). En el disco, el 80% es guitarra y theremin, aunque sí, trato siempre de generar texturas con color, aunque sea con cosas muy simples. Ahora en directo esto va a ser distinto; es maravilloso tocar con una chelista de la altura de Macarena Montesinos y con un thereminista con el talento y técnica como es Uxo Pousa”.

[grupo slug="javier-diez-ena"]Javier Diez Ena[/grupo] editaba unos meses antes [disco slug="theremonial-dark-and-exotic-theremin-music"]‘Theremonial: Dark & Exotic Theremin Music’ (Discos Alehop! / Beat Generation, 2017)[/disco], dejando claro que en nuestro país cada vez tiene más peso este instrumento… “A nivel internacional está en un proceso de expansión, sí. Internet sirvió para que los pocos thereministas que había en el mundo supiesen unos de otros. Echo en falta quizás que haya más músicos con proyectos propios que interpretes, como pasa con los demás instrumentos. Javier Diez sacó su disco cuando yo llevaba un tiempo tocando temas en formato unipersonal, con una loopstation y las visuales de mi compañera María. Fue una sorpresa agradable saber de un thereminista en España que editaba un disco en solitario. Además, lo que me parece muy interesante es que tras la escucha de tan sólo 10 segundos del ‘Theremonial’ de Javier y de ‘Planeta Theremin’ cualquiera puede comprobar que no hay parecido alguno: esto es una gran prueba de las muchas posibilidades que tiene este instrumento. En España no hay muchos thereministas, casi contados con los dedos de una mano. Mi experiencia es que en directo la gente lo aprecia muchísimo, de hecho es alucinante que siga sorprendiendo tanto y que te vengan a preguntar mil cosas sobre él después de una actuación siendo un instrumento electrónico de principios del siglo XX. No me quiero imaginar lo que pasaría por la cabeza de la gente de la unión soviética cuando en los años 20 del siglo pasado veían a Léon Theremin tocarlo delante de ellos demostrando las ventajas de la electrificación en aldeas sin luz”.

Para finales de 2012, Jess (voz), Diego (guitarra), Juanpa (guitarra), Javier (bajo) y Marta (batería) tienen claro que se lanzan a formar un grupo juntos y tardan poco en empezar a ensayar. Se conocen de haber coincidido en grupos previos, compartir escenarios, “parranda y demás actividades nocturnas”. Y es que, por ejemplo, la cantante había participado en la primerísima formación de [grupo slug="suzio-13"]Suzio 13[/grupo] y militado en [grupo slug="espacio-vital"]Espacio Vital[/grupo] y [grupo slug="pajarracos"]Pajarracos[/grupo]. También estuvo en Pajarracos Juanpa, que acumulaba para su curriculum la experiencia de haber tocado en Hetaroi, Blood Pints, Crisis Nerviosa, Mercenarios y [grupo slug="nuevo-orden-mundial"]Nuevo Orden Mundial[/grupo]. Diego había sido compañero suyo en estas tres últimas formaciones, mientras que Javi sólo había coincidido con ellos en las dos últimas además de haber pertenecido a [grupo slug="ministro-de-interior"]Ministro del Interior[/grupo]. Marta, por el contrario, no había tocado antes en ningún grupo. “Todos venimos de la periferia obrera de Madrid: Moratalaz y Vallecas”, defienden con orgullo, aunque su primer local de ensayo lo sitúan en los locales Underground en la Guindalera, cerca de la zona de Diego de León. Igualmente se refieren a su afición a los anuncios de venta de televisión de madrugada para alargar el pene, Jes Extender, a la hora de justificar la elección que hicieron para el nombre del grupo. “Era el nombre que más se ajustaba al grupo. Une la provocación con la tradición de la nomenclatura inglesa en algunas bandas como Peter and the Test Tube Babies, grupo que adoramos por cierto” cuentan. Su música tiene componentes de un amplio espectro de posibilidades. “Nos inspiran todos los grupos que nos han antecedido y con quien hemos crecido y madurado”, cuentan, lo que significa considerar una larga lista en la que cabía el rock radikal vasco, el punk-oi! europeo, ska, rock urbano, punk americano de los 80: “Bebemos de muchas fuentes y cada vez de más”. El concierto de debut lo dan el 13 de septiembre de 2014 en la localidad madrileña de San Agustín de Guadalix participando en el Festival II Beers and Weets. Tocaron en un frontón situado al lado del Skate Park La Probeta compartiendo escenario con las bandas Nuevo Orden Mundial, 28030 y [grupo slug="bogavantes-con-tirantes"]Bogavantes con Tirantes[/grupo]. Repetirían con los primeros unos meses después, en el concierto que dieron en noviembre en la Fun House. La banda seguiría fajándose en directo durante el 2015 con actuaciones en enero en el Rock Palace (con [grupo slug="morroplastia"]Morroplastia[/grupo] y [grupo slug="la-stasi"]La Stasi[/grupo]); en abril con Nuevo Orden Mundial y Rastrojos Vand en El Espazio de Segovia; en mayo en Cuenca en la C.S.A., en junio en Fun House con Nuevo Orden Mundial, [grupo slug="tension"]Tensión[/grupo] y Criminal Remains, para terminar el año en conciertos en las salas Hebe (el día 10 junto a San Blas Posse y Repercusión) y en La Urbe (el día 19 junto a [grupo slug="sagrada-familia"]Sagrada Familia[/grupo] y Meeel!) Apenas al año de empezar, durante 2016, acometen el proyecto de grabar una maqueta. Acuden para ello a un instituto de Moratalaz para trabajar con estudiantes de sonido. “Grabamos algunos temas, pero finalmente no llegó a cuajar”. Lo que, sin embargo, sí funcionaría fue la grabación de las canciones que prepararon para la edición de un disco. El proceso se alargaría notablemente, empleándose varios meses sólo en la grabación y otro tanto en las mezclas. Entremedias volvían a recorrer la geografía de salas de la capital, tocando en febrero en Fax junto a El Hombre Flipante y los Replicantes y [grupo slug="generacion-basura"]Generación Basura[/grupo] de Sevilla; en mayo acompañaron a Sagrada Familia en el Jimmy Jazz vallecano, donde vuelven, ya en diciembre, a acompañar a Grippers que presentaban disco. Antes se les pudo ver en Fun House junto a [grupo slug="avt"]A.V.T.[/grupo] teloneando a The Not Amused en su paso por los escenarios españoles a finales de octubre y con Los Cuervos y Venecia en la sala Phanton. Quien no tardaría nada en responderles entusiasmado en cuanto oyó el resultado de la grabación fue Pedropa, el responsable del sello Tough Ain´t Enough Records, al que conocen desde los 16 años. Fue él el que se encargó de ponerlo en la calle con una edición limitada de 240 copias. En febrero de 2017 participan en el concierto de apoyo a Radio Ela junto a [grupo slug="juana-chicharro"]Juana Chicharro[/grupo] y Fundación Albert García y en noviembre se les vería en el evento Oi! organizado en el Rock Palace con los vascos [grupo slug="kaleko-urdangak"]Kaleko Urdangak[/grupo] y los madrileños [grupo slug="strike-back"]Strike Back[/grupo]. Terminaron el año, en lo qu a actuaciones se refiere, tocando el 1 de diciembre con The Warriors. A finales de 2017 Marta tiene que dejar el grupo siendo sustituida por Tino, que viene de tocar en los grupos mexicanos Maquina 501, Chocho Maldito y Tlaquepaque Def. Coincidiendo con la entrada del nuevo batería, el grupo cambió de local de ensayo, desplazándose a los Jacks on the Roads, situados en Vallecas. [disco slug="rock-and-roll-extender"]“Rock and Roll Extender” (Tough Ain’t Enough, 2018)[/disco] ve, por tanto, la luz cuando ya se ha producido el cambio en las baquetas. Se presenta oficialmente con un concierto en la madrileña sala Fun House, compartiendo el escenario con los también madrileños [grupo slug="slogan"]Slogan[/grupo] y ¡Con un Par! El disco mostraba bien a las claras las querencias de la banda por un punk rock de alto octanaje, donde apoyados en unas guitarras que saben de su potencia en la pegada como martillos percutores más que en su velocidad y, sobre todo, en la melodía vocal de su cantante Jess, cantaban historias de proscritos y de noches de sábado en los callejones de su querida Vallecas.  Eso sí, si se les pregunta al respecto, insisten en no dejarse etiquetar simplemente como banda melódica, argumentando el tener otros registros diferentes. Para las cuestiones de la composición explican contar con la iniciativa de Juanpa, colaborando éste con Jess cuando toca escribir las letras. “Aunque todo pasa por el local y hacemos las enmiendas de composición y de letra oportunas”, aclaran. Los Extenders explotaron también en 2018 su directo en uno de los bastiones que más han visitado, el Fun House, donde acompañaron a Avasalle en el Valle el 4 de febrero, el 5 de julio telonearon a unos ilustres como [grupo slug="senor-no"]Señor No[/grupo]. Antes, el 1 de junio, participó en el concierto solidario para el programa de radio Los Mares del Sur de Radio Vallekas, donde también actuaron Operación Ogro y Delirio Kroniko.

El origen de The 5 Reylon's se encuentra en una de las primeras bandas músico-vocales de León, [grupo slug="Los-Lancia"]Los Lancia[/grupo], que estaba compuesto por Victorino García Laborda (contrabajo), Ricardo García Laborda (saxo tenor-alto, clarinete), Jesús Quintano Corral (acordeón) y Pedro Fernández Cubría (guitarra eléctrica). Bajo esa denominación actúan hasta 1963, cuando ya aparece el nombre de The 5 Reylon's en algunos directos realizados en diversas sociedades de La Coruña, como La Granja y el Club Náutico. Por cada uno de los cuales reciben mil pesetas, ganándose el derecho, ese mismo año, a tocar durante los meses de verano en el club hípico y el náutico coruñés. La primera formación de The 5 Reylon's es la compuesta por Victorino García Laborda (contrabajo), Ricardo García Laborda (saxo tenor-alto, clarinete), Gerardo Cascallana (batería), Pedro Fernández Cubría (guitarra eléctrica) y Carlos Láiz (piano). En junio de 1963 actúan en el Recreo Industrial de León y, en verano, compaginan las actuaciones en las anteriormente citadas sociedades coruñesas con otros conciertos en el Playa Club coruñés, la sala ferrolana Breogán, el club valenciano Don Juan y una mini gira por La Bañeza. En septiembre de ese mismo año debutan en el Real Aéreo Club leonés donde tocan todos los sábados –tarde y noche- y domingos -tarde- durante toda la temporada 1963-64. En mayo de 1964, tienen un encontronazo con el Sindicato Nacional del Espectáculo, ya que les comunica que no pueden actuar por no disponer de los famosos carnets que les acreditaba como músicos profesionales. Ese mismo año graban su primera referencia [disco slug="Sukiyaki"]"Sukiyaki" (Fonopolis, 1964)[/disco]. Posteriormente realizan una gira en la sala bilbaína Capri durante quince días en el mes de julio, que finalmente se prolonga hasta mediados del mes de septiembre. En noviembre serán el grupo residente en el Conde Luna llegando a haber sesiones a diario, tarde y noche. En febrero de 1965 viajan a Madrid para grabar su segunda referencia, [disco slug="Yenka-Twist"]"Yenka Twist" (Fonopolis, 1965)[/disco]. En junio de ese mismo año deja el grupo Pedro Fernández quedando el grupo reducido a cuarteto. Durante el verano actúan en el club hípico de La Coruña, en otros clubs y salas de Santiago de Compostela como el Paraíso. 1966 empieza para el grupo participando sin éxito en el primer Festival de Conjuntos Músico-Vocales de León. En otoño consiguen contrato de residencia en el casino de León hasta enero de 1967. A finales de ese año Victorino deja el grupo para cumplir con el obligatorio servicio militar, y con ello el grupo se disuelve para dar forma a la orquesta [grupo slug="Los-Paladines"]Los Paladines[/grupo].

La historia de Los Rayos comienza en Huesca a principios de los años 60 con la formación del grupo Los Martillos, que estaba compuesto por Antonio Viñuales Betrán (bajista y vocalista), José Ángel Lorenzo (batería), Cabrero (guitarra) y Jimmy (vocalista). A mediados de dicha década Jimmy deja la banda siendo sustituido por el guitarra Julio Morcate, y con esta formación ya actúan bajo el nombre de Los Rayos mientras se van haciendo un nombre en la provincia. En los años venideros se producen nuevos cambios en la composición del conjunto, ya que Cabrero abandona el grupo -siendo sustituido por el trompetista y guitarra Ángel Orensanz-, y Julio Morcate se marcha para hacer el obligatorio servicio militar -siendo reemplazado por Antonio Viñuales Adrián en la guitarra rítmica-. Con el paso de las actuaciones el cuarteto se da cuenta de la necesidad de reforzar su instrumentación y deciden incorporar más elementos a la sección de metales con la figura de José Luis Gastón al saxo. Este quinteto fue la formación más estable del conjunto funcionando juntos durante casi cuatro años. Su repertorio llegó a tener más de un centenar de temas entre composiciones propias y ajenas donde destacaban "The house of rising sun" de The Animals, "Lyla" de Lone Star, "Crying in the chapel" de Elvis Presley, el pasodoble "Perla preciosa", el bolero "Perfidia", entre otros. En 1972 graban su primer sencillo, [disco slug="vuelve-a-mi-noche-feliz"]"Vuelve a Mí / Noche Feliz" (DAF, 1972)[/disco]. El sello privado DAF, era subsello de Artyphon y con igual funcionamiento que este último. Propiedad del músico militar gerundense Antonio García del Río Segura, los conjuntos acudían a sus locales para la grabación de un vinilo corriendo ellos mismos con todos los gastos. Río Segura se encargaba de la parte técnica, de licencias y registro de autores. Esos discos estaban destinados a la promoción y ventas en los conciertos de las bandas. Tras su edición abandonan Los Rayos Antonio Viñuales Adrián y, por enfermedad, José Ángel, que es sustituido por el batería Luis Brau. Además deciden incorporar también un teclista al grupo, el encargado del órgano será Eliseo Latre. Con esta formación graban los siguiente sencillos del conjunto: el primero, [disco slug="una-vida-triste-quiero-que-estes-a-mi-lado"]"Una Vida Triste / Quiero que Estés a mi Lado" (Artyphon, 1973)[/disco], y el segundo al año siguiente [disco slug="la-primavera-don-ramon"]"La Primavera / Don Ramón" (Artyphon, 1974)[/disco]. Ambos siendo compilados en el EP que apareció tiempo después [disco slug="la-primavera-don-ramon-una-vida-triste-quiero-que-estes-a-mi-lado"]"La Primavera / Don Ramón / Una Vida Triste / Quiero que Estés a mi Lado" (Artyphon, 1975)[/disco]. Posteriormente Luis deja la batería -siendo reemplazado por Manolo "Linki" Plaza (Tucana)-, y Eliseo los teclados de los que se encargará José Torralba. Con el paso de los años también incorporarán durante una pequeña temporada a otro guitarrista del grupo Tucana, Laureano Figares. El grupo se disuelve en el año 1978.

Certificado en febrero de 2014 el acta de defunción de [grupo slug="black-eyed-bruisers"]Black Eyed Bruisers[/grupo], el grupo al que pertenecían, Juan (bajo y coros), Marcos (voz y guitarra) y Álvaro (batería), los tres amigos deciden poner en marcha Strike Back, un proyecto con el que seguir practicando Oi! a la manera de las bandas clásicas del género: Last Resort, Oppressed, Cockney Rejects, Cock Sparrer … Para bautizarlo se acepta la propuesta que hace Marcos para, además de marcar la diferencia con respecto a la banda anterior, mostrar las ganas de revancha que traían tras “algunos palos y desilusiones”. Así lo indica el bajista: “Lo que necesitábamos era un contraataque para no quedarnos estancados en el pasado y resurgir de nuestras propias cenizas, ya que somos los mismos que cuando empezamos. En resumen, suicidamos nuestro propio proyecto para contragolpear con más fuerza e intentar limpiar los oídos de tanto skin y punk con escaso gusto musical”. A los pocos meses de empezar tienen ya listo abundante material con el que plantearse la grabación de un disco, así que en julio entran en los estudios La Nota situados en el barrio de Usera, por donde ya habían pasado tiempo atrás grupos como por ejemplo [grupo slug="commando-9mm"]Commando 9mm[/grupo], [grupo slug="sex-museum"]Sex Museum[/grupo] o [grupo slug="guitar-mafia"]Guitar Mafia[/grupo]. El sello con el que se editaría el disco, [disco slug="arde-madrid"]“Arde Madrid” (Fierro, 2014)[/disco], es Fierro Records de Zaragoza. Su responsable, Víctor, ya los conocía de cuando tocaban en Black Eyed Bruisers, al coincidir con ellos durante un concierto de los italianos Nabat. Ya entonces les manifestó su interés por editarles algo, pero el proyecto sólo se materializaría cuando, una vez formado Strike Back, le contactaron a él informándole de los temas que tenían con el nuevo grupo. El disco de debut de los madrileños constaba de una decena de temas incluyendo la versión de Cockey Rejects “Beginning of the end”. Para la portada una de las imágenes enraizadas en Madrid que mejor transmiten la idea de alejamiento de la gracia o protección divina, del buen hacer o el camino correcto: la estatua del Ángel Caído que está en el Parque del Retiro. Strike Back conectaban así igualmente con la idea del Angels with dirty faces uno de los lugares comunes más habituales del Oi! británico desde que Sham 69 compusiera una canción con dicho título. Se editaron 300 copias en vinilo, 100 en color azul y 200 en negro. El trío canta la mayoría de sus temas en inglés aunque “Arde Madrid” y “Mordaza” constituyen las excepciones. Ritmo vertiginoso y garganta rota siguiendo los parámetros más ortodoxos del género. Junto al debut discográfico se produce el estreno en directo, ya que el mismo mes de noviembre en el que sale el álbum a la calle, Strike Back toca por primera vez en el concierto que dan en la sala Rock Palace junto a [grupo slug="klobber"]Klobber[/grupo]. En el evento también estaban anunciados [grupo slug="burdinkaia"]Burdinkaia[/grupo], aunque finalmente no llegaron a tocar. La actividad de la banda no decae en 2015 que se desplazará hasta Gijón para tocar con The Warriors, a Orense tocando con Lion’s Law, a Guernica donde tocan con Grade 2 y Gonna Get Yours, hasta Vigo para actuar con [grupo slug="fred-and-the-perrys"]Fred & The Perrys[/grupo] y finalmente a Durango para participar en el EH Etzanda, un festival en el que tocarían Last Resort o Nabat. Con nuevo material preparado, entran otra vez en los estudios La Nota a finales de 2015 con idea de grabar un EP de cuatro canciones. Durante el proceso de elaboración del disco, con el máster ya en fábrica, les informan de que queda demasiado largo para un 7’’, por lo que deciden cambiar la idea inicial y sacar un 12 pulgadas a 45 r.p.m. [disco slug="alone-in-the-battle"]“Alone in the Battle” (Fierro, 2016)[/disco] saldría a la venta en mayo de 2016 y junto a Fierro Records, el sello alemán Spirit of the Street ayudaría a la distribución por Europa haciéndose con un número de copias por adelantado. En este caso la portada del disco se apoya en la épica del caballero medieval que se enfrenta en solitario a todo un ejército enemigo. Apoyando dicha temática en el primero de los temas, “Do or die”, se oyen ruido de espadas entrechocándose en la batalla. La canción se regodea en su condición de parias y apartados del resto, teniendo que encarar la lucha completamente solos. La sensación de estar luchando en manifiesta minoría contra el resto del mundo se exacerba en la cara A cuando se trata de atacar a los en otros tiempos compañeros y que ahora son considerados como traidores. Para la cara B reservan su crítica política con el “Bien atado”, el único de los temas del disco en español y “Oi! strikes back”, una especie de sueño convertido en pesadilla: el protagonista se levanta un día comprobando que la estética skin se ha impuesto en todos los lugares. No tienen problema alguno en aclarar en qué consiste exactamente ese sentimiento de soledad que transmiten en sus discos: “Nos sentimos como una ‘rara avis’ que no terminamos de encajar en ninguna escena, al menos a nivel local. No nos identificamos con otras bandas de aquí. Por otro lado, hemos ido viendo cómo algunas personas con las que contábamos, nos dejan de lado para distintos proyectos”. La banda contabilizaría un buen puñado de actuaciones en 2016, destacando el concierto que dieron en Madrid con The Crack y participando en el festival Terra Ferma en Lérida donde también actúan Komitern Sect, Codi de Silenci o Rebel Minds. Se mueven limitados por el poco tiempo del que disponen para ensayar. Por ello su manera habitual de funcionar es la de alquilar locales por horas y componer cada uno por separado en su casa las canciones a partir de las ideas que les van surgiendo. Más tarde, reunidos los tres en el local, se terminan de perfilar y desarrollar. En sus canciones “hablan de cómo los bancos se han aprovechado de la crisis, sobre la Ley Mordaza o simplemente (…) sobre salir del curro y pillarse el pedo”. Alguna cuestión más personal e incluso letras más festivas, como la del ya mencionado “Oi! strikes back”, terminan por conformar el espectro temático que suelen trabajar para sus canciones. Diversas cuestiones personales frenaron un tanto la actividad de la banda, que en 2017 y 2018 apenas sí concedieron actuaciones en directo. Tan sólo destacan los conciertos que dieron el primero de esos dos años con los londinenses Booze & Glory en Madrid y acompañando en San Sebastián a [grupo slug="kaleko-urdangak"]Kaleko Urdangak[/grupo] en su vuelta a los escenarios. En su siguiente trabajo, [disco slug="about-justice"]“About Justice” (Tough Ain’t Enough, 2018)[/disco], lograrían hacer sonar la guitarra con una épica especial, haciendo quizás hincapié en letras de contenido político y social. Con mayor libertad que en otras ocasiones para punteos más largos, no abandonaban a pesar de todo el tono combativo y amenazante propio del género en momentos como el de “Incapaces”. Hacían coincidir asimismo “Watchdogs of the State”, un tema de tono Oi! rocoso, con un diseño de portada en el que aparece el Congreso de los Diputados derrumbándose en lo que escapan ratas de su interior. Aunque su intención original era la de trabajar el material necesario para sacar un nuevo LP, al final, por apreturas de tiempo, sólo grabaron tres canciones. Lo hicieron en La Nota, aunque lo masterizó Peter in de Betou en Suecia, con quien ya habían trabajado en el pasado. El sencillo corespondiente salió editado en esta ocasión de la mano del sello madrileño Tough Ain’t Enough. A su responsable, Pedropa, lo conocen desde hace tiempo con lo que el acuerdo entre ambas partes fue casi inmediato: “Hemos coincidido muchas veces por Madrid (conciertos, garitos) y hemos viajado a conciertos juntos... Él ya nos sugirió que nos editaba, así que cuando entramos a grabar este último EP, simplemente se lo dijimos y ya está”.  Se prensaron unas 250 copias del disco que vieron la luz en noviembre de 2018. Preguntados al respecto de posibles episodios de violencia en sus actuaciones, Strike Back aclara: “Por suerte esto ya no es lo que era hace años y no hemos tenido ningún problema en ninguno de nuestros conciertos. Gracias a ello también, ahora podemos tocar en salas donde hace 12 ó 15 años estaríamos vetados por el mero hecho de tocar Oi!” El grupo reconoce no sin cierta amargura no haber triunfado completamente en su misión de irrumpir en una escena punk-Oi! limitada en ocasiones por la cortedad de miras de muchos de sus protagonistas: “Es una tarea que a día de hoy no sólo no hemos logrado si no que parece aún más difícil de conseguir que cuando nos lo planteamos hace ya unos añitos”. Eso sí, no van a cejar en su empeño: “Seguimos predicando en el desierto y seguimos en la brecha. No lo olvides: somos el contraataque, somos Strike Back”.

Sans Soleil son una banda de Vigo que practica un post rock instrumental que conecta directamente con grupos como Explosions in the Sky, Mono o God is an Astronaut. En su formación nos encontramos a Laura León (guitarra), Jairo Daponte (guitarra), Lucas Roca (bajo, teclados) y Gian Franco (batería)… “Sans Soleil surge en el año 2016 cuando Laura y Jairo se unen con idea de formar un proyecto instrumental. A lo largo del año siguiente se unen Lucas al bajo y a los teclados y Gian a la batería, llegando así a conformar la formación y el sonido actual”, explican.

Con respecto a su sonido afirman que “el concepto parte de que a todos nos unía el gusto por el post-rock y teníamos ganas de experimentar en el espectro instrumental. Es entonces cuando matizamos algo más y, tras mucha puesta en práctica, todo acaba derivando en un post con especial mimo por su vertiente más sensible y limpia, aunque en continuo contraste con partes más agresivas”. De esta manera desarrollan un post rock emocional muy en la línea de bandas como Explosions in the Sky… “Nuestras influencias son bastante diversas, aunque podríamos decir que a todos nos encantan las atmósferas que evocan Mono o This Will Destroy You. Como bien has dicho, Explosions In The Sky fue uno de los grupos que nos introdujo en el género y hacia el cual todos guardamos un enorme cariño, a nivel melódico probablemente sea vital. Pese a esto, también tenemos muy en cuenta el exceso y la agresividad de grupos como GYBE! o Swans en sus últimos discos. Ya a nivel más cercano escuchamos a grupos como [grupo slug="astralia"]Astralia[/grupo], [grupo slug="catacombe"]Catacombe[/grupo], [grupo slug="toundra"]Toundra[/grupo]… la lista es bastante amplia.

En nuestros entornos individuales, y dejando el post a un lado, lo que escucha cada uno de los miembros también resulta en una mezcla interesante: buena parte del grupo tiene raíz en el metal, Laura escucha mucho ambient, a Gian y a Jairo les encanta el progresivo, Lucas tontea bastante con la electrónica… suponemos que al final todo eso hace que cada uno ponga un poco de lo suyo al producto final”.

Su primer trabajo es [disco slug="variaciones-cromaticas-del-atlantico"]“Variaciones Cromáticas del Atlántico” (Autoproducido, 2018)[/disco]. “Teníamos muchas ganas de sacar algo del material que llevábamos preparando, así que decidimos ir hasta EP Estudios, en donde nos grabó Eloi Pascual, que además es amigo de la banda y teníamos confianza ciega en él. Mientras grabábamos queríamos probar cosas en estudio y teníamos ciertas dudas a la hora de introducir samples y hacer determinados arreglos, así que Eloi fue de gran ayuda para esclarecer todo esto”.

Un trabajo en el que se perciben emociones y abstracciones con el Atlántico como telón de fondo… “Efectivamente, el concepto del disco es hacer un recorrido a través de las tonalidades del Atlántico, de lo que cada una de esos tonos de azul connota. De esta manera, se pasa de la pulcritud violácea y ambiental de Myosotis a la melancólica alegría de 'Cian' o al desasosiego de la oscuridad de 'Índigo'. Cada color es interpretable mediante la escucha activa del oyente.

Además de esto, el disco incluye samples que hacen referencia a motivos marítimos, ya sea en el diálogo de 'Myosotis', en el que un marinero vuelve a casa tras la tormenta, o en Índigo, donde se retrata la aversión al agua y al ahogo. El conjunto de estos factores constituye un viaje de trasfondo marítimo que, prescindiendo de letra, hace del oyente el creativo de su propia historia en base a las piezas que nosotros ofrecemos mediante el conjunto de los temas”.

Con el respecto a sus planes de futuro afirman que “de momento lo que podemos adelantar es que tenemos un directo pendiente de sacar que, entre otras cosas, incluye dos temas que no forman parte del repertorio de Variaciones cromáticas del Atlántico. De ahí en adelante el futuro está todavía por escribir”.

La historia de muchos conjuntos de los años 60 en Girona fue la de muchos grupos pop-rock absorbidos y olvidados mediáticamente por lo que ocurría en la capital catalana, bien por bandas de allí, bien por otras que se trasladaron a la ciudad condal en busca de fortuna. Por esta razón, más allá de los habitantes de la zona, pocos conocen a grupos gerundenses como los Supers –que eran los más profesionales-, los Smokings –un vivero de músicos-, los Stayers –que mezclaban experiencia y juventud-, los Mini Mundos –los más jóvenes de los aquí mencionados- o los aquí referenciados Estels Blaus que, a la postre, fueron los más populares. Estels Blaus se forma, movidos por los nuevos sonidos sesenteros que estaban de moda en ese momento, por unos chicos que tenían unos gustos musicales afines como The Beatles, The Rolling Stones, [grupo slug="Los-Sirex"]Los Sirex[/grupo] o [grupo slug="Los-Bravos"]Los Bravos[/grupo]. En 1966 Josep Maria Cassà, Lluís Masgrau y Guillem Domingo, nacidos en Cassà de la Selva, forman el grupo Los 3 Mosqueteros, llamados así, obviamente, porque el número de componentes coincidía con los personajes literarios de Alejandro Dumas. Este trío tiene las lógicas dificultades de todo conjunto que empieza; no obstante, esto no desespera a los tres integrantes que no cejan en su empeño de conseguir el éxito y el reconocimiento que creen que merecen. Con esta denominación duran poco más de un año, hacen algunas actuaciones en localidades cercanas a la suya hasta que en 1967 incorporan a Benet Nogué, que estudia piano, a los teclados y, lógicamente, se replantean el nombre de la formación, ya que llamarse Los 3 Mosqueteros siendo cuatro músicos era extraño. El nuevo nombre será Estels Blaus, porque las estrellas azules son las que más energía tienen. Pocos meses después incorporan a un quinto componente en la figura de Xavier Carrera, que ejercerá de cantante. Con el paso del tiempo, y la experiencia de los directos, se van haciendo un nombre en la zona y las ofertas para hacer conciertos van aumentando, bien en salas de baile, bien en fiestas patronales o en algunos de los festivales de música cercanos. En 1968 sustituyen al cantante Xavi por Josep Maria Cantó. Con el aumento del número de conciertos, también se muestra una evolución tanto en su técnica –a más directos mejor se toca-, como en su parte sonora -debido a que según ganaban más dinero van comprando mejores instrumentos y mejores equipos de sonido-. Josep Maria no dura mucho en el grupo y, al año siguiente, es sustituido por Rafael Villanova, que fue el cantante definitivo hasta la disolución de la formación. En 1970 editan el EP [disco slug="comprende-nina-balada-a-un-heroe-ole-con-ole-olvidalas"]"Comprende Niña / Balada a un Héroe / Ole con Ole / Olvídalas" (Berta, 1970)[/disco]. En ese momento viven el cenit de su popularidad, y, además, aparecen en televisión para participar en el programa "Tele-Club Campo Pop" (TVE). Presentado por Alfredo Amestoy, en este certamen nacional músico-vocal organizado por el Ministerio de Información y Turismo y la poderosa red de cuatro mil Teleclubs –que eran locales de propiedad municipal en la que los vecinos podían ver la televisión pagada por el gobierno- competían conjuntos de veinticinco localidades menores de diez mil habitantes de toda España. La idea radicaba en que un equipo de TVE se trasladaba a dichos pueblos para grabar una actuación de todos ellos. De estos, un jurado de expertos hacía una primera criba dejando en diez los finalistas. Los premios consistían en la grabación de un disco para el ganador, un concierto en una sala madrileña para el segundo, y una actuación en el programa "Ritmo 70" (TVE) dirigido por Pilar Miró para el tercero. Estels Blaus con su versión del tema "Venus", del grupo holandés Shocking Blue, quedan cuartos a un solo punto de la tercera plaza. Poco después de la grabación del EP, Lluís Masgrau deja la formación y ocupa su puesto Francesc Salas, siendo éste el último movimiento en la composición de la banda. Siguen juntos hasta mediados de los 70 cuando empieza el obligatorio paso por el servicio militar de los miembros de la banda. Hasta esa fecha, el grupo hace multitud de directos alternando temas propios con adaptaciones de éxitos foráneos de Santana, John Lennon o la Creedence Clearwater Revival. Habían adquirido una furgoneta, y nuevo y moderno material sonoro para que los conciertos tuvieran mejor sonoridad. Pero, como muchos otros conjuntos de la época, la mili acabó disolviendo Estels Blaus. Josep Maria Cassà tocará la batería en la orquesta El Tren de la Costa; Benet Nogué, por su parte, tocará en grupos como [grupo slug="Atila"]Atila[/grupo] o [grupo slug="Acra"]Acra[/grupo] y formara parte del grupo de acompañamiento de [grupo slug="Mike-Kennedy"]Mike Kennedy[/grupo], mientras que Rafael Villanova actuará en [grupo slug="la-salseta-del-poble-sec"]La Salseta del Poble Sec[/grupo]. En 2009, 35 años después de su disolución, vuelven a tocar en Cassà de la Selva con motivo del homenaje que reciben en la casa de cultura de la localidad, dentro de los actos paralelos de la exposición Cassà Pop.

Al final del verano de 1975, [grupo slug="formula-v"]Fórmula V[/grupo] echa el cierre. Su cantante y líder, [grupo slug="paco-pastor"]Paco Pastor[/grupo], pasado un tiempo, formaría el dúo [grupo slug="don-francisco-y-jose-luis"]Don Francisco y José Luis[/grupo] y otros dos componentes abandonan la práctica musical.  Pero los dos restantes se autoproclaman herederos del grupo y forman Fórmula II. Ellos son Mariano Sanz y Joaquín 'Quino' de la Peña, respectivamente bajista y guitarra solista de Fórmula V. Aquella operación no obtuvo las simpatías de sus antiguos compañeros y en la jugada tuvo mucho que ver el sello Philips, que con la desaparición del grupo perdía su principal fuente de ingresos en España. El estilo del nuevo dúo es absolutamente clavado al de su anterior grupo, aunque ellos mismos se encargan de las composiciones y adaptaciones bajo la supervisión del productor Alfredo Garrido y rodeado por músicos de sesión de lo mejor disponible, caso de los hermanos Moll, y Carlos de la Iglesia. El primer sencillo que publican es [disco slug="loco-por-ti-promesas"]“Loco por Ti / Promesas” (Philips, 1976)[/disco], que reproduce el sonido original de Fórmula V y obtiene una tibia acogida comercial, más basada en la curiosidad que en la calidad o novedad de la propuesta. Después vendría el segundo single [disco slug="se-y-no-se"]“Sé y no Sé” (Philips, 1977)[/disco], que ya pasó del todo inadvertido en el mercado. No obstante, Fórmula II, que en España tenía pobres resultados comerciales, en Sudamérica vendía muy bien sus discos y conseguía mantener la idea de continuidad con Fórmula V en Venezuela y otros países. Quizá esto anima a su discográfica a publicar un LP: [disco slug="bien-bien-bien"]“Bien, Bien, Bien” (Philips, 1977)[/disco]. En España ya no harán nuevas publicaciones, aunque se editó junto al mencionado LP, un disco promocional con el tema. “Rosita, Juanita, Conchita y Adelita”. Poco más hemos podido indagar sobre este dúo, que tuvo más de manipulación comercial de Philips que de originalidad y vocación. En el transcurso de 1978 parece que cesa su actividad musical con la única aportación en su haber de estirar el chicle del éxito comercial de Fórmula V hasta donde fue posible, que no fue mucho. Agradecemos al coleccionista Óscar, que haya recopilado, ripeado y compartida la huidiza discografía de este dúo, absolutamente anulado por la de su grupo de procedencia.

A muchos sorprenderá la evolución musical seguida por quienes militando en proyectos como [grupo slug="novak"]Novak[/grupo] o [grupo slug="rip-kc"]RIP KC[/grupo], terminan subyugados bajo el sonido del baglama saz eléctrico y convertidos en exploradores insaciables por el folklore de las geografías más dispares en busca de sonidos de raíz étnicos. Lo que para algunos podría haber pasado por un entretenimiento fugaz, en cambio para sus protagonistas se convirtió en un proyecto estable y duradero. La primera aproximación a lo que luego terminaría siendo Mohama Saz llega con el diseño y encargo, tras un viaje por Turquía, de un baglama saz por parte de Javier Alonso en julio de 2014: “Para experimentar con él, sin ninguna pretensión de nada. Me lo llevé al local un día y empezamos a improvisar”, cuenta él mismo. Por su parte, Adrián Ceballos y José Genosa, compañeros suyos en Novak y [grupo slug="quebrantos"]Quebrantos[/grupo] se encargaron de batería y bajo, respectivamente. Tendrían ocasión bien pronto de tocar en directo porque Lolo, con el que compartían el local de ensayo del Rock Palace de Madrid, se quedó entusiasmado con el sonido que lograban sacar con él, así que les propuso actuar en la fiesta que estaba preparando en dicha sala para celebrar su cumpleaños. Hacía apenas una semana desde que el instrumento les había llegado de Turquía y, aunque no tenían muy claro si estaban en realidad preparados para debutar, decidieron lanzarse: “El día del concierto nos pusimos unas chilabas para desviar la atención y tal y la peña inicialmente se quedó como bloqueada, pero luego para nuestra sorpresa comenzó el bailoteo desenfrenado. Había mucha gente algo perjudicada ese día, hecho que facilitó la operación. Fue un éxito”, recuerda Javier. Hasta tal punto que Alex Nooirax, presente aquel día en el Rock Palace, les invita de inmediato a tocar como teloneros en un concierto que está montando en la sala Wurlitzer para un grupo noruego que iba a visitar Madrid un par de meses después. El nombre que dan al grupo tiene su origen en una broma entre Adrián y Javier. Estando ese mes de agosto en Cádiz, y a pesar de no tener aún claro si la cosa iba a tener continuidad, se ven en la obligación de bautizar de alguna manera al proyecto que acaban de poner en marcha en vista de los conciertos que les van saliendo: “Como el apellido ‘saz’ define la familia de instrumentos de cuerda en Turquía (baglama saz, divan saz, kopuz saz…) y yo no tenía ni perra idea de tocar el baglama, se nos ocurrió lo de Mohama Saz, quitando la ‘j’ de mojama para darle una apariencia más arábiga. Supongo que el estar en Cádiz también influyó. Fue una coña que al final nos va a acompañar para los restos. Ahora hasta nos gusta”, relata el último. Con la incorporación un par de meses después de Arturo Pueyo, con experiencia en la escena del jazz, que tocaba clarinete y saxo, el proyecto comienza a tomar forma estable. Con él ya en sus filas Mohama Saz entra a grabar el que sería su primer disco. Para ello acuden en octubre de 2014 a los Influx Studios, el estudio que crearon junto a Miguel Lorenzo en 2008 en Palomares de Béjar (Salamanca). [disco slug="more-iran"]“More Irán” (Influx, 2015)[/disco] estaba compuesto por seis temas propios del grupo (uno de ellos, “Condomina”, inspirado en el tema “Hey” del grupo turco Baba Zula), más una versión de [grupo slug="triana"]Triana[/grupo], “Recuerdos de una noche”. El 12” daba muestras evidentes de las influencias étnicas en la música de Mohama Saz, que combinaba esas incursiones en la música de raíz, con momentos planeadores y con maneras de kraut-rock. Grabado de forma algo precipitada, teniendo en cuenta que el grupo no llevaba funcionando ni medio año, lo cierto es que su elaboración respondía, tal y como confesaban a Frecuencia Urbana, a un objetivo claro: “Queríamos capturar el momento de frescura que teníamos por aquel entonces”. No ha de extrañar entonces que dijeran: “Casi todas las canciones se terminaron en las jornadas de grabación; gran parte del disco es improvisado”. El disco de debut saldría editado con el sello asociado a los estudios, que también se había encargado años atrás de trabajos de [grupo slug="motociclon"]Motociclón[/grupo], RIP KC o [grupo slug="terrestre"]Terrestre[/grupo]. Al poco de terminar la grabación, en noviembre de 2014, José deja el grupo entrando en su sustitución Germán Fernández ([grupo slug="piolines"]Piolines[/grupo]) para encargarse del bajo, pero sólo permanecería con los Mohama Saz unos cinco meses. El repuesto llegaría con Sergio Ceballos, hermano de Adrián y compañero suyo en [grupo slug="melange"]Melange[/grupo], que también había militado en RIP KC, y se convierte en el bajista definitivo. Cimentado con firmeza el que parece el sonido definitivo de la banda cabe preguntarse si la gestación del proyecto tenía un objetivo claro desde el comienzo: “Yo creo que la gestación de una banda como Mohama Saz no puede ser premeditada, al menos en nuestro caso no lo fue” responde Javier. “A partir de experimentar con nuevos instrumentos de otra parte del mundo comienzas a tirar de un hilo de recursos melódicos y rítmicos que incorporas a lo que ya hacíamos, que básicamente es rock. Vamos que no decidimos nada, sucedió y ya está” concluye. En una línea similar se pronunciaba Adrián: “(…) Nos lanzamos con Mohama Saz sin apenas referencias porque empezamos más atraídos por los instrumentos, no por la tradición o el conocimiento previo”. El grupo comienza a tocar con asiduidad, participando, por ejemplo, en el Festival 100% Psych celebrado en la sala El Sol de Madrid, donde tocaría junto a los chilenos Föllakzoid) en mayo de 2016. Al mes siguiente se desplazan hasta Úbeda (Jaen) donde tocan en el Festival AC Corriente Alterna (Úbeda). En julio van a Zaragoza para actuar en el Slap! Festival junto a [grupo slug="guadalupe-plata"]Guadalupe Plata[/grupo] o The J’Bs. En noviembre se estrenan internacionalmente, tocando en Le Guess Who de Utrech (Holanda). Para preparar su segunda entrega, [disco slug="negro-es-el-poder"]“Negro es el Poder” (Humo, 2017)[/disco] vuelven a acudir a Influx. “Es muy cómodo grabar en el campo, sin horarios ni presiones”, explicaban en entrevista a Mondo Sonoro. “Es muy inspirador. Podemos grabar en directo y hay libertad para probar cualquier tipo de paranoia. Si quieres grabar un clarinete haciendo un fade in, sólo tienes que tocar caminando desde el río hasta la pecera del estudio”. Del trabajo en el estudio recalcaban también la diferencia con respecto al disco anterior, grabado “apresuradamente cuando apenas llevábamos 3 ó 4 meses con el grupo”. Además de flauta (Darío Santamaría) y trombón (Roberto Lorenzo), introducirán santur (Alex Pewlo) y bouzuki (del que se encarga el propio Sergio). Estos últimos instrumentos, propios de músicas orientales (persa y griega, repectivamente), se unían a la inspiración encontrada en el folclore serbio para componer un tema como “Ajde jano” (el que cerraba precisamente el disco), los aires flamencos de “El Sultán del pozo” (el tema con el que, sin embargo, lo abrían) o la música turca, para lo que contaron con la participación de Sara Islan para voces y coros en esa lengua y la referencia de Ersen Kozan Daği para el riff de “Viyan”. Y es que el grupo ha manifestado de siempre una deuda clara con el denominado Anatolian o Anadolu rock: “La ola de rock turco que se dio a finales de los 60 coincidiendo con la época hippie y la explosión de la música popular (…) Eso que suena a música oriental y a la vez a rock duro, y a funk, y a psicodelia”. Todo ello no hacía sino responder a la pasión febril de la banda por explorar otros ritmos y armonías que no sean los habituales del universo del rock. Como contaban en entrevista con Mondo Sonoro: “Poder jugar con compases más propios del folclore y experimentar con sonidos orientales, pero haciendo estructura de canción más o menos convencional (…) Suponemos que ésa es la fórmula, no es complicar las canciones porque sí, es simplemente utilizar más la influencia oriental que la occidental. Y también las raíces españolas y mediterráneas, que están ahí y que en Mohama Saz salen de manera natural, sin complejos, algo que no es tan fácil de soltar en una banda de rock con carácter anglosajón”, continuaba Adrián. Para Ruta 66 Javier insistía en dicho aspecto, indicando cómo funcionaba el procedimiento de exploración de la banda en busca de sonidos diferentes: “Empiezas a escuchar sonidos de una parte del mundo y vas viajando con la música igual que si viajaras en coche traspasando fronteras. Un sitio te lleva a otro. Y en todos los sitios hay cosas fascinantes con las que puedes encontrar conexiones con lo que tú haces. Lo raro es que no haya más interés por sonidos de otros lugares. La influencia anglosajona es tan apabullante en la música que ha tapado y se esfuerza por ocultar todo lo demás. Nosotros ya nos hemos quitado prejuicios; no es que busquemos, es que escuchamos y prestamos atención a todo lo que nos encontramos”. Con todo, sí que les gusta recalcar que lo suyo no es precisamente la fusión: “No somos muy amigos del concepto de fusión” explicaban para Distrito Jazz. El suyo era más bien, “un sonido propio que no es fruto de mezclar estilos definidos”, añadían. Además de mencionar la utilización de instrumentos provenientes de otras culturas indicaban que “las estructuras de las canciones son cercanas al pop. Luego quizá por la utilización de efectos podemos acercarnos al rock psicodélico o al jazz por los desarrollos instrumentales de improvisación”. La nueva entrega fue masterizada por [grupo slug="jorge-explosion"]Jorge Explosión[/grupo] en sus Circo Perroti, y no tuvo la autedición del disco de debut, sino que corrió a cargo del sello asturiano Humo. La propuesta de Pablo, responsable del mismo, llegó en el momento justo, cuando estaban a punto de grabar el primer disco. El grupo dejó claro lo mucho que apreciaba el eclecticismo del catálogo de Humo: “Aun siendo muy diferentes y extremos todos los grupos de Humo tienen en común el riesgo. Son bandas que si no existiera un sello como Humo sería muy difícil que fueran editadas. Es alucinante cuando hay un festival de Humo y flota en el ambiente esa especie de conexión entre grupos que a priori no tienen nada que ver. Pablo es un valiente y tiene un ojo privilegiado para detectar ese hilo conductor en los grupos que ficha, y que siendo tan diferentes dan una personalidad única a su sello”, nos contaban tras la edición de uno de esos conciertos celebrados en la sala El Sol de Madrid, que les emparejó con [grupo slug="la-urss"]La URSS[/grupo] en abril de 2018. Fue precisamente en esa sala en la que se presentó “Negro es el Poder” en marzo de 2017 junto a Guerrera. Algo después, el 8 de junio, con motivo del Sound Isidro, tocaron en la sala Joy Slava junto a King Gizzard and Lizard Wizard. El resto del 2017 estuvo plagado de participaciones en festivales: el Quintanilha Rock en Portugal en julio, el Territorio Lunar en León en septiembre, el Villamanuela de Madrid y la Monkey Week de Sevilla en octubre. El verano de 2018 el grupo lo ocupa con las actuaciones en el Monkey Weekend en junio, el A Porta Leiria en Portugal en julio, el Noroeste A Coruña el 9 de agosto, y Santiago de Compostela y el GetMad en Madrid en septiembre. Ya en octubre la banda sale de gira por Italia donde dan cinco conciertos: Turín, Bergamo, Faenza, Savonna y  Milan. Entre medias, durante el mes de julio se procede a la grabación de un nuevo disco, para lo que siguen una secuencia muy similar a la seguida en trabajos anteriores: “Un directo en un fin de semana en Béjar. Luego otro para arreglos, reamplificaciones, voces y demás”. Lo que quizás sí que varió a la hora de elaborar [disco slug="viva-el-rey"]“Viva el rey” (Humo, 2018)[/disco] fue la eficiencia que demostraron en el momento previo y posterior a la grabación: “Pablo de Humo nos dijo que si queríamos sacar disco, que fuera en octubre o noviembre. Eso lo supimos en mayo. Así que terminamos todas las canciones del disco en junio, grabamos y mezclamos en julio, master y diseño en agosto y a fábrica”. La masterización, eso sí, no se realizó esta vez en Circo Perroti (“Nos retrasamos algo con las mezclas y ante la indefinición de tiempos no terminamos de concretar con Jorge”), sino que la realizó Carlos Díaz en Santa María de la Vega (Granada). Esos problemas de tiempo son los que impidieron que el grupo se viera rodeado de amigos y colaboradores esta vez durante la grabación. A diferencia de en ocasiones anteriores “Viva el rey” se elaboró en la más estricta intimidad sin contribución externa alguna. La composición de los temas se realizó a partir de unas ideas previas preparadas por Sergio y Javier el verano anterior: “Hicimos unas primeras estructuras y ocho o nueve canciones, de las que cuatro o así entraron en el disco. Luego entre todos en los ensayos fuimos añadiendo elementos y explorando nuevas ideas que llegaron a ser nuevas canciones. El proceso suele ser ese, una idea melódica o un ritmo que nos haga ‘viajar’ y luego, limpiar, concretar y estructurar y que la coherencia y la lógica que resuelva la canción permita que dure el viaje y lo potencie”. En su nueva entrega, los madrileños continuaban su exploración por universos recónditos para el oyente occidental, ya que incluían una canción tradicional armenia (“Erzeroumi shoror”), a la vez que recreaban en “Altiplano” tonadas tradicionales del cancionero boliviano. De igual manera, junto a estas especias de folk étnico, daban muestras de su querencia tanto por la psicodelia como el free jazz. El proceso de gestación de alguno de estos cortes da muestra de la amplitud de miras del proyecto: "Nos hemos quitado todos los prejuicios, no es que busquemos, es que escuchamos y prestamos atención a todo lo que nos encontramos. Nos dio por escuchar música andina  y vimos que podíamos versionar dos tonadas de Bolivia en una sola canción siendo Mohama Saz. Así que cambiamos sensiblemente el ritmo haciéndolo más marcado, a lo música gnawa norteafricana, onda Tinariwen. Luego le dimos un barniz de arreglos de viento en forma de canon a lo Moondog  y por último nos atrevimos a cantar la letra de la canción pero sin pretender hacerlo en plan andino. Así hicimos 'Altiplano'". El grupo marchó al Festival MENT en Ljubiana (Eslovenia) el 1 febrero de 2019, dejando para unos días después, el 15 de ese mismo mes, la presentación del nuevo disco en Madrid junto a [grupo slug="cabezafuego"]Cabezafuego[/grupo]. La banda tiene en su directo una de sus bazas principales: "Pese a ser una propuesta poco convencional resulta muy accesible en directo, conecta rápidamente con el público por ser una música muy orgánica y próxima. Quizá sea la influencia del folclore o la fuerte presencia rítmica". Sea cual sea la razón última, el caso es que reconocen poder encajar en un amplio espectro de posibles festivales diferentes. Además, a tenor de lo que explican, el paso por el estudio fue especialmente prolífico: "Para 'Viva el rey' se quedaron fuera canciones que necesitaban más elaboración. Hasta nos planteamos sacar un disco doble, pero no era viable por tiempo. Así que material tenemos, vamos a ver qué pasa y hacia dónde nos lleva el viaje, seguiremos buscando, eso seguro". Quedamos pues a la espera del resultado de ese nuevo viaje de Mohama Saz.