Con la cantidad de grupos en los que habían tocado ya sus componentes, algo diferente buscarían al montar una banda como ASSAC!: “Queríamos hacer un hardcore que aquí no se practicaba mucho, rollo Boston, contundente, rudo y rápido y con letras en catalán”, nos aclara Xavi, su batería. Comenta que sus proyectos anteriores eran más punk-hardcore, “en un rollo californiano, tipo Ignite”. Él había coincidido en [grupo slug="24-ideas"]24 Ideas[/grupo] con Jaume (guitarra), que conocía desde mucho antes a Sergi (bajo) y Robert (voz) de haber tocado en [grupo slug="som-hi-noise"]Söm Hi Nöise[/grupo]. Cuando se plantean lo de escoger un nombre para el nuevo proyecto no terminan de quedarse con uno en concreto, pero de todos los que se barajaron “ASSAC! fue el que más se acercaba a lo que hacíamos”. El grupo de Barcelona empezó a funcionar a finales de 2011, pero a los pocos meses, en concreto el 20 de enero de 2012 ya debutaban en la sala Estraperlo junto a los vascos [grupo slug="eratzun"]Eratzun[/grupo], los barceloneses [grupo slug="reves"]Revés[/grupo] y los estadounidenses Scream. Apenas tocaron un cuarto de hora porque por entonces apenas tenían repertorio, pero no importó mucho ya que al día siguiente participaban en el festival de hardcore Can’t Keep Us Down, a cuyo cartel lograron incorporarse en el último momento. Antes incluso de estas primeras actuaciones, en diciembre de 2011, entraron en el local del grupo [grupo slug="collapse"]Col.lapse[/grupo] para grabar una maqueta. Los 11 temas resultantes verían la luz en forma de cassette y CD un poco después como [disco slug="demo-cd"]“Demo CD” (Tupatutupa, 2012)[/disco] por mediación de los sellos Tupa Tutupa y Black Sheep, este último gestionado por Xavi y Jaume. La demo con hardcore acelerado y contundente como principales argumentos, contenía alguno de los temas que luego formarían parte de lo más destacado de su repertorio, como “S’ha acabat el bròquil” o “Has begut oli. Oli wan kenobi”. Al respecto de la composición de este último tema, nos comentan que en muchas ocasiones la banda trabajaba a partir de una frase concreta, ya podía ser un dicho en catalán o algo que habían escuchado en árabe o italiano, alrededor de la cual se construía el resto de la letra, añadiéndole coletillas o conformando finalmente una pequeña historia. Es principalmente Robert el que se encarga de ellas, inspirándose “en paranoias personales”, cosas que le pasan o que ve en la escena punk. Para la música: “Uno hacía un riff y los demás le seguíamos e instantáneamente salía un tema. Se arregla un poco y fiesta. La verdad es que nos salían como churros”. Preguntados por las que pudieran ser principales influencias en la música de ASSAC!, nos responden con una lista casi interminable de referencias con un denominador común en la intensidad y dureza de la pegada: “Nos influye todo lo relacionado con la tralla… punk, hardcore, trash, grind, death… Slapshot, Jerry’s Kids, Gang Green, Circle Jerks, Indigesti, Negative Approach, Negative FX, [grupo slug="anti-dogmatikss"]Antidogmatikss[/grupo], [grupo slug="lodi-social"]L’Odi Social[/grupo], Cromags, Agnostic Front, [grupo slug="hhh"]H.H.H.[/grupo], Larm…”. En enero de 2013 vuelven a tocar en el festival Can’t Keep Us Down, lugar de encuentro de las propuestas más destacadas del hardcore internacional. Esta vez lo harían de pleno derecho, viendo su nombre estampado en los carteles que anunciaban su actuación para el sábado 12 de enero junto a los holandeses ManLiftingBanner, los ingleses Survival y varias bandas locales catalanas. Tardarían poco en volver a grabar ya que entre mayo y junio de 2012 vuelven a entrar en el local de Col.apse para dejar registrados los temas nuevos que traen bajo el brazo. El resultado de aquella sesión se pudo escuchar en [disco slug="la-quitxalla-dira-la-seva"]“La Quitxalla Dirà la Seva” (Black Sheep / El Forat, 2013)[/disco], trabajo editado desde casa, ya que El Forat era el sello, tienda y distribuidora que había puesto en marcha Xavi. El disco se presentaría en el centro cívico Garcilaso junto a [grupo slug="zombi-pujol"]Zombi Pujol[/grupo] el 15 de febrero de 2013 y a los pocos días en la sala Skorpions junto a [grupo slug="b12"]B12[/grupo]. La banda aprovecharía también para dejar grabadas nuevas versiones de las canciones que componían la maqueta del año anterior. Un seguidor de la banda, responsable de Trashtocat Records, les había animado a hacerlo con la promesa en firme de que él se encargaría de editarlos. Fue así que sale a la calle el mismo año [disco slug="sha-acabat-el-broquil"]“S’Ha Acabat el Bròquil” (Trashtocat, 2013)[/disco] con una revisión de la primera grabación de ASSAC! A pesar de todo, los dos discos se moverían bien, confirmando así que los seguidores de la banda no experimentaron saturación alguna con el material editado. Antes de que los discos vieran la luz, ASSAC! tocaría con Hard Ons en la sala Estraperlo el 12 de octubre de 2012. Repetirían la experiencia de actuar con un grupo de renombre extranjero, compartiendo cartel con Negative Approach el 24 de junio de 2013. A los pocos meses tocarían en Euskadi, en concreto en el gaztetxe de Bilbao Izarbeltz en noviembre de 2013. A pesar de la concatenación de edición de material de la banda en muy poco tiempo, ASSAC! decide recopilar en 2014 los dos vinilos que tenían en la calle más versiones y contribuciones a diferentes recopilatorios. Es así que preparan el CD [disco slug="gallina-vella-fa-bon-caldo"]"Gallina Vella Fa Bon Caldo" (El Forat, 2014)[/disco] con más de medio centenar de canciones. El verano de 2014, en julio más concretamente, grabaron en el local de ensayo de la banda instalado en el piso de arriba de la tienda de Jaume, una nueva remesa de temas. Mezclado en noviembre de ese mismo año, [disco slug="suicidi-social"]“Süicidi Social” (H-Records / ASSAC! / Fundación CYC / El Forat / Old Kids Brigade / Panicorecords / Turist i Tillvarom, 2015)[/disco], terminó siendo mandado a fábrica por el responsable de H-Records, que lo editó junto a seis distribuidoras nacionales y una sueca. El nuevo disco, con portada de Godzilla estallando de rabia y contra con el ínclito Jordi Pujol, incidía en la exploración habitual que gusta a la banda de vertientes diferentes dentro del punk, hardcore y trash. Incluyeron versión de un tema de Lärm y otro de [grupo slug="decibelios"]Decibelios[/grupo], en el que colabora el propio Fray, su cantante. En el seno de la banda sin embargo las diferencias internas entre Robert y el resto empiezan a no hacer viable la continuidad del proyecto. Deciden poner una fecha límite antes de parar y que les permita presentar en directo el nuevo trabajo, “más que nada por respeto a la gente que había puesto dinero en la edición del disco”. Determinan entonces que ese día será el 6 de noviembre de 2015, tocando en el Ateneu l’Harmonia de Barcelona con Zombi Pujol. A partir de entonces los planes a medio plazo situaban al cantante centrado en sus proyectos en paralelo mientras que el resto programaba la fidelidad a unas coordenadas musicales similares a las de ASSAC! con un nuevo componente a cargo del micro. Y es que para una banda que nunca se planteó cambios de formación, lo más coherente resultó empezar algo nuevo en el mismo momento en el que encararon semejante reestructuración. XClos es el nombre elegido para esa nueva etapa.

La musa del destape nació en Gijón en 1949 y residió en esa ciudad hasta que decidió trasladarse a Madrid para iniciar una carrera artística a principios de los años 70. Lo suyo era el cine, al menos en principio, pero debió conformarse con participar en espectáculos de café-teatro. Por fin, le llega la oportunidad de debutar en el cine con un papelito en “Las Tres Perfectas Casadas” (Benito Alazrai, 1973). Aparece brevemente en otras películas y en 1975 en la primera película con fugaz desnudo: “La Trastienda” (Jorge Grau, 1975), aunque el desnudo no era de Susana sino de [grupo slug="maria-jose-cantudo"]María José Cantudo[/grupo] y su famoso felpudo. Tan pronto muere el dictador, se produce una fiebre de desnudos teatrales y cinematográficos como muestra de liberalización. Susana Estrada fue una de las primeras en desnudarse por completo en un teatro madrileño en “Historias del Seap-Tease” estrenada en 1976. Varios meses en cartel la convirtieron en un icono sexual de la transición española. Aparece desnuda en numerosas revistas de época: Interviu, Lib, Climax, Solo Hombres, etc. En sus entrevistas deja claro que ella no se desnuda por exigencias del guión sino porque le da la gana y porque cree que la igualdad de la mujer debe comenzar por la desinhibición total y por la práctica sexual sin tabúes. En ese mismo 1976 dirigió un consultorio sexológico en la revista Play Lady. Sus opiniones resultaron tan escandalosas en aquella España postfranquista que fue juzgada por escándalo público y sancionada con una multa y  retirada de su pasaporte, inhabilitación para cargos públicos y pérdida de derecho a voto durante diez años. Susana Estrada salta al cine de destape y protagoniza en los siguientes años varias películas de risa y tetas como “El Jovencito Drácula” (Carlos Bempar, 1977) y “Pepito Piscinas” (Luis María Delgado, 1978) junto al cómico [grupo slug="fernando-esteso"]Fernando Esteso[/grupo]. El 14 de febrero de 1978 durante la entrega de los Premios Populares del diario Pueblo, Susana Estrada recogió un premio de manos de Tierno Galván. Aprovechó el momento para sacarse una teta en público, a lo que el futuro alcalde madrileño comento: “No vaya usted a enfriarse”. La foto da la vuelta a España y se convierte en una de las imágenes representativas de la transición política. Pocos meses después aparece el libro “Húmedo Sexo” (1978) escrito entre ella y Carlos de las Heras donde se narra con pelos y señales la vida sexual de la actriz. Antes de terminar el año aparece su primer single: [disco slug="ya-me-voy-de-tu-vida-estrada"]"Ya me Voy de tu Vida" (EMI Odeón, 1978)[/disco] con arreglos de Jesús Gluck y canciones y producción de Alejandro Jaén. Se trata de un intento de aprovechar la fama mediática de Susana para lanzar una carrera de cantante de música disco. También fue editado en algunos países sudamericanos. Susana Estrada pone sobre las tablas de cabarés madrileños, especialmente en Pirandello, su revista erótica “Machos” en 1979, que tendrá continuidad con “Machos 2” y la controvertida “Mi Chico Favorito” en el que su partenaire es un libidinoso y bien dotado robot. Es en ese punto culminante de su carrera cuando retoma su carrera discográfica con la publicación del single [disco slug="acariciame"]“Acaríciame” (Belter, 1980)[/disco] y un cassette destinado a la venta en gasolineras titulado genéricamente [disco slug="machos"]“Machos” (Belter, 1980)[/disco]. Su trabajo discográfico fundamental vendrá poco después y será [disco slug="amor-y-libertad"]“Amor y Libertad” (Belter, 1981)[/disco] editado en el subsello Sauce de la firma catalana Belter. Con arreglos de Josep Llolbel este LP nos muestra unas letras cargadas de insinuaciones eróticas e imágenes tórridas envueltas en un funky de mercadillo y agarrándose malamente a la estética musical de discoteca, que imperaba en ese momento. Casi todos los temas proceden de los montajes escénicos de Susana para cabarets. De él se extrae el sencillo: [disco slug="mi-chico-favorito-arena-y-mar"]“Mi Chico Favorito” (Belter, 1981)[/disco]. Su paso por el mercado es anecdótico, sumándose Susana a las famosas que tienen la ocurrencia de cantar como parte de una carrera artística centrada en otros ámbitos. La Estrada sigue siendo un personaje controvertido y en 1981 se asoma a televisión con un programa titulado “Mano a Mano” junto al sacerdote y escritos José Luis Martín Vigil cuyo propósito era la orientación sexual de los espectadores. Aquello fue la leche. Las críticas reaccionarias fueron tales que estuvo a punto de costarle el puesto al director de RTVE, Fernando Castedo. A finales de aquel 1981 Susana Estrada edita un porno cassette titulado [disco slug="historias-inconfesables-de-susana-estrada"]“Historias Inconfesables” (GMA, 1981)[/disco] que fue catalogado como S; es decir como pronografía blanda o softcore. Durante los 80 la carrera de Susana Estrada fue perdiendo fuelle, aunque siguió produciendo y protagonizando espectáculos y películas eróticas para consumo de video-clubes. El erotismo de brocha gorda ya no era algo escandaloso y, al igual que otras, su reciclaje resultaba casi imposible. Tras muchos años de retiro en una vida tranquila que reparte entre Madrid y Benidorm, Susana regresó para interpretarse a personajes similares a sí misma en dos películas relativamente recientes. “Los Años Desnudos” (Félix Sabroso y Dunia Ayuso, 2008) y “Carne Cruda” (Tirso Calero, 2011). Oficialmente retirada hace muchos años, de tanto en tanto se deja caer por algún programa televisivo siempre con imagen y opiniones controvertidas e irritantes para determinadas capas sociales. Fue adoptada por la Movida como una de los suyos. Buena prueba de ello es su inclusión en el CD de duetos que [grupo slug="paco-clavel"]Paco Clavel[/grupo] editó en 1994, donde Paco y Susana cantaban "La banana". Hoy es la representante genuina de los años del destape cinematográfico, aunque no fue ni la única ni la que más películas hizo. Musicalmente, no pasó de ser una anécdota propiciada por sus espectáculos y su fama mediática.

Ollo ó Can fueron unos rara avis dentro de la escena gallega. Un grupo políticamente incorrecto que pretendió agitar conciencias, hacer reír y provocar a partir de la sátira, el costumbrismo y conseguir ver la realidad con un prisma diferente. La banda nace en Porriño (Pontevedra) a principios del año 91. Darío Manuel González Moreira y su hermano Gabriel son los responsables de la criatura. Darío había co-fundado la formación de música tradicional gallega [grupo slug="na-lua"]Na Lúa[/grupo], destacando como compositor y arreglista. La guitarra era su arma. Su hermano Gabriel, había participado de forma activa de la escena de los 80 en Porriño, primero en la banda punk Supermiembro y luego en [grupo slug="callos-lourina"]Callos Louriña[/grupo]. Esta última fue una de las pocas formaciones de la escena rock que en los 80 emplearon el gallego. En su único mini-LP [disco slug="mi-chica-es-droga"]“Mi Chica es Droga” (EDIGAL, 1987)[/disco] nos encontramos con cortes en el idioma de Rosalía como “Camuflaxe” o "Amor galaico". Un trabajo editado por EDIGAL, sello gallego en el que grabaron desde [grupo slug="los-suaves"]Los Suaves[/grupo] y [grupo slug="los-limones"]Los Limones[/grupo] hasta [grupo slug="la-rosa"]La Rosa[/grupo] o [grupo slug="los-dramaticos"]Los Dramáticos[/grupo], pasando por infinidad de bandas que hoy cayeron en fue el más triste de los olvidos. El caso es que los dos hermanos contactan con Alfonso Pato. Su idea es que Alfonso sea el letrista del grupo. Alfonso trabajaba como periodista en el Xornal Diario. Cubría la sección de comarcas. Todo tipo de sucesos, festejos y curiosidades. Esa será la base de las letras del grupo. Alfonso se encarga de seleccionar las noticias más llamativas y Darío de estructurar las canciones. Su idea es realizar composiciones populares con un desarrollo similar a los cantares de ciego. Todas las letras son de Pato, excepto la homónima “Ollo ó can”, canción popular escuchada a Florencio –Florencio López Fernández, “O Cego dos Vilares”-. Florencio fue un violinista ciego de A Fonsagrada que murió en 1986. Se quedó ciego de niño a raíz de una viruela, y se ganó la vida cantando sus romances y coplas por las aldeas que lo llamaban. El músico de Porriño [grupo slug="pancho-alvarez"]Pancho Álvarez[/grupo] (Na Lúa, [grupo slug="carlos-nunez"]Carlos Núñez[/grupo]), le dedicaría su álbum [disco slug="florencio-o-cego-dos-vilares"]“Florencio, O Cego dos Vilares” (Fol, 1998)[/disco]. Ollo ó Can sólo nos dejan un disco, [disco slug="a-hostia-inverso"]“A Hostia Inverso” (EDIGAL, 1993)[/disco]. Diez composiciones grabadas en los estudios Sonyarte (Vigo) con Arturo Castro e Isidro González. Colaboran en la grabación Magoia Bodega (flauta en “Canción da cabra violada” y silbido en “A potente historia do neghrito Mohamed”), María Xosé López (coros en “Canción da cabra violada” y “A potente historia do neghrito Mohamed”), Xosé Manuel Fernández (pandereta en “Canción da cabra violada”) y Arturo de Castro (güira y chapeao en “Rillaconas”). Ollo ó Can se centran en reflejar la realidad del rural con un lenguaje directo y cercano. Emplean el gallego con gheada y tiran de costumbrismo e irreverencia. Nos encontramos con timos basados en la emigración –“O timo ‘del pariente’”-, con zoofilia extrema –“Canción da cabra violada”-, con vendedores de alfombras venidos de Senegal con una gran potencia sexual –“A potente historia do neghrito Mohamed”- y con curas pedófilos –“O cura pinante”-. Lo cierto es que su propuesta pasa desapercibida, convirtiéndose hoy en día su grabación en una rareza cada vez más difícil de encontrar. Formaciones como [grupo slug="rastreros"]Rastreros[/grupo] o [grupo slug="heredeiros-da-crus"]Heredeiros da Crus[/grupo] seguirían su estela con mayor éxito.

Thomas Dylan se define como un artista polifacético natural de Pazos de Borbén (Pontevedra), concretamente fotógrafo, videomaker y MC. Tras finalizar sus estudios de imagen y publicidad en el EISV y en la UVIGO, se embarca en varias productoras del audiovisual gallego. Trabajando actualmente como técnico de audivisuales para Quadra Producións y como freelance. Su vinculación al mundo de la música nace a través de la radio. Se inicia como locutor del programa de hip hop “02” en la Radio de Redondela para posteriormente unirse al grupo [grupo slug="nubes-de-pedra"]Nubes de Pedra[/grupo]. Proyecto de Thomas Dylan junto a Pablo Fdz que levanta el interés de la discográfica Língua Nativa. Thomas participa en su primera referencia con "Para sempre calar", la recopilación homónina “Língua Nativa” (Língua Nativa, 2014). En el recopilatorio también participan artistas de Portugal y Angola. Su primer trabajo llega en el 2015, [disco slug="chove"]“Chove” (Verso Libre / Língua Nativa, 2015)[/disco]. Se trata de “un álbum de hip hop nacido en 2014 que gira en torno al concepto audiovisual creado por Thomas Dylan –vocalista-, Frank aka “Genio en la Sombra” y 2Pas0s –productores–, Ichi –dejaay– y Javi H –fotógrafo–“. Un trabajo grabado en los estudios del colectivo vigués Verso Libre, en el que se incluyen diez canciones ilustradas con fotografías tomadas a lo largo del último año por Javi H. Además, el proyecto viene documentado con vídeos tocando en directo empleando sintetizadores, procesadores de efectos, platos, durmpads, etc. Se trata de un trabajo muy completo, editado en vinilo y CD. Muy completo porque el diseño es de auténtico lujo. Al 10” y al CD se une un fotolibro con el arte que acompaña a las melodías, además la portada es pintada a mano en cada uno de los ejemplares. En “Chove” Thomas Dylan entra en comunión con los estados que transmite la lluvia, desplegando emociones, sentimientos y frustraciones. Las bases profundamente ambientales. Armónicas, íntimas… y viscerales cuando es necesario. Las fotografías y las intervenciones artesanales en la portada, tienen como objetivo reforzar esa idea global de lluvia, que la humedad alcance a todos nuestros sentidos.

“Que dame la mandanga y déjame de tema / dame el chocolate que me ponga bien / dame de la negra que hace buen olor / que con la maría vaya colocón” ([grupo slug="el-fary"]El Fary[/grupo], “La Mandanga”)   Tomando como nombre una de las más célebres composiciones de El Fary, nace en Ferrol (A Coruña) La Mandanga, un dúo constituido por Poli y Javi Mandango que pretende agitar conciencias, divertir y escandalizar por partes iguales. Javi nos cuenta su historia. Sobre mí poco tengo que contar, paso sin pena ni gloria por varias bandas de la comarca de Ferrolterra hasta que un día, allá por 2011, mi hermano (bajista) me pide hacer una suplencia a la guitarra en su banda de rock para un festival que ya tenían contratado. Así es como conozco a Poli Mandango,  que era el cantante de dicha banda, [grupo slug="be-water-band"]Be Water Band[/grupo]. Al final lo que iba a ser una suplencia temporal acaba siendo una incorporación fija como segundo guitarrista y coros de la banda, por lo que acabo cantando y ensayando largas horas con él. La primera vez que canto en mi vida y Poli "ejerció" de profe. Al final el roce hizo el cariño y terminamos montando una especie de spinoff acústico-cómico de Be Water Band, la cual fue poco a poco cogiendo forma conforme íbamos conociendo a los personajes que habíamos creado. Al final logramos sobrevivir a la banda en la que nos conocimos y separamos totalmente la propuesta del rocanrol de barrio que hacíamos en Be Water. De Poli decir que lleva más de media vida cantando en multitud de propuestas, y que su ligazón a la música no termina ahí. Fue el propietario de la sala y asociación cultural “Santa Compaña” que puso a Ferrol en el mapa de salas de conciertos durante los años 90, acogiendo a todo tipo de artistas tanto de la escena local como nacional e internacional. Después de unos años viviendo fuera de España decide volver y dedicarse a cantar otra vez allá donde le dejan. Sólo hacemos versiones de artistas que usen o hayan usado las drogas a lo largo de su carrera (tanto los que lo admiten como aquellos de los que nos lo imaginamos), no podemos hacer mandanga si los artistas no disfrutaron de la mandanga previamente. Empezamos haciendo versiones por tanto de [grupo slug="coque-malla"]Coque Malla[/grupo], [grupo slug="orquesta-mondragon"]Orquesta Mondragón[/grupo], [grupo slug="toreros-muertos"]Toreros Muertos[/grupo], etc. (sin pagar derechos de autor) arreglándolas para que tuvieran un perfil cómico a explotar. Hasta que nos creemos lo de que hacemos gracia y comenzamos la andadura hacia el delirio surrealista, intentando dar una puesta en escena cada vez más clownesca y exagerada, en la que acabamos pegándonos el uno al otro, o increpando a parte del público para hacerlo partícipe del espectáculo. Nos encanta la interacción con la gente, sobre todo en locales pequeños, donde no se pueden escapar. Después de esta primera etapa de acousticomic cover duo, en el verano de 2013 nos decidimos a hacer nuestros propios temas, tanto versiones con letra modificada como temas 100% propios. Así nacen canciones como “Me cago en el copyright”, “Covirán o Mercadona”, “Gata Flora” o “El vals de la bolsa” que enriquecen el show y son recibidas con calor genital por parte de nuestros fans. Y son estas canciones las que nos animan a meternos en el estudio y publicar un disco, cosa que jamás habíamos pensado, pero coño, si [grupo slug="melendi"]Melendi[/grupo] puede... Así nace [disco slug="la-mandanga"]“La Mandanga” (LSD, 2015)[/disco]. Para ponerle título realizamos una encuesta online con una lista de 100 nombres candidatos a ser título del disco. Cuando se vendan las 100 copias veremos cuál es el elegido ganador... aunque claro, luego le pondremos el que nos salga de los huevos. Faltaría más. Lo de publicar un disco lo entendemos como la broma definitiva, ya que siempre rajamos ampliamente en los directos de todos esos artistas de baja estofa que lanzan un disco para vendérselo a sus padres y cuñados y luego fardar en redes sociales de haber vendido muchas copias estafando a sus allegados. Así que para elevar este acto a la categoría de broma física, decidimos hacer el disco. Y para que el disco tenga menos sentido todavía decidimos incluir versiones, es decir trabajo ajeno. Una del amigo y fuente eterna de inspiración [grupo slug="o-bo-de-vil"]O Bo de Vil[/grupo], y otras dos de gente que admiramos pero que no conocíamos personalmente. Gracias a la web 2.0 conseguimos contactar con Juan Abarca y Javi Álvarez de [grupo slug="engendro"]Engendro[/grupo] y con Carlos Areces y Aníbal Gómez de [grupo slug="ojete-calor"]Ojete Calor[/grupo] para pedirles permiso para grabar “Llorones mix” y “Cero sesenta” respectivamente, cosa que nos llena de orgullo y satisfacción cuasiborbónica. Ellos no ponen ningún impedimento, todo lo contrario, incluso se manifiestan agradecidos por la consulta y porque alguien se acuerde de sus trabajos. Hasta llegan a decir que el disco está muy currado y es muy gracioso. Sobre el disco decir que pretendíamos hacer un continente que superase del todo al contenido como metáfora de la idea que defendemos de que un disco lo puede hacer cualquiera, con lo que el concepto álbum se ha ido devaluando hasta el punto de no valer absolutamente nada. Eso sumado a la explosión de la venta por internet, el mp3 y la piratería hace que hoy día el “disco” sea un objeto tremendamente depreciado, sólo apreciable por una porción muy pequeña de la gente. Y para que acabara de perder valor definitivamente sólo faltaba una cosa, que La Mandanga tuviera uno también. La caja y el libreto están hechos y diseñados de cero por nosotros a mano y pretende ser también una aventura complicada para quien lo posea. Desde retirar el lacre, desanudarlo, abrir el libreto y no saber volver a cerrarlo igual, el hecho de que no tenga un frente y una trasera definidos, una experiencia desconcertante; inspirados en el humor de vuelta a lo Andy Kaufmann el disco constituye un chiste diseñado para reírnos nosotros al imaginarnos a la gente dándole vueltas. Digamos que nos hemos regalado ese gag para nosotros. La grabación fue muy orgánica y lo más directa posible, procuramos grabar las mínimas pistas posibles con las mínimas repeticiones, conservando parte del sonido ambiente para que se pareciese lo máximo posible a un directo nuestro, que es donde realmente nos sentimos cómodos. El disco tiene una edición sin cortes de “Me cago en el copyright” con unos minutos extra de diálogo mandango que sólo podrán disfrutar los 100 afortunados poseedores de la única tirada del disco. En el bandcamp está subida la edición corta. Lo de hacer sólo 100 copias también tiene su porqué. Como todos sabemos la cantidad de discos a vender para tener disco de oro ha ido disminuyendo a lo largo de los años adaptándolo a la caída de ventas, pues bien, aprovechando que es una convención pura y dura nosotros decidimos establecer la nuestra, y para nosotros el disco de oro vale 100 copias, y al carajo. Así nos aseguramos que lo petamos en ventas. En el verano de 2014 Poli Mandango sufre un achaque serio de salud que le mantiene hasta la actualidad alejado de los escenarios, pero a día de hoy sigue amenazando con volver algún día. Mientras tanto soy yo, Javi Mandango, el responsable de mantener la imagen corporativa incólume, incluso creciente, haciéndome cargo en solitario de los shows desde entonces hasta ahora. Entre los hitos destacables, la grabación de un capítulo de un programa para la telegaita (Máis Retranca) presentado por Tonhito de Poi ([grupo slug="heredeiros-da-crus"]Heredeiros da Crus[/grupo]) en el que humoristas amateurs galaicos demostraban su potencial, lo curioso no fue conseguir grabarlo, lo curioso es que lo emitieron. También colaboramos con asociaciones de la comarca en las que creemos, como el Ateneo Ferrolán o la Asociación Arraigo (para gente en riesgo de exclusión social de la comarca de Ferrolterra). Precisamente y celebrando el segundo aniversario de dicha Asociación en el Cantón de Molíns se consiguió lo que a mi juicio constituye el más grande hito en nuestra breve carrera: Maldecir personal y públicamente a la por entonces concejala de asuntos sociales pepera del ayuntamiento de Ferrol, sacándole los colores y haciendo palidecer a toda una plaza abarrotada de gente, levantando incluso un tímido aplauso de los más osados, lo que provocó la espantada apresurada de dicha concejal. Acción humorística con mayúsculas al estilo de nuestro admiradísimo Leo Bassi. A pesar de que no todo el mundo lo comprendió, los que me conocen saben que no podía dejar pasar la oportunidad.

Musel es el nuevo proyecto de Óscar Vilariño ([grupo slug="a-veces-ciclon"]A Veces Ciclón[/grupo], [grupo slug="mullet"]Mullet[/grupo], [grupo slug="triangulo-de-amor-bizarro"]Triángulo de Amor Bizarro[/grupo]). Acompañado por Eva M. e Iván Juniper ([grupo slug="linda-guilala"]Linda Guilala[/grupo]) y Carlos Méndez ([grupo slug="los-duques-de-monterrey"]Los Duques de Monterrey[/grupo]) pone en marcha una propuesta que mira a los 90 fijamente a los ojos. Nos encontramos con canciones de enfoque atmosférico y ecos shoegaze y slowcore, con voces cercanas al susurro y mucha melancolía. Psicodelia de baja fidelidad que va directa al corazón. Todo ello nos remite irremediablemente a Galaxie 500, pero también a Codeine, a The Pale Saints, a Cranes, a Sarah Records, al dream pop para días brumosos… Musel consiguen que cerremos los ojos para alcanzar el fondo de nuestra alma. La idea de formar Musel surge en 2011 cuando Óscar Vilariño y Olalla Caamaño (Mullet) hablan de la posibilidad de formar un grupo en el que tocar sencillas canciones pop. Con Low y Yo la Tengo no demasiado lejos, y la incorporación de Omar Feijóo (batería), Musel comienzan a desarrollar ritmos shoegaze con Galicia en mente. Shoegaze salpicado de sol, mar, lluvia y verde. En 2013 participan en el cuaderno infantil de actividades “Bababum: Vacacións” (Crispis, 2013). Incluyendo “Malditas fanecas” en el CD que lo acompañaba. Un tema grabado con Lucía Aldao (letra y voz), Omar Feijóo (batería) y Olalla Caamaño (bajo y teclado). En el disco nos encontramos con bandas como [grupo slug="wild-balbina"]Wild Balbina[/grupo], [grupo slug="alex-casanova"]Alex Casanova[/grupo] o [grupo slug="grampoder"]Grampoder[/grupo]. Ese mismo año participan en la celebración del Record Store Day que organiza el colectivo Desconcierto Cultural e incluyen “Árbores” en el vinilo 10” conmemorativo: “Record Store Day Galicia 2013” (Desconcierto Cultural, 2013). En octubre de 2015 llega su primera referencia: [disco slug="rabuna"]“Rabuña” (Acuarela, 2015)[/disco]. Un EP editado en vinilo 10” grabado por Eva M. e Iván Juniper en el otoño de 2014 en Kaiju Estudio (Vigo). Rubén Domínguez y Mar Catarina (PRENOM) se encargan de realizar el videoclip de "Raiolo", grabado entre Galicia, Alentejo (Portugal) y Brasil.

Nacidos con vocación de provocar, movidos por “pura rabia lumpen”, orgullosos con todas las consecuencias de un estilo de vida que se autojustifica en el “nos odian pero nos da igual, hasta nos gusta” y fanáticos de un género musical que trataba de devolver el punk a sus orígenes, al lugar del que había surgido, la calle, Suburban Rebels son sin lugar a dudas uno de los mejores exponentes del Oi! de la escena peninsular. Hicieron del asfalto de la calle y la barra del bar su hábitat natural, cantaban de peleas, de su origen obrero y de su odio a los políticos, adoptando de manera inmejorable los modos de los grupos ingleses. A lo largo de su trayectoria tuvieron ocasión de tocar con la mayoría de las bandas de punk y Oi! internacionales que habían admirado desde siempre, y aunque les tocó sufrir algún que otro daño colateral de la eterna espiral que envuelve y engulle a un género tan extremo, les sobran buenos momentos como para que el balance global resulte sobradamente positivo. Israel Prieto, Irra, cantante del grupo, afirma que en el fondo, el origen de Suburban Rebels hay que buscarlo principalmente en el aburrimiento de las tardes dominicales, “sobre todo si no había fútbol”. Informado a finales de 1993 de que su amigo Alex Mod está empezando a tocar con un grupo, se presenta una tarde en el local del barrio de Gràcia donde ensayan. Pronto se percata de que la pasión que muestran por el ska de la Two Tone va de la mano con una manifiesta incapacidad para tocar bien sus instrumentos: “Así que para el siguiente ensayo le digo a Ferrán –Kabra-, amigo mío del mismo barrio, que me acompañe. Él tenía nociones de solfeo y tocaba la guitarra”. De hecho compagina dicho instrumento con las labores de cantante en un grupo de rock con influencias punk y hardcore llamado The Jodes. Con Víctor a la batería, Jordi Puig al bajo, Álex y Kabra a las guitarras, Ebody a los teclados e Irra al cargo de las voces se ponen manos a la obra. Deciden llamarse, de manera provisional, Mr Harrigton, a partir de las chaquetas que suele llevar la mayoría de ellos, y se dedican a tocar punk, ska y oi! “Pero la cosa no fue a mucho más”, cuenta Irra, ya que la formación sufre al poco tiempo cambios: Por un lado requieren de un relevo en la batería (“Víctor no era precisamente un as con las baquetas”), por lo que se hacen con los servicios de Raúl como batería (que por entonces empezaba también a tocar en [grupo slug="pilseners"]Pilseners[/grupo]), pasando Víctor a ser segundo cantante. Además en cuestión de semanas de separación entre una y otra, se producen las salidas de Ebody (por decisión del grupo) y la de Jordi (“Ésta por decisión propia. Quizás era demasiado buen chaval para aguantar a los demás miembros del grupo”), al que sustituirá Lluis Bartra (Cosa Nostra). La reestructuración lleva aparejada un cambio en el rumbo musical del grupo, ya que, adoptando el nombre de Suburban Rebels, inspirados en el tema del mismo nombre de los ingleses The Business, se decantan abierta y decididamente por el sonido de la música oi! El ritmo de ensayos se ve interrumpido por la marcha de Irra para cumplir el servicio militar en 1994, pero aún así, debutarían en febrero de 1995 aprovechando un permiso del cantante. “Tocamos a las tantas de la madrugada y nuestro estado etílico era considerable. Pese a todo la gente se lo pasó de puta madre”. Tras el concierto Lluis y Víctor dejan el grupo, incorporándose Jordi, “un black skinhead” del barrio de La Barceloneta, pero como sus capacidades a la guitarra eran más bien limitadas, apenas duró unos pocos ensayos. Algo más duraría Xavi, que entra como refuerzo a la guitarra, desplazando a Álex al bajo. Con Raúl a la batería, Xavi y Kabra como guitarras, Alex al bajo e Irra a las voces comienzan entonces a tocar de manera asidua e incluso deciden grabar una maqueta con parte del material que tienen como repertorio. Eso sí, poco antes de entrar en los estudios Ensayos Barcelona los primeros días de febrero de 1996, Xavi deja la banda, aunque colaboraría con ellos en las sesiones de grabación. De las mismas Irra recuerda: “La grabación de la maqueta se puede decir que fue, básicamente, una mierda. Grabamos todos a la vez, excepto voces y coros, y los niveles de alcohol en el estudio fueron elevados. El técnico era la primera vez que que utilizaba aquella mesa, y el sonido resultante fue el que fue”. Por la cinta se interesa Perico, auténtico fan del género y responsable del zine Street Rock’n’Roll. Acababa de crear el sello Plastic Disc, y les ofrece a la banda la oportunidad de editar la grabación en forma de casette. “Barcelona Oi” (Plastic Disc, 1996) constituyó uno de los mejores estrenos posibles, en el que Suburban Rebels cantan orgullosos su condición de clase obrera, sobre cómo recorren las calles del barrio Gótico y la devoción que sienten por la cerveza, el sexo y la tortilla de patatas. Trabajo ambientado en la ultraviolencia de filmografía de Stanley Kubrick y sobre todo rindiendo pleitesía al oi! británico de los 80, en especial de Cockney Rejects de quienes versionean el tema “Greatest cockney rip off”. Es de este modo, al más puro estilo east-end londinense, que cantan a su ciudad, la Barcelona burguesa y postolímpica. Y es que pocos discos como “Barcelona oi!” importan de manera tan fidedigna los aires del género desde el Reino Unido a la escena estatal. La acogida del debut de Suburban Rebels fue muy buena. “Posiblemente porque por aquel entonces casi no había bandas que nos dedicáramos a tocar música oi!”. Irra recuerda tan sólo a [grupo slug="pilseners"]Pilseners[/grupo], con los que compartían local de ensayo además de batería, y que habían sacado también maqueta por las mismas fechas, a unos incipientes [grupo slug="opcio-k95"]Opció K95[/grupo] (también con Raúl a la batería), a Remences que acababan de dejar de tocar. Fuera de Cataluña, en Euskadi, [grupo slug="zakarrak"]Zakarrak[/grupo] habían sido relevados por [grupo slug="iskanbila"]Iskanbila[/grupo], mientras que en Galicia [grupo slug="ruin-bois"]Ruin Bois[/grupo] y [grupo slug="skacha"]Skacha[/grupo] se encargaban de mantener la llama viva. La maqueta les abre las puertas a más actuaciones pudiendo ir por ejemplo a tocar por Euskadi. Preguntados en una entrevista para un fanzine por conciertos de aquella época, Irra rememoraba una ocasión en la que tocaron en Molins de Rei, cerca de Barcelona. “Tal fue la borrachera que enganchamos que acabé cantando en pelotas y lanzando botellas de cerveza al público. Una de ellas impactó en la cara de un chaval, al que tuvieron que llevar al ambulatorio para ponerle puntos. Pero lo mejor de todo es que el tío quería volver otra vez al concierto”. Más adelante, cuando echaban la vista atrás, reconocían lo tumultuoso de estas primeras actuaciones: “Hubo una época en que no había concierto nuestro sin pelea, cosa que nos trajo un poco de mala fama”. Llegaron a grabar en 1997 un video del tema “Gotic Bootboys” en el que aparecían tras la barra del bar Puerto Hurraco de Barcelona y actuando, en un ejemplo de convivencia de punks y skins que coinciden en beber y empujarse en lo que la banda toca. Los días 23 y 24 de octubre de 1999 Suburban Rebels entrarían en los estudios Libra de Barcelona para grabar los temas que compondrían [disco slug="nacidos-para-provocar"]“Nacidos para Provocar” (Bronco Bullfrog Records, 2000)[/disco]. El disco lo editó, primero en CD y un año después en vinilo, el sello balear Bronco Bullfrog Records, con cuyo responsable, Mark, ya habían tenido contacto antes en proyectos anteriores relacionados con fanzines como Bronco Bullfrog Skinzine, Teenage Warning Magazine y Street Music Gazzete. El grupo no dudaría en embarcarse con él, cuando se decidió a dar el salto y montar sello discográfico. El diseño del vinilo corrió a cargo de Marcos Torres, artista ibicenco cercano a la órbita del sello, mientras que el del CD fue labor del propio Mark. El resultado dejó satisfecha a la banda: “El sonido no está mal para lo que costó la grabación, aparte de haber estado sin ensayar durante más de cuatro meses”. El disco de los catalanes recuperaba tan sólo dos temas de la maqueta (“Clase obrera” y “Gotic bootboys”), aunque tenía otros dos de la época de aquella grabación (“Engañado” y “Street punk”) dando muestras de que el grupo iba sobrado de material nuevo que presentar. “Skinhead”, “Soldados del asfalto”, “Oi! es divertirse”, “Street punk”, “Nacidos para provocar”… con excepción de algunos cortes con maneras evidentes de broma e irreverencia, el disco se centraba sobre todo en cantar a la esencia del género. No quisieron dejar pasar la oportunidad, eso sí, de componer “Un día gris” en memoria de todos los amigos que habían muerto como consecuencia de la heroína. Para entonces Suburban Rebels acumulan tablas suficientes para quedar englobados en el mismo cartel que bandas de renombre: Tocarían a finales de enero de 2000 con Cockney Rejects en la sala Jam de Bergara (Guipúzcoa) y participarían en el Holidays in the Sun Festival de 2000 celebrado en Euskadi, un evento de tres días que reunió a un buen plantel de bandas de punk nacionales como [grupo slug="aerobitch"]Aerobitch[/grupo], [grupo slug="boikot"]Boikot[/grupo], [grupo slug="mcd"]M.C.D.[/grupo], [grupo slug="la-broma-de-ssatan"]La Broma de Ssatán[/grupo], [grupo slug="commando-9mm"]Commando 9mm[/grupo], [grupo slug="37-hostias"]37 Hostias[/grupo]... junto a grandes combos internacionales. En concreto Suburban Rebels tocaron el mismo día que Slaughter and the Dogs, Chelsea y los mismos Cockney Rejects, en una actuación en la que contarían con la colaboración de Miguel Alférez, batería de [grupo slug="decibelios"]Decibelios[/grupo], cantando con ellos "Matar o morir", y que tomó las baquetas cuando hicieron versión del "Kaos". También ejercieron de teloneros locales en el concierto de Peter and the Test Tube Babies en la sala Garatge de Barcelona en mayo de 2000. La lista de bandas de oi! con las que comparten cartel se ampliaría con Red Alert o Cock Sparrer. Asimismo participan en el Festival Sense Nom celebrado durante tres días de julio en 2002 en cuyo cartel aparecían nombre como Dead Kennedys, D.O.A., Subhumans, Discipline, Oxymoron,Angelic Upstarts o Vice Squad. A tenor de lo manifestado en su momento al respecto de haber tocado con todos estos grupos legendarios, la experiencia dejó una mezcla de sensaciones diferentes en la banda. “Son todos unos jodidos puretas a los que el alcohol les ha acabado de destrozar el poco cerebro que les quedaba. Pese a todo cuando tocas con estos grupos, te sientes realmente insignificante, porque pese a que son todos unos borrachos cuarentones (¡o más!) te dan una lección de lo que es tocar punk-oi! La única que se conserva bien es la Becki de Vice Squad que está cada día más buena”. De Cockney Rejects en particular, con cuyo manager tuvieron algún que otro encontronazo manifestaban: “Tampoco es que tuviéramos mucho tiempo para hablar con ellos, tan sólo unos minutos, unas fotos y poco más. Eso sí, se les veía alucinados por la reacción de la gente, al parecer no se esperaban semejante explosión de emoción en el pogo”. Es probable sin embargo, que la experiencia más amarga la vivieran en el concierto en el KGB acompañando a The Business el 10 de noviembre de 1999 en la sala KGB de Barcelona, cuando la velada quedaría marcada por la presencia de skins nazis entre el público. Según contaba Irra los problemas empezaron cuando tocaban los ingleses, ya que fue al comenzar la actuación de estos que los elementos de extrema derecha aprovecharon para colocarse en las primeras filas y hacerse notar. A pesar de que Mick Fritz, cantante de The Business dejó claro que aquello era un concierto de punk y que no quería ver ningún brazo en alto, los enfrentamientos que se produjeron en el exterior de la sala condicionarían todas las reseñas y crónicas del concierto. Kabra hacía su valoración respondiendo a las preguntas de un fanzine: “Hubo una reunión entre dos generaciones, una vieja y fascista y otra joven e inexperta que ni siquiera sabía quiénes eran realmente los retrasados mentales (nazis) que había en la sala”. Al respecto de la controvertida cuestión de la politización de un género como el oi! Suburban Rebels siempre han mantenido una postura clara: “Somos una banda musical, o sea que hacemos música, no política (…) No somos racistas, ni fascistas y nos dan bastante asco los políticos”. Argumentos todos ellos que han venido apoyados por sus letras, que nunca han dado pie a pensar en orientaciones de ningún tipo, mostrando un abierto desinterés por ideologías (“De política no entiendo / A ti eso no te va / No sigas al rebaño / No te dejes controlar” cantan en su canción “Skinhead”), salvo apología de su condición obrera (“Somos la clase obrera / somos la working class / Empresario miserable contigo vamos a acabar” en “Clase obrera”) y de “la violencia callejera sin motivos políticos” como decía Kabra. Su concepción de un género musical que aman no deja tampoco lugar a dudas: “El oi! es el movimiento que devolvió el punk a su lugar de origen a las calles. Nada que ver con escuelas de arte y semi burgueses disfrazados, sino jóvenes obreros peleando y disfrutando juntos bajo una misma bandera, la del oi!”. Se muestran partidarios del mismo como una manera “de vivir el presente, divertirse todo lo que se pueda y más, estar orgulloso de uno mismo, de pertenecer a la clase obrera, y por supuesto, abrirle la cabeza a cualquiera que te toque las pelotas”. Intenciones que no ocultaron nunca: “Nuestra música refleja lo que somos, no engañamos a nadie”, completaban para una entrevista en un fanzine. Música pues para beber, música de taberna hecha por tíos de la calle, bolingas radicales que no ven el hueco para la política: “El oi!, aunque siempre ha sido una música bastante antisocial, ha estado apartado, o ha intentado estarlo, de cualquier tendencia política, pero por desgracia no siempre se ha conseguido. Y precisamente algunos extremismos políticos estuvieron a punto de matar el auténtico espíritu de la unidad del oi!”. De igual manera marcaron explícitamente lo que le pedían a los fanzines del género: “Preferimos los que tratan el tema skin y su órbita con originalidad y sin ninguna duda a la hora de declararse antifascistas”. A pesar de todo, Suburban Rebels tuvieron problemas en su primer concierto en Madrid en 1999 junto a [grupo slug="ultimo-asalto"]Último Asalto[/grupo]. Irra lo explicaba en una entrevista: “No se lió nada importante, comparado con otros conciertos. Lo único que nos gusta provocar, y posiblemente nuestros cánticos a favor de nuestro amado F.C. Barcelona y la canción dedicada a nuestra tierra, Catalunya, pudo no sentar muy bien a cierta gente”. Pero no fueron cuestiones geográficas sólo las que encendieron la mecha de algunas discusiones, ya que los gustos musicales del cantante no fueron aceptados con agrado por todo el mundo: “Luego aparte, tuve alguna discusión con peña de allí porque llevaba una camiseta de Böhse Onkelz, cosa que automáticamente me convertía en fascista. Como ves una gilipollez”. La polémica con la banda alemana data de serie de temas de sus comienzos en los primeros 80, en las maquetas que grabaron en plena transición del punk al oi!, con tintes xenófobos hacia los turcos. Aunque ya en estética skin llegaron a facturar un par de canciones en las que se cantaba al orgullo de poder llevar la bandera alemana en su cazadora, su trayectoria posterior, que se extiende incluso a nuestros días, les llevó a evolucionar a posiciones mucho más moderadas, alejadas de cualquier controversia, en sentido opuesto por ejemplo al que siguieron algunas otras bandas del género como los británicos Skrewdriver. Abordando el espinoso debate acerca de los sentimientos nacionalistas que ya existieran en algunos combos oi! británicos (valgan como ejemplos el posicionamiento de grupos como The Business o The Ejected durante la Guerra de las Malvinas, o las alusiones a los colores de la Union Jack hechos en temas de Last Resort e incluso de Angelic Upstarts), Irra añade: “Es complicado pero la escena oi! y el movimiento skin en general, cuando sale de Inglaterra hacia Europa lo hace un poco bajo la confusión y muy estereotipado, y casi todas las primeras bandas skin europeas son consideradas patriotas y nacionalistas”. Con todo, el incidente, que de algún modo recordaba la polémica que levantara en su momento la camiseta con la parodia de tour europeo de Adolf Hitler que llevara en unas sesiones fotográficas Fray, cantante de Decibelios, dejaría huella y traería consecuencias para la banda años después. Y es que aunque volverían a Madrid junto a [grupo slug="oi-the-arrase"]Oi! The Arrase[/grupo] al poco tiempo, los intentos de repetir la experiencia mucho tiempo después, se verían frustrados de forma inesperada. Suburban Rebels deciden parar tras el concierto del Festival Sense Nom: “Buenos años, buenas risas, buenos amigos y grandes borracheras quedaron por el camino, pero empezamos a cansarnos un poco de la banda, de ensayar, de tocar, y decidimos poner punto y final al grupo”. Tendrían que pasar casi tres años antes de que volvieran a sucumbir a la idea de matar el gusanillo de volver a tocar en directo. Preparan así una reaparición puntual para las fiestas del Pueblo Nuevo de Barcelona en septiembre de 2005. No contarían para ello sin embargo con la partipación de Alex, que ocupado con su proyecto de entonces Saturday Kids (posteriormente Los Chicos del Sábado), no tiene tiempo para este retorno de Suburban Rebels. Entra entonces para sustituirlo al bajo Edgard además de un refuerzo como segundo guitarra, Tane, próximo a la banda y que ya les había acompañado en el escenario en alguno de los últimos conciertos de la primera etapa. Los nuevos refuerzos, grandes amantes del metal hacen que la banda se abra a nuevos sonidos e influencias para su música. El concierto resultaría todo un éxito. Les anima a repetir y a componer algún tema nuevo. La banda compagina más actuaciones con cambios en la formación: Primero Raúl y luego Edgard dejarán Suburban Rebels, que repentinamente se queda sin sección rítmica. Los repuestos llegan desde el campamento base de [grupo slug="piorreah"]Piorreah[/grupo], banda punk vecina y amiga, de la mano de su batería, Jou, y su bajista, Dani. Con la formación estabilizada con Jou a la batería, Dani al bajo, Tane y Kabra a las guitarras e Irra como cantante encaran la grabación de un nuevo disco. Entre el 26 de febrero y el 16 de marzo de 2008 entran en los estudios Trash Zone de Barcelona. [disco slug="el-flotar-se-va-a-acabar"]“El Flotar se va a Acabar” (Daily Records, 2008)[/disco], con título inspirado en un antiguo anuncio de televisión de un detergente, sería editado por Daily Records, sello con sede en una tienda de música en Barcelona cuyo encargado era Roger, batería entre otros grupos de [grupo slug="skatala"]Skatalá[/grupo] y [grupo slug="frontpilsen"]Frontpilsen[/grupo]. Siendo como son una banda a la que no le importa trabajar relajadamente concediéndose sin problema plazos flexibles para todo, es precisamente a él a quien atribuían gran parte del mérito de tener un nuevo trabajo de Suburban Rebels en la calle: “Desde un principio mostró un montón de interés y nos ha dado todas las facilidades posibles para que grabásemos. Ha estado en todo momento encima nuestro para que no nos durmiéramos en los laureles, cosa típica nuestra”, contaban para Riot Kids. Las nuevas canciones hablan de una paleta de sonidos más amplia, con una marcada evolución que les ha alejado del Oi! de sus comienzos y les ha acercado a posiciones mucho más rockeras. Un viaje estilístico que también realizaran en su momento combos como los mismos Cockney Rejects. Siguen las ganas de morder, protestar y querer mostrarse como animales de barra de bar, aunque las referencias a los sonidos y actitudes del principio se realizan más en clave de recuerdo nostálgico de etapa ya superada. El grupo reconocía una “pequeña evolución” en la que se habían contemplado “arreglos diferentes” y en la que se traslucía que cada vez les gustaba más “el rock and roll de toda la vida”. Irra asume ahora de manera natural la imagen del grupo ligeramente distinta que proyectaba el disco: “Hubo gente a la que le encantó y mucha otra gente que se esperaba algo más en la línea del Nacidos, pero después de tantos años, con nuevos miembros, con algo más de dominio de los instrumentos, y con todas las influencias que uno absorbe de todo lo que va escuchando, lo que nos apeteció y lo que realmente sentíamos fue ese sonido”. La actividad en directo de Suburban Rebels en su segunda etapa fue también reseñable. Tocaron con AntiNowhere League en junio de 2006, con Peter and the Test Tube Babies en la sala Apolo de Barcelona el 11 octubre 2007, con Oxymoron, Perkele, Deadline… Banda ya madura y con experiencia, vivían estos emparejamientos sobre el escenario de manera más tranquila: “Al principio lo vivíamos más, con mucha más, ilusión; ahora te ilusiona, pero como sabes que a muchos de estos grupos sólo les movía una cosa, el dinero, pues ya te lo tomas de otra manera, o eso creo”, contaban en una entrevista. Tan sólo sufrieron un fuerte revés cuando intentaron tocar en Madrid. Y es que colectivos antifascistas, recordando los problemas de la primera visita de los catalanes y acusándoles por su amistad con Último Asalto, presionaron y lograron suspender el concierto que tenían previsto celebrar en Fuenlabrada el 20 de diciembre de 2008 junto a [grupo slug="proyecto-kostradamus"]Proyecto Kostradamus[/grupo] y [grupo slug="duff-hooligans"]Duff Hooligans[/grupo]. Reconocieron entonces sentirse atacados por “una hornada de valientes (…) armados con teclado y ratón” y recordaban siempre que tenía ocasión que la esencia del movimiento skin era la de haber nacido en la calle y estar en ella disfrutando en los bares aunque “ahora la gente está más por crear malos rollos, que no pasarlo bien (…) Les guste o no el movimiento skinhead nunca fue un movimiento político, y esto va para los dos bandos”. Lejos de desanimarse por el contratiempo seguirían tocando a buen ritmo: en abril de 2009 con [grupo slug="13-bats"]13 Bats[/grupo] en Lérida, en marzo de 2010 con [grupo slug="secret-army"]Secret Army[/grupo] y Malas Lenguas... aunque llega un punto, a finales de ese mismo año, en el que deciden que lo mejor es parar. Aún volverían de forma puntual en febrero de 2014 actuando con Ultimo Asalto en el club Estraperlo de Badalona, pero se mantendrían firmes en su posterior silencio. ¿La razón? Principalmente el cansancio: “Ver que la escena Oi! / Skin ha derivado por un sendero que poco tiene que ver con lo que nosotros pregonábamos, una lucha entre dos bandos cada vez más fanatizados,que se comportan ahora de una forma inquisitorial, imponiendo lo que se puede o no se puede escuchar”. Reconocen además que otro aspecto importante fue la edad: “Ya no somos chavales y estar en un grupo que te quita tiempo,salud y encima estando siempre en el ojo del huracán no hace ya tanta gracia”. Una vez disuelto el grupo sus componentes iniciaron aventuras diferentes: Kabra y Tane comenzaron Rosas Negras volcados en el punk clásico, mientras Irra y Álex pusieron en marcha Orsay de influencia británica, en clave punk en su vertiente más melódica. Mientras, el interés por Suburban Rebels no decae y así Bronco Bullfrog Records, que ya hubiera reeditado tiempo atrás la primera maqueta en cassette, consiguió preparar una edición de la misma en 2015 por todo lo alto en vinilo. No fue fácil sin embargo, porque la cinta que guardaba celosamente Sergio “Salchicha”, mánager de toda la vida del grupo y en la práctica un miembro más de la misma, pensando que se trataba de la grabación original del “Barcelona Oi!”, resultó ser, sin embargo, un directo del que apenas se pudo rescatar algún tema decente. Tras un proceso de digitalización y remasterización a cargo de Nicolás Zuñiga (Nico DeadWax) en Madrid, y aprovechando la ocasión para recoger durante casi año y medio la mayor cantidad posible de reseñas y fotografías acerca de la banda, el sello balear pone de nuevo en la calle el resultado del primer paso por un estudio de grabación de Suburban Rebels: [disco slug="barcelona-oi"]"Barcelona Oi!" (Evil / Bronco Bullfrog, 2015)[/disco]. Elige para ello acertadamente como portada un diseño inspirado en el “We Can Do Anything” de The Cockney Rejects. A su vez y aprovechando el ejercicio de recuperación, se edita el sencillo [disco slug="skinhead"]“Skinhead” (Evil, 2015)[/disco] en el que saldrían los temas que no tuvieron hueco al pasar de CD a vinilo el disco “Nacidos para Provocar”. El single se presentaría con dos portadas diferentes.

El proyecto de Selvática comienza en Brasil, concretamente en Río de Janeiro. Paula Vilas (teclados y voz) y Manu G. Sanz (guitarra y voz), ambos ex [grupo slug="indomitos"]Indómitos[/grupo], se van a vivir al país carioca. Ambos llevaban tiempo sin tocar pero la energía y vitalidad de su nuevo hogar los motivan a comenzar de nuevo a componer canciones. Mientras que en Indómitos realizaban un despliegue intensivo de ruido, oscuridad, mala leche y frío –no olvidemos que la banda se forma en Glasgow-, con Selvática los matices son muchos y la luminosidad mayor. El caso es que las composiciones van creciendo en número y forma, hasta llegar a un total de doce, que forman parte de la demo: “Canciones Cariocas” (2015). La influencia brasileña queda patente en “No pares de bailar”, un corte marcado por el funk carioca, se trata de su pequeño homenaje a la ciudad de Río. Como la idea era sacar un LP y llevar las canciones al directo en las mejores condiciones posibles. Paula y Manu se rodean de músicos de la escena gallega para ello, en enero de 2015 reclutan a Israel Ruíz ([grupo slug="pedrito-diablo-y-los-cadaveras"]Pedrito Diablo[/grupo], [grupo slug="thee-tumbitas"]Thee Tumbitas[/grupo], [grupo slug="joao-tomba"]Joao Tomba[/grupo] / bajo), Ibán Pérez (L Casio, Tut Vu Vu / batería), y Luismi G. Almuíña ([grupo slug="lobishome"]Lobishome[/grupo], [grupo slug="travesti-afgano"]Travesti Afgano[/grupo] / guitarra). El quinteto graba en el estudio Terraforma de Hío (Pontevedra) con el propio Iban Pérez a los controles lo que será su primer LP: [disco slug="selvatica"]“Selvática” (Mama Vynila / Discos de Kirlian, 2015)[/disco]. Un trabajo con ecos post-punk mezclados con ramalazos pop, guitarras surferas y ritmos africanos. El sonido venía definido por la maqueta previa que habían grabado Paula y Manu, pero los ensayos con la banda al completo dotan a las canciones de un sonido más directo y agresivo. Graban el disco en un tiempo récord y Mama Vynila y Discos de Kirlian deciden coeditarlo. Discos de Kirlian vienen de editar recientemente las demos de Indómitos: [disco slug="demos-2008-2010"]“Demos 2008-2010” (Discos de Kirlian, 2015)[/disco]. Un CD limitado a cien copias con diez cortes compuestos, interpretados y grabados por Manu G. Sanz con la ayuda de Paula en su estudio casero entre 2008 y 2010, año de la disolución del grupo. Formaban parte del repertorio habitual del grupo excepto "El castigo" y "Ojo maldito" que nunca tocaron en directo, y reflejan la evolución hacia un sonido aún más cortante.

La banda se forma en el año 1999 en Vigo, tomando de nombre uno de los protagonistas de la serie de animación japonesa Mazinger Z. Se trata de un proyecto ideado por Manuel «Lito» Seijo y Pablo Iglesias que nace con la intención de combinar rock, pop y electrónica. Lito (voz y bajo) había puesto junto a su hermano Luis (guitarra) y Fernando R. (batería), en marcha el grupo [grupo slug="rebelde-rojito"]Rebelde Rojito[/grupo]. Una formación que en los primeros 90 se unió a la tendencia indie de cantar en inglés y armar canciones con un sonido contundente de guitarras. Llegarían a participar en el popular programa de la TVG “Xabarín Club” con la canción en gallego “Fixémola boa”. Lito y Luis formarían parte de [grupo slug="the-killer-barbies"]The Killer Barbies[/grupo]. Tras el final de Rebelde Rojito, Lito continúa grabando maquetas. Se encuentra con el productor Pablo Iglesias, que se encarga de las programaciones, añadiendo una nueva dimensión a las composiciones de Lito. Nacía Kabuto Jr. [disco slug="distressor"]“Distressor” (Zero, 1999)[/disco] es su primer trabajo. Doce cortes grabados en los estudios Elite (Vigo) con el propio Pablo Iglesias como productor. De la masterización se encarga Andy VanDette en Masterdisc (Nueva York). Lo cierto es que la labor de Pablo resulta determinante para que el disco vea la luz. Lito había desarrollado gran cantidad de canciones, grabando muchas maquetas en solitario, que alcanzan un nuevo nivel con el trabajo de Iglesias. La idea era que las canciones fluyesen, dejando las ideas preconcebidas sobre el sonido o el tratamiento de los temas a un lado. El primer sencillo de su álbum debut fue “Time”, uno de los sus temas de más éxito debido a que se utilizó para la campaña publicitaria de una conocida operadora de telefonía móvil (Movistar). Además de un single promocional en carpeta de cartón se lanza [disco slug="time-3"]“Time +3” (Zero, 1999)[/disco], que además del corte incluido en “Distressor” contiene tres mezclas nuevas. Se trata de un trabajo con una gran variedad estilística, ello es debido a que hay temas de épocas muy distintas. Nos encontramos con bases drum and bass, rock contundente, guitarras generando un muro de sonido… y temas con vocación pop como “Just a need”, “Low-fi love” o el propio “Time”. Son estos los temas que mejor funcionan. Participan en el Festimad 99, en una edición con bandas como Metallica, Ministry, Queens of the Stone Age, Tricky o Black Crowes. Para llevar el disco al directo cuentan con Beatriz Vieites "Gladys" (voz, guitarra), Jacobo de San Claudio (batería) y Pablo Lorenzo (bajo). Su segundo disco llega tres años después: [disco slug="memoryman"]“Memoryman” (Zero, 2002)[/disco]. Once nuevas composiciones entre las que destaca “Phone”, tema que colocan en la banda sonora de “School Killer. Nos Van a Matar a Todos” (Zero, 2002), película de terror del director Carlos Gil. Como actor principal nos encontramos al mítico Paul Naschy. En la banda sonora participan grupos como [grupo slug="kannon"]Kannon[/grupo] o [grupo slug="lagartija-nick"]Lagartija Nick[/grupo]. Poco después el lanzamiento de su segundo disco el grupo se separa.

La historia de Mercè Madolell i Aragonés, nacida en Barcelona el 2 de enero de 1940, es la historia de una cantautora olvidada por el paso del tiempo y por la figura enorme que representó el colectivo de [grupo slug="Els-Setze-Jutges"]Els Setze Jutges[/grupo] en la escena de la cançó de los años 60 en Catalunya. Excelente intérprete, nunca tuvo ese puntito de suerte, ese estar en el lugar correcto en el momento indicado para pasar al siguiente escalón y poder tener una longeva carrera como cantante profesional. Los escritos de la época ya alababan su voz y pasados los años algunos nunca la olvidan, [grupo slug="Josep-Maria-Espinas"]Josep Maria Espinàs[/grupo] en su columna de opinión del 20 de septiembre de 2011 en El Periódico dijo de ella: "Yo la había oído muchas veces, cuando cantaba en La Cova del Drac, en la calle de Tuset de Barcelona, y una noche y otra me quedaba subyugado por su voz. La suya no era una voz de filigrana, sino de una concentración que parecía dolorosa y pedía silencio y atención". Mercè se da a conocer en Barcelona gracias a sus actuaciones de la sala La Cova del Drac. Inicialmente es programada durante una semana, pero debido al gran éxito de público le alargaron su estancia en el local hasta tres meses más. De todo su repertorio, lo que más destacaba eran sus adaptaciones de clásicos de la chanson, tanto que el sello Concèntric lo aprovecha, y decide que su primer trabajo este dedicado por entero al belga Jacques Brel. [disco slug="canta-jacques-brel"]"Canta Jacques Brel" (Concèntric, 1966)[/disco] cuenta con los arreglos musicales del maestro Francesc Burrull, un habitual en estas lides, y las adaptaciones del poeta, traductor y sociolingüista Francesc Vallverdú en el tema "Les bergers", aquí renombrada como "Els partors", y de Josep Maria Espinàs en el resto de los temas. Gracias a esta referencia es invitada por el Instituto Francés a la sesión especial dedicado a la La Chanson Francaise en Catalán que se celebró en mayo de ese mismo año. Mercè actúa junto a [grupo slug="Guillermina-Motta"]Guillermina Motta[/grupo], que canta temas de Anne Sylrestre y Barbara, y [grupo slug="Magda"]Magda[/grupo] que interpreta a su vez una selección de las más famosas obras de la inolvidable Edith Piaf. Ese mismo año graba su segundo trabajo, el microsurco [disco slug="eren-trenta-innocents-visca-el-guardia-del-far-el-bar-de-tantes-nits"]"Eren Trenta Innocents / Visca! / El Guardià del Far / El Bar de Tantes Nits" (Concèntric, 1966)[/disco]. En él Mercè no deja de lado la sonoridad del país vecino y vuelve a tener a la chanson como hilo conductor. Si bien su primer trabajo era un homenaje por entero al belga Jacques Brel aquí las adaptaciones se reparten entre varios cantautores franceses. Las traducciones y adaptaciones de todos los cortes vuelven a correr a cargo de Josep Maria Espinàs. Durante este período el colectivo de Els Setze Jutges consideraron seriamente su incorporación, pero al tener ya algunas referencias grabadas no creyeron necesario su inclusión. A pesar de esto Mercè tocó asiduamente con diferentes jueces en muchos de sus conciertos durante estos años. También lo hizo delante de la televisión de Suiza y pasó largas temporadas como una de las figuras de La Cova del Drac de Barcelona. Su último trabajo es [disco slug="canta-les-seves-cancons-madolell"]"Canta les Seves Cançons" (Concèntric, 1967)[/disco] donde se incluyen tres poemas musicados por ella misma: "Pobres de mena" de Josep Carner, "Adéu abans d'hora" de Ramon Folch i Camarasa, y "Roderes i camins" del prolífico letrista y poeta Josep Maria Andreu. Aunque la canción que más destaca es la que está compuesta íntegramente por ella misma "Amics". En este EP Mercè da un giro a su estilo musical pasando de la chanson francesa al jazz. Con este trabajo gana el premio al disco de canción original con la mención mejor compositor-interprete en el Festival de la canción catalana que se celebraba periódicamente en Lloret de Mar al conseguir cinco votos, uno más que la finalista de ese año que fue [grupo slug="Maria-del-Mar-Bonet"]Maria del Mar Bonet[/grupo] con su EP [disco slug="que-volen-aquesta-gent"]"Què Volen Aquesta Gent?" (Concèntric, 1967)[/disco]. En agosto de 1967 participa en el homenaje a la canción catalana en S'Agaró bajo el lema "La Cova del Drac estiueja a S'Agarró" y en el que actúa junto a [grupo slug="Guillem-dEfak"]Guillem d'Efak[/grupo], [grupo slug="Lluis-Llach"]Lluís Llach[/grupo] y Els Joglars. Durante ese otoño será una asidua en La Cova de Drac donde actúa en repetidas ocasiones hasta que descansa unos meses. Su reaparición se produce a principios de marzo de 1968 en el teatro Alianza del Poble Nou en la presentación de un nuevo espectáculo titulado Ronda de Cançons. En el montaje matinal que también se llamó El Drac al Poble Nou colabora l'Orfeó Gracienc y La Cova del Drac que programa aparte de la barcelonesa al grupo [grupo slug="Els-Dracs"]Els Dracs[/grupo], a los jueces [grupo slug="Maria-Amelia-Pedrerol"]Maria Amèlia Pedrerol[/grupo] y [grupo slug="Rafael-Subirachs"]Rafael Subirachs[/grupo], al mallorquín Guillem d'Efak y las nuevas voces de [grupo slug="Regina-Buira"]Regina Buïra[/grupo] o [grupo slug="Antoni-Santandreu"]Antoni Santandreu[/grupo]. Poco después, el 13 de marzo de 1968, actúa en un recital benéfico en el Price de Barcelona a favor de las entonces clandestinas Comisiones Obreras junto a Maria Amèlia Pedrerol, [grupo slug="francesc-pi-de-la-serra"]Quico Pi de la Serra[/grupo], Rafael Subirachs, Guillem d'Efak y [grupo slug="Raimon"]Raimon[/grupo]. Cuatrocientos espectadores se quedan en la calle sin entrada. En agosto actúa en la plaza del diamante dentro de las fiestas del barrio de Gracia junto a Lluís Llach, [grupo slug="Pau-Riba"]Pau Riba[/grupo], Guillem d'Efak, Maria Amèlia Pedrerol y [grupo slug="jaume-sisa"]Sisa[/grupo]. Y en septiembre en un recital en las fiestas de Collblanch junto a Lluís Llach y Guillem d'Efak, de nuevo, más el grupo [grupo slug="dos-un"]Dos + Un[/grupo]. En ese otoño vuelve ser una asidua en el cartel de La Cova del Drac. A pesar de todo esto no logró la repercusión de otros cantautores de la época y Albert Mallofré para la revista Destino ya se preguntaba cuáles eran las razones de esto: "Uno sostiene la creencia, desde hace tiempo, que Mercè Madolell es una de las mejores voces del país. Esta convicción va acompañada de otra: Mercè Madolell no ha acertado con el vehículo más indicado a su personalidad para penetrar en el público, en las mejores condiciones" para elogiar a la cantante "Mercè Madolell posee algo muy difícil de conseguir y que muchos artistas persiguen en vano durante años: sensibilidad interpretativa y excelentes condiciones naturales y aprendidas para manifestarla" para al final dejar claro que el éxito es insondable "Estos deben de ser los arcanos de la producción gramofónica". A finales de los años 70 intenta volver al mundo de la canción y realiza muchas actuaciones en las que interpreta adaptaciones de poemas de un gran número de autores. A pesar de que graba algunos temas con un grupo de músicos capitaneados por Joan Albert Amargós este disco nunca ve la luz. En 1983 hizo un efímero regreso actuando de nuevo en La Cova del Drac durante tres días de junio siendo cabeza de cartel.

En los primeros 60 florecían niñas prodigios en cada programa de radio, especialmente si la emisora estaba radicada en la capital y retransmitía para toda España. Una de aquellas niñas cantantes fue Pilar Marquínez, que enseguida adoptó el nombre de [grupo slug="estrellita-de-madrid"]Estrellita de Madrid[/grupo]. En 1963 fue la representante madrileña en el festival de Canarias, logrando el segundo puesto. Antes había estudiado baile clásico y después se dedicó a actuar allí donde podía, casi siempre en festivales benéficos y sin ver una peseta. Por fin logra fichar por el sello Sesión y graba un disco que no obtiene ninguna repercusión. Eso ocurre a principios de 1966. Unos meses antes el mismo sello había fichado a un grupo de chicos procedentes del conservatorio con una cierta experiencia musical llamado Los Sayonaras formado en 1965. La discográfica reúne a ambos y logra una buena simbiosis que se mantendrá durante varios años. Los Sayonaras quedan definitivamente constituidos por Pilar –Estrellita- como cantante, Armando (bajo y guitarra), Joaquín (órgano) y Andrés (batería) y Antonio (guitarra). Joaquín no estuvo mucho tiempo junto a ellos. Andrés había sido músico de acompañamiento de Serenella, entre otros. Antonio había formado parte del grupo del italiano Gianni Ales. Joaquín y Armando procedían de la música clásica. Este último era de origen argentino, vino para hacer un curso y aquí se quedó para los restos. En aquel momento imperaba el ye yé y los grupos con chica cantante empezaban a tener una cierta presencia, contando con [grupo slug="los-pekes"]Los Pekes[/grupo] como ejemplo puntero. Armando y Pilar se hacen novios y eso cimenta la estabilidad del grupo. Luego ya pasarían toda la vida juntos. Van a debutar a 45 revoluciones por minuto con un ocurrente EP de villancicos: [disco slug="navidad-ye-ye"]“Navidad Ye-Ye” (Sesión, 1966)[/disco] que incluye temas navideños de siempre pasados por el tamiz de los instrumentos eléctricos de la época y con un frescor por entonces inusual. Se trata de cuatro piezas instrumentales que los chicos habían grabado poco antes de la incorporación al grupo de Estrellita. Sin embargo, José Luis Ulibarri los lleva al programa especial fin de año 1966 de TVE –cadena única- y ahí ya encontramos a la cantante y a sus tres acompañantes interpretando en directo “Cumbia del sol” y “El hombre de paja”, dos temas que no llegarían a editar nunca en disco. Días más tarde, el 9 de enero de 1967, la revista Fans les dedica un reportaje titulado "Un conjunto con voz de mujer" en el que afirman que en su próximo disco interpretarán canciones con letra de Garcia Lorca. Dicho disco jamás se realizó. Su sonido se basa en la voz solista y el órgano dirigiendo el acompañamiento. Al ser un grupo sin guitarra o sin bajo, según canciones, suena un tanto esquemático y nos recuerda a Los de la Torre, otro grupo con una formación similar. Al año siguiente Los Sayonaras van a grabar un interesante single: [disco slug="esta-melodia-playas-lejanas"]“Esta Melodía / Playas Lejanas” (Sesión, 1967)[/disco]. Dos temas pop de buen cuño, especialmente la segunda, una versión de una canción del dúo británico de folk-rock Chad & Jeremy. Poco a poco Los Sayonaras van convirtiéndose en un grupo de música de baile y actúan como fijos en el Club Señorial, en los bajos del hotel del mismo nombre en la madrileña calle de Leganitos. Seguirán actuando en esa y otras salas madrileñas hasta principios de los 70. Viajarán a Mallorca donde seguirán ganándose la vida. Allí, con destino al mercado turístico que les nutría grabarán siempre en sellos modestos otros dos sencillos. [disco slug="y-viva-espana"]“Y Viva España / Cala Millor” (Fonal, 1974) y “Save your Kisses for me” (Maller, 1976)[/disco]. Ambos discos vendrán firmados por Los Sayonara, perdiendo la ese que lucieron al principio de su carrera. A partir de esas fechas les perdemos la pista, aunque probablemente Pilar y Armando mantendrían la orquesta de baile que habían formado. Los Sayonaras fue uno de esos grupos de obreros de la música más preocupados por ganar el pan de cada día que de triunfar, grabar o vender discos. Unos músicos de oficio buscando ganarse la vida con su profesión. No obstante, dejaron destellos de su buen hacer, especialmente en ese sencillo grabado para Sesión. La falta de continuidad discográfica jugó en su contra y hoy Los Sayonaras son un grupo que solo los viciosos coleccionistas de viejos vinilos recuerdan.    

Lady Leño se forman en Coruña en un frío y húmedo otoño del año 2012. Iago Golpe (guitarras), Bea Argüelles (letras, bajo y voz) y Alberto Vázquez (batería) ponen en marcha el proyecto. "Amigos comunes, bares, conciertos e influencias similares" los unen. Llama la atención su nombre, "rinde homenaje al surrealismo, la oscuridad y al inquietante universo de la serie 'Twin Peaks' (David Lynch), concretamente al personaje favorito de los tres: The Log Lady". En primavera del 2013 graban su primera maqueta: "Arquitectas E.P" (2013). Cuatro canciones -"Sed", "Arquitecturas", "Cuando dios no mira" y "Resucitar"- grabadas con Arturo Vaquero en los Estudios Abrigueiro de Friol (Lugo). El trío capta la esencia de un momento y las canciones quedan como un reflejo de ese instante, como un boceto de lo que está por venir. La banda continúa creciendo, tocando por numerosas salas y festivales gallegos y componiendo nuevas canciones que van presentando en directo. Será en el verano del 2014 cuando Alberto intercambia papeles y baquetas con Javier Pico, y ya en 2015, se les une Sekone a los sintes y teclas en general. La incorporación de este último responde a "la necesidad de crear atmósferas más envolventes y de seguir explorando nuestro sonido. Da un mayor empaque a nuestros directos". Su disco de debut, [disco slug="lady-leno"]"Lady Leño" (Autoeditado, 2015)[/disco], llega tras el éxito cosechado en una campaña de crowdfunding. De la grabación, masterización y producción se encargan Miguel Bretal y Alberto Castro en Santa Cruz Recording. El arte del disco es obra de Lola Lorente, inspirando su trabajo en los textos y universo literario de Bea Argüelles, letrista, cantante y bajista de la banda. Su sonido es oscuro y visceral, se acerca al post punk más crudo salpicado por influencias de los 80s y 90s. Dark wave con influencias noise como Sonic Youth o Pixies. Pero lo que predomina es la esencia dark. Es fácil acordarse de [grupo slug="trajedesaliva"]Trajedesaliva[/grupo], también de la cara más oscura de [grupo slug="el-columpio-asesino"]El Columpio Asesino[/grupo]… pero Lady Leño muestran una gran personalidad y siguen su propio camino. En su sonido juegan un importante papel las letras, a las que consideran como un instrumento más para provocar al oyente y “hacerle partícipe de su particular ‘Viaje al fin de la noche’”. Uno de los aspectos tratado en las letras es la ambigüedad y el misterio de la naturaleza humana (construir vs. fabricar). De hecho, se perciben todo tipo de referencias literarias -de Céline a Poe – y todo tipo de sentimientos -redención, expiación, culpa, dolor, desconsuelo…-, todo ello para alcanzar la catarsis… para liberarnos de la oscuridad que nos rodea y mejorar.

La historia de Pisando Fuerte transcurre en el núcleo de skinheads que se formó en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) en los primeros ochenta, inspira los tebeos de Carlos Azagra y se gesta en la barra del bar musical 1981, ... Empieza con la formación de un grupo con el nombre de [grupo slug="olor-insoportable"]Olor Insoportable[/grupo] formado por Ñito a la voz, Pedro a la batería, Chencho a la guitarra y Diego, su hermano, al bajo. Aguantarían poco así, porque se quedarían sin nadie a las baquetas con la marcha de Pedro. Se ven pues obligados a reestructurar la banda, con el paso de Diego a la batería y la inclusión de Pingüi como bajista. No debutarían en directo hasta un par de años después, cuando en 1983 tocan en fiestas locales, luego en Roquetas… Participan también en el concurso de bandas “Mogollón Barcelona” que se celebraba en la sala Metro del Poble Nou, y en el que las bandas tenían que enviar una cassette al programa Tiempos de Locura de Radiocadena Española en Cataluña. Olor Insoportable presentó una maqueta que ya habían hecho circular por alguna emisora local, quedarían seleccionados para tocar el 30 de marzo junto a Fernando de Latorre, Toxicómanos, Alicia Química y como grupo invitado Impostores. La actuación de los de Santa Coloma se saldaría con disturbios provocados por sus seguidores, lo que sin duda terminaría influyendo en la decisión final del jurado. En la misma Santa Coloma tocaron con [grupo slug="decibelios"]Decibelios[/grupo] y sobre todo, en el bar 1981, donde conocieron al dibujante Carlos Azagra, que vivía justo encima del mismo. La relación que se establece entre éste y el grupo marcaría el devenir posterior de ambos. Azagra buscaba por entonces (octubre de 1984) personajes para sus historias, en concreto barajaba la posibilidad de que fuera un borracho de bar, pero en El Jueves, la revista con la que trabaja, le sugieren que busque punkies. Eso es precisamente lo que tiene en el 1981 y en Olor Insoportable; en concreto le pide a Ñito, alias Pedro Pico, y a Diego, alias Pico Vena, si puede inspirarse en ellos. Con su respuesta afirmativa se iniciaba una saga de historietas con la que, entre otras cosas, el dibujante dejaría una de las crónicas más detalladas que se ha hecho sobre la escena punk, no ya la catalana, sino la peninsular en general. Las actividades conjuntas de la banda con Azagra no terminaban en las andanzas del skin y el punk de sus tebeos, ya que todos ellos estarían involucrados en la formación del P.G.B. (Partido de la Gente del Bar), organización ácrata que participaría en la convulsa marea de protestas y movilizaciones que caracterizarían los años 80 de Barcelona. Consignas animando al voto por Nadie o para que Copito de Nieve, el gorila albino del zoo de Barcelona llegase al Ayuntamiento, llamamientos a “la Juerga General, Ningún Bar Abierto (Sólo va a ser un día)”, o lemas como “Tu Deber al Beber es Joder al Poder”, conformaban el ideario de la organización. El propio dibujante contaba sobre la génesis del partido en una entrevista al portal Rebelión.org: “Bien, lo del P.G.B. lo creamos sobre todo para cachondearnos, cansados de que en las manis anti OTAN todos fuesen con siglas. Nosotros creamos la nuestra para defender de paso la charla, la tertulia, las tapas y los bares como sitios de encuentro (…) Fruto del esfuerzo fue la creación de un local social del P.G.B., en donde aparte de bar ensayaban varios grupos locales de música, todo encuadrado en un plan de autoempleo juvenil de la Generalitat. Total, un par de kilos de subvención de la época. Lamentablemente la Generalitat se enteró de que se financiaba un local de red skins, y todo se fue al traste. Llegamos a sacar boletines, pegatas, conciertos... En fin, duró lo que duró”. Del brazo de esta iniciativa vino la formación del Komité oi! de Santa Koloma (K.OI.SK.), uno de los primeros núcleos del movimiento skin en Cataluña, caldo de cultivo en el que se gestó parte del repertorio e inspiración de Olor Insoportable. Aunque la banda incluía temas como “Tíos oi!” y versiones de The 4 Skins, sería un poco más tarde, cuando se hubiera formado Pisando Fuerte, que el acercamiento al Oi! y ska fuera más evidente. Y es que la actividad de Olor Insoportable se acabaría tras un concierto que dan en Santa Coloma en la presentación de un fanzine, con la marcha al servicio militar de Ñito, Chencho y Pingüi. A la vuelta del mismo, estos dos últimos deciden, junto con Diego, volver a resucitar el proyecto, para lo que contarán con Vindi, que venía de Gamba y sus Viciosas, para el bajo y con Xavi como cantante. El nombre escogido en esta nueva etapa fue su forma de decir "Aquí estamos de nuevo, vamos a pisotear lo que no nos gusta y vamos a ser una amenaza para todo lo que nos oprime y asfixia de esta puta sociedad". Azagra manifiesta sus preferencias al ser preguntado por lo que más le atraía de la banda: “La música era evidentemente oi! que me gustaba mucho, más lenta que el hardcore y un pelín pesada, molaba”. Chencho añade a este respecto: “Musicalmente hablando en ese momento aparecía con fuerza el Oi! que no dejaba de ser punk pero sin esa velocidad. Eran temas contundentes con influencias del ska. Bandas Oi! en Barcelona sólo estaban Decibelios, Skatalá y nosotros.” El debut de la banda en directo se produjo el 19 de julio de 1986, cuando participaron en el Barricada Rock celebrado en el campo de futbol de La Guineueta tocando con [grupo slug="tijuana-in-blue"]Tijuana in Blue[/grupo], [grupo slug="bap"]BAP![/grupo], [grupo slug="lodi-social"]L’Odi Social[/grupo], [grupo slug="monstruacion"]Monstruación[/grupo] y [grupo slug="antidogmatikss"]Antidogmatikss[/grupo]. A los pocos meses tendrían ocasión de repetir en el marco de un festival, ya que de forma inesperada, una semana antes de que tuviera lugar el concierto organizado en noviembre de 1985 para La Festa de la A en las cocheras de Sans, les llaman ofreciéndoles participar en vez de [grupo slug="virus-de-rebelion"]Virus de Rebelión[/grupo], que se caían del cartel en el último momento. De este modo tuvieron la oportunidad de tocar con [grupo slug="skatala"]Skatalá[/grupo] y Tijuana in Blue. Precisamente la actuación de los navarros y la de Pisando Fuerte quedó registrada y editada en una cassette que vio la luz en febrero de 1987 en el que los catalanes incluían “Tios Oi!”, “Sta Coloma I Reich”, “Susana”, “Skan-Tala”, “No lo olvidarán” y “Policía asesina”. Firmemente involucrados en las actividades del P.G.B. y del K.OI.SK., especialmente los miembros que ya venían de Olor Insoportable, Pisando Fuerte tocaría en directo para celebrar la inauguración del local que utilizarían como sede social de la agrupación. En la confusión política e ideológica que envolvió el movimiento skin en su implantación por Europa, Pisando Fuerte siempre tuvo claros su posicionamiento, estableciendo lazos con partidos y organizaciones como C.N.T. (Confederación Nacional del Trabajo), M.D.T. (Moviment de Defensa de la Terre), P.S.U.C. (Partido Socialista Unificado de Cataluña), P.C.C. (Partido Comunista de Cataluña), con los que de hecho se funda el P.G.B. Es por ello que cuando comienzan a proliferar los grupos de cabezas rapadas de extrema derecha, vinculados entre otras cosas, a los seguidores ultra del equipo de futbol del R.C.D Espanyol, la sede del mismo partido sufriría algún que otro ataque. De alguno de ellos fue testigo el propio Azagra, quien, además de ser agredido, tuvo ocasión de contemplar la “degradación” de algún excomponente del K.OI.SK arrancándosele el correspondiente parche de la organización de su cazadora por ser visto en flagrante compañía de elementos de las Brigadas Blanquiazules. Compartieron cartel asimismo en un par de ocasiones con [grupo slug="kortatu"]Kortatu[/grupo] en un concierto en Torres del Segre (Lérida) donde tocaron en un concierto celebrado por los quintos del 86 del pueblo y que terminó en peleas, o a finales de abril en Santa Coloma, en un cartel que completaban Tijuana in Blue y Skatalá. Con los navarros repetirían en muchas ocasiones, como en uno de los pocos conciertos que dieron fuera de Cataluña, en Guadalajara más concretamente, donde también actuaron [grupo slug="apartate-que-piso-mierda"]Apártate que Piso Mierda[/grupo]. Otros vascos ilustres con los que compartieron cartel fueron [grupo slug="eskorbuto"]Eskorbuto[/grupo] y [grupo slug="vomito"]Vómito[/grupo]. Con ellos tocaron en Torà (Lérida) el 24 de julio de 1987 acompañados de [grupo slug="elektroputos"]Elektroputos[/grupo] y Tijuana in Blue. Del concierto recordarían sobre todo una anécdota que no hace sino agrandar la mala fama de los de la margen izquierda de Santurce tenían en estos finales de fiesta: “A la hora de recoger a algunos de los grupos les faltaban instrumentos y a nosotros un amplificador de guitarra, después de buscar por todos lados lo encontramos en la furgoneta de Eskorbuto. Hubo momentos de tensión, pero al final la sangre no llego al río”. Con los vitorianos de [grupo slug="korroskada"]Korroskada[/grupo] tocaron en la Plaza del Sol de Gracia (Barcelona). Con los que sin embargo no llegarían a coincidir fue con [grupo slug="cicatriz"]Cicatriz[/grupo], ya que el concierto que tenían programado en Santa Coloma se tendría que suspender por la lluvia. De igual manera, no podrían tocar en su localidad natal con [grupo slug="kortatu"]Kortatu[/grupo] y Tijuana in Blue por problemas en el escenario que les habían preparado. También se les pudo ver en la concentración alternativa Gallecs el 27 y 28 de noviembre de 1987 donde se anunciaba entre otros muchos a [grupo slug="tarzan-y-su-puta-madre-buscan-piso-en-alcobendas"]Tarzán y su Puta Madre Ocupando Piso en Alcobendas[/grupo] (sic), [grupo slug="subterranean-kids"]Subterranean Kids[/grupo], [grupo slug="dead-paquirri-y-los-pantoja"]Dead Paquirri y los Pantoja[/grupo], Monstruación, [grupo slug="ultimos-de-cuba"]Últimos de Cuba[/grupo], [grupo slug="anti-manguis"]Anti-Manguis[/grupo], [grupo slug="juanito-piquete-y-los-mataesquiroles"]Juanito Piquete y los Mataesquiroles[/grupo], [grupo slug="desorden"]Desorden[/grupo], [grupo slug="ruido-de-rabia"]Ruido de Rabia[/grupo], BAP!, [grupo slug="bukaera"]Bukaera[/grupo], [grupo slug="anti-regimen"]Anti-Régimen[/grupo]. Tras tocar en el bar Dallas de Amposta (Tarragona) conocen , uno de los responsables del Comité de solidaridad con Centroamérica, con el que planean la celebración de un festival para recaudar fondos para Nicaragua. El evento, que tuvo lugar el 9 de mayo de 1988, se terminó convirtiendo en un pequeño gran hito del punk de los 80, en el que además se volvía a evidenciar una vez más la conexión entre las escenas vasca y catalana, con un cartel que incluía a [grupo slug="la-polla-records"]La Polla Records[/grupo], L’Odi Social, Virús de Rebelión, [grupo slug="belladona"]Belladona[/grupo], Pisando Fuerte, Vómito y Tijuana in Blue. A pesar de lo deficiente de la grabación, de aquella reunión se pueden encontrar un vídeo con las actuaciones de muchos de los que allí tocaron. De Pisando Fuerte en concreto es posible oír entre otros: “Tíos Oi!”, “Santa Coloma despertó”, “Sucio”.. Mencionan a Skatalá, Toke D Keda, [grupo slug="dr-calypso"]Dr. Calypso[/grupo] y [grupo slug="codigo-neurotico"]Código Neurótico[/grupo], con los que tocaron en un par de ocasiones, como los grupos de Barcelona con los que más relación tuvieron. En la escena de la misma Santa Coloma destacan Alta Tensión, Lokura Nuklear y los grupos más jóvenes con los que compartían local de ensayo como Gamba y sus Viciosas y Los Kokos. La conexión con las historietas de Azagra con Pedro Pico y Pico Vena vino a certificarse una vez más cuando Pisando Fuerte tocaron en el Casal de Joves Mas Fonollar en Santa Coloma, para presentar el tercer álbum de la saga del tebeo, tocando con Lokura Nuklear, pero no Monstruación por culpa de la lluvia. Éste sería además el último concierto que dio la banda, en el que además Xavi fue sustituido al micro por José –Sapo-. Pisando Fuerte no dejó ninguna grabación en estudio con sonido suficientemente bueno. Se registraron, además de algunas de sus actuaciones, una cassette en Radio Gramanet de no muy buena calidad. La cinta la llevarían Jeanot, mánager de la banda, y el propio Carlos Azagra a Pamplona, para sondear la posibilidad de que Soñua editara algún compartido con Skatalá, pero el sello navarro no quedó convencido. Años después, con material disperso, se llegaría a editar el CD [disco slug="somos-tios-oi"]“Somos Tíos Oi!” (Tralla, 2003)[/disco]. En un principio quienes se iban a encargar de la edición eran Uptight Records, pero finalmente le pasarían el material a Tralla Records, que fue la compañía que lo sacó a la calle. Tras recibir de ellos unas cuantas copias del CD, menos de las inicialmente pactadas, la banda se enteró de que el sello había tenido que cerrar. Pasado el tiempo resulta inevitable invitar a sus componentes a echar la vista atrás con el objeto de valorar o rememorar lo más destacado de aquellos días: “Hay que decir que ninguno de los componentes de Pisando Fuerte tenía formación musical, todo salía echándole horas y litros de cerveza en el local con un equipo bastante rudimentario”, responde Chencho, quien además indica: “Nadie sabe lo difícil que era ser punk en Santa Coloma en una época llena de delincuencia, drogas, represión callejera, desencanto social, cultural y musicalmente muda. Se desencadenó una pequeña rebelión, donde unos cuantos jóvenes sin futuro expresaron toda su rabia acumulada a través de su música o anti-música y una actitud de romper con el sistema que nos asfixiaba”. Recopilando información sobre la banda, fotos y su trayectoria, se recuperó el material de Pisando Fuerte en el vinilo [disco slug="oi_pisando-fuerte"]"Oi!" (VomitoPunkRecords,2015)[/disco]. Una garantía para conservar su música

Pilar Martínez Conde nació en Vigo (Pontevedra) en 1957, debutando en el mundo de la canción en los años 70 en formaciones como [grupo slug="roi-xordo"]Roi Xordo[/grupo] o De Catro a Catro. Estudia psicología en Santiago de Compostela pero la actividad musical ocupa gran parte de su tiempo. Su primer disco llega en 1978, el homónimo [disco slug="pilocha"]“Pilocha” (Movieplay, 1978)[/disco], englobado en la serie Xeira de Movieplay. En estos años compaginaba la actividad musical con el trabajo como contralto del [grupo slug="grupo-universitario-de-camara-de-compostela"]Grupo Universitario de Cámara de Compostela[/grupo], con el que grabó el primer disco de la formación, cantando cantigas de Martín Códax y Alfonso X. Se trata de [disco slug="cantigas-de-santa-maria-codice"]“Cantigas de Santa María, Códice Calixtino e Martín Códax” (Ruada, 1980)[/disco], un trabajo centrado en la música en Galicia en los siglos XII y XIII. En el disco predominan las canciones folk reposadas y melódicas con ecos celtas y medievales pero también nos encontramos ciertos ritmos progresivos. Antón Seoane ([grupo slug="milladoiro"]Milladoiro[/grupo]) es el responsable de la música de cortes como “Nenos orfos” y “Cantiga do amor fendido”. En las letras canciones populares como “O alecrín” u “O sacristán de Coimbra”, y poemas de Celso Emilio Ferreiro –“Nenos orfos”-, Uxío Novoneyra –“A fiandeira”- y Neira Vilas –“O boneco de palla”-. Entre los instrumentos: violines, violas, clarinetes, gaitas, birimbaos, zanfonas, baterías, percusiones, bajos, sintetizadores, pianos eléctricos y guitarras. Fueron años intensos en los que Pilocha recorre con ambas formaciones gran parte de Europa: Londres, Bruselas, Colonia… Recibe presiones de su discográfica, que prefería que grabase en castellano y no en gallego; abandonando durante un tiempo los escenarios. Se retira a Andalucía pero a su vuelta a Galicia, sus amigos de Milladoiro la llaman. Llega a grabar dos canciones con ellos, una para [disco slug="gallaecia-fulget"]“Gallaecia Fulget” (Discmedi, 1995)[/disco], disco que conmemora el V Centenario de la Universidad de Santiago de Compostela, y “Se ti viras” para el programa infantil y juvenil de la TVG Xabarín Club. El corte está incluido en “A Cantar con Xabarín Vol. III e IV” (BOA, 1996). Antón Seoane resulta ser una figura importante para decidirse a grabar su segundo disco: [disco slug="calamida-sentimental"]“Calamida Sentimental” (Xerais, 1998)[/disco]. El título sale del poema de Carlos Oroza, “Alicia” –“Y Alicia había declarado al mar calamidad sentimental…”-. Seoane es el responsable de la composición musical, de las letras se encargan poetas gallegas: María Xosé Queizán, Margarita Ledo, Luisa Castro, Ana Romaní, Pilar Pallarés, María do Carmen Kruckenberg, Mónica Góñez y Marilar G. Aleixandre. También se añade “Tecín soia” de Rosalía de Castro, poema incluido en “Follas Novas”. Se trata de composiciones de amor de poetisas contemporáneas, exceptuando Rosalía de Castro, que ejerce de madre y guía de todas ellas. Entre los músicos que se encargan de la grabación nos encontramos, entre otros, a Antón Seoane (sintetizadores, guitarra acústica, mandolina, acordeón y voz), Quico Paz Antón de [grupo slug="na-lua"]Na Lúa[/grupo] (percusión y laúd en “O amor é una lata de conservas”), las mujeres de [grupo slug="leilia"]Leilía[/grupo] (voz y panderetas en “O amor é una lata de conservas”), Anxo Pintos de [grupo slug="berroguetto"]Berrogüetto[/grupo] (saxo soprano en “Se me chegasen noticias”) y [grupo slug="rodrigo-romani"]Rodrigo Romaní[/grupo] de Milladoiro (harpa en “Amante”). El disco fue elegido como mejor trabajo melódico en los Premios Luar de la TVG en 1999. Su vinculación con Milladoiro se extiende hasta el año 2000, año en el que graba la canción de la Marcha Mundial de Mujeres que representa a Galicia en todas las manifestaciones realizadas con la citada Marcha con un texto de Carmen Blanco. Después de unos años presentando y dirigiendo el programa “Feminino Plural” en la Televisión local de Lugo, y trabajando con la compañía Teatro do Atlántico, dirigida por Xulio Lago, en recitales poético-musicales intentando divulgar la poesía gallega del siglo XX bajo el título de “Ecos e voces dun tempo e un país”; vuelve a asociarse con Antón Seoane. Juntos ponen en marcha un nuevo proyecto, esta vez dirigido al público infantil: "Conservas Lambón. Cancións Para os Croques" (Discmedi, 2004). Canciones para los más pequeños que cuentan con las colaboraciones de Carlos Blanco, Laura Amado, Lara, Harry C, Roi Casal, El Maestro Reverendo y San Escalera, además de letras de Neira Vilas, Manuel María y Antón García Teixeiro. En 2006 se asocia con los músicos Xavier Constenla, Quique Alvarado y Miguel Cabana, con los que hizo una gira por Argentina y Uruguay invitados por la Consellería de Cultura. Un año después participa en la grabación de un disco con cantos tradicionales de Navidad, “O Quiquiriquí: Cantos Para o Nadal” (PAI, 2007). Hasta la actualidad, Pilocha continúa ligada al mundo musical y artístico, trabajando en un nuevo disco, también como asesora musical y auxiliar de dirección del Teatro do Atlántico, y realizando recitales.

Las raíces de Linces Pop hay que buscarlas en el colegio La Salle de Santiago de Compostela en 1964. Mientras aprende unos cuantos acordes de guitarra en la rondalla de la escuela, el niño Chema Ríos funda el conjunto Los Ridoka (iniciales de Ríos, Domínguez y Carlos) con dos compañeros. En ese momento el panorama musical está dominado por los Beatles en todo el orbe, y además, en Europa y España triunfan las cantantes como Gigliolla Chinquetti, Marie Laforet o [grupo slug="conchita-velasco"]Conchita Velasco[/grupo], a las que el trío versiona en el salón de actos del colegio. Pronto se incorpora Miguel, hermano de Chema, también a la guitarra española, mientras que los otros cantan. Chema y Carlos también actúan como dúo bajo el nombre de Karios, aunque esta formación tendrá una efímera existencia. Poco después, Chema y Miguel se unen a otro compañero de La Salle, Emilio Quicler, a quien sus padres le han regalado una batería Raf por la festividad de Reyes. Emilio, junto con el vocalista, también lasaliano, Tony Viña, abandonan así un primer esbozo de conjunto llamado The Caterpillars que nunca llegó a materializarse. Tony, Emilio y Chema agregarán a Alfonso Fariña a la guitarra solista y a Paco Quinteiro al bajo hacia la primavera de 1967, produciéndose el debut de Los Linces en junio de ese año. Las primeras actuaciones las llevan a cabo con equipo prestado, pues sus guitarras eléctricas, de marca Invicta, son de poca calidad. Ya han dejado atrás las canciones de cantantes melódicas y ahora se sienten más influidos por bandas británicas como The Rolling Stones o The Beatles, o españolas como [grupo slug="lone-star"]Lone Star[/grupo] y, especialmente, [grupo slug="los-salvajes"]Los Salvajes[/grupo]. El local de ensayo es el ático de la vivienda de los padres de Quicler, en la Rúa Caldeirería de Santiago, en donde también celebran acalorados guateques. La familia de Quicler, en particular doña Charo, madre del batería, es un factor clave en la formación y consolidación del conjunto, ya que no solo apoya al mismo a la hora de ensayar y conseguir nuevo material, sino que además les proporcionará vistoso y variado vestuario para las sesiones de fotos y actuaciones, y también avituallamiento y apoyo moral en las salidas que realizan. Además, la familia contaba con una casa en la localidad coruñesa de Porto do Son, donde el grupo pasaba los veranos y que fue escenario de muchos de sus recitales. Esta circunstancia habría de jugar un importante papel en beneficio de la popularidad del conjunto en el futuro, como veremos. En lo que resta de año, Linces aparecerán principalmente en colegios e institutos de Santiago, pero enseguida ampliarán su rango de acción a otros escenarios compostelanos, como el del Aeroclub, en el cual llegarán a ser banda residente, el Salón Teatro, cuyos conciertos matinales de los domingos siempre estaban concurridísimos, o el Hostal de los Reyes Católicos, donde funcionan como complemento yeyé de la orquesta de turno. 1968 comienza con el primer cambio en la formación, al ser sustituido Paco por José Luis Moure al bajo. Este instrumento será, en palabras de los propios Linces, el más volátil, ya que será ocupado por cuatro músicos diferentes en el espacio de cuatro años. Por estas fechas, se hacen con mejor material al adquirir una batería Ludwig, un bajo Höfner y una guitarra Wem de 12 cuerdas y una guitarra eléctrica Galanti, además de amplificadores Vox. Uno de los conjuntos que hasta ese momento prestaban su instrumental a Chema y compañía eran [grupo slug="los-tanos"]Los Thanos[/grupo], que, liderados por [grupo slug="bibiano"]Bibiano Morón[/grupo], estaban considerados como una banda de origen proletario y la competencia directa de los más “pijos” Linces. Sin embargo, dicha rivalidad se daba solamente a nivel musical, y se escenificaba en las encarnizadas “batallas de bandas” del Salón Teatro, en las que los fans de uno y otro conjunto les aplaudían o les abucheaban según su preferencia. El año 1968 se caracteriza por ser el primero de tres años muy prolíficos en actuaciones para Los Linces, que hasta mediados de 1971 tocan por toda Galicia y parte de la provincia de León, amenizando bailes en hoteles, casinos, festivales y salas de fiestas. En septiembre deja el grupo Moure y se integra Andrés Carbajo a las cuatro cuerdas, pero el ritmo de actuaciones, lejos de decaer, se incrementa vertiginosamente en 1969. Sin dejar de actuar en salas, hoteles y casinos, se dejan ver en concursos y certámenes, pero también en festivales benéficos e incluso en las fiestas del Apóstol, en las cuales llegan a actuar junto a [grupo slug="massiel"]Massiel[/grupo], quien se encontraba en la cima de su carrera tras el triunfo en el Festival de Eurovisión del año anterior. La prensa local y gallega suele dedicarles algún artículo con asiduedad, destacando su juventud y desparpajo. Lo que empezó como una diversión que les ayudaba a socializar y relacionarse con chicas, tarea delicada teniendo en cuenta la época de represión que vivieron, les permitió descubrir multitud de localidades gallegas y madurar sin complejos hacia la edad adulta. Su chófer, Juanito, les guiaba a las actuaciones que les conseguían los músicos y empresarios Manuel Muñiz y, especialmente, Castiñeiras, ambos vinculados a conocidas orquestas de baile santiaguesas. Todos ellos eran mucho mayores que los componentes del grupo, que pasa a llamarse Linces Pop en el verano de 1969, cuando conocen la existencia de una orquesta en Villagarcía con el nombre de Los Linces. Asimismo, un conjunto de la localidad asturiana de Avilés fundado en 1964 ostentaba la misma denominación. En 1970, y justo después de incorporarse Guillermo Pardavila al bajo en sustitución de Andrés, participan en el programa de Televisión Española Campo Pop, presentado por Alfredo Amestoy. Se trataba de un concurso organizado por el Ministerio de Información y Turismo, y estaba destinado a la red de los 4.000 teleclubs que operaban en aquel momento en el Estado. La finalidad del mismo era la de encontrar al mejor conjunto “pop rural”, que sería escogido de entre los 9.300 pueblos de menos de 10.000 habitantes de toda España. Realmente, el programa no era más que un instrumento de propaganda del régimen, que intentaba mostrar una pretendida modernización del ámbito rural y su población juvenil. Ha de recordarse que en 1970 sólo existían dos canales de televisión en España, ambos controlados por TVE, y que dicho espacio televisivo fue emitido por el primer canal. Esto sirvió para promocionar aún más a Linces Pop, que representaron a Porto do Son (Puerto del Son en aquella época) gracias a su conexión con la villa, y a muchos de tantos desconocidos conjuntos desperdigados por la piel de toro. Linces Pop no ganaron la final, en la que tomaron parte diez conjuntos músico-vocales españoles (entre ellos los pontevedreses [grupo slug="los-cunters"]Cunter’s[/grupo]), pero es una auténtica delicia verles enfundados en abrigos de señora y chupas de cuero mientras interpretan "Whole lotta love", el éxito de Led Zeppelin, al tiempo que se adentran en el puerto a bordo de un pesquero. Además, en esta grabación puede escucharse lo que ellos denominaban cameloff (de ‘camelo’), el “idioma” que utilizaban cuando fingían cantar en inglés, lenguaje que no conocían por ser el francés la lengua extranjera que se enseñaba en las escuelas por aquel tiempo. Led Zeppelin son una de las nuevas influencias que Linces Pop estaban abrazando en esa época, a la que hay que sumarle la de Creedence Clearwater Revival, un grupo americano que dejó una profunda huella en muchos conjuntos santiagueses de finales de los años sesenta. Linces Pop siguen actuando en curiosos eventos como el Baile de los Vampiros organizado en Yohakin (hoy Disco Ruta), la fiesta organizada para los pilotos de aviación del Aeroclub, o una presentación del cantautor asturiano [grupo slug="victor-manuel"]Víctor Manuel[/grupo] en el club Don Juan de Santiago, hasta finalizar el año. A partir de 1971, Tony dejará el conjunto, cuyas preocupaciones pasan ya por centrarse en estudiar las respectivas carreras universitarias e intentar compatibilizarlas con amenizar bailes, regresar a altas horas de la madrugada y subir los pesados amplificadores y el resto del equipo al viejo ático del nº 54 de la Caldeirería, donde no había ascensor. Esta dinámica, unida a la adquisición de nuevas responsabilidades, laborales o estudiantiles, provoca la disolución de Linces Pop en cuestión de meses. No obstante, tras formar otros conjuntos circunstanciales, Chema resucita la marca Linces en 1972 para aprovechar que el nombre seguía teniendo tirón, y, siendo el único miembro de los originales, reclutará a nuevos músicos para la banda, de los cuales habría de destacar en el futuro [grupo slug="emilio-cao"]Emilio Cao[/grupo]. Esta nueva singladura de los Linces se extenderá hasta 1974. En el año 2012 se produce una reunión de Linces Pop que cuenta con los componentes originales Tony Viña a la voz, Emilio Quicler a la batería y Chema Ríos a la guitarra solista, mientras Guillermo Pardavila, que había sido bajista entre 1970 y 1971, reaparece a la guitarra eléctrica. Antonio Yáñez, del grupo coruñés Extrema Urgencia (en el cual también toca Chema) es reclutado como bajista para una única actuación en un festival benéfico celebrado en La Salle, el antiguo colegio de Tony, Chema y Emilio. Paco, que llevaba un tiempo enfermo y que había estado desconectado a nivel personal y musical los últimos 44 años, fallece poco tiempo después. Ya en 2015, tiene lugar una nueva reunión de Linces Pop, y al núcleo formado por Tony, Emilio, Chema y Guillermo se une el bajista Alfonso Espiño ([grupo slug="los-chavales"]Los Chavales[/grupo], [grupo slug="mega-purple-sex-toy-kit"]Mega Purple Sex Toy Kit[/grupo]). En abril participan en un festival de conjuntos compostelanos de los años sesenta junto a The Music Stars y [grupo slug="los-potes"]Los Potes[/grupo], que se celebra en el Teatro Principal de Santiago con el cierre estelar de [grupo slug="lou-reyes"]Lou Reyes[/grupo]. Ese mismo verano regresan a Porto do Son, donde se les homenajea con el motivo de haberse redescubierto la grabación para televisión de 1970, de nuevo popular gracias a la progresiva digitalización del archivo de TVE, que el ente recupera en programas musicales como "Cachitos de Hierro y Cromo" o "Música Ligerísima". En enero de 2016, Linces Pop hacen realidad un viejo sueño: la publicación del LP [disco slug="lo-que-el-viento-no-se-llevo"]"Lo que el Viento no Se Llevó" (Autoproducido, 2016)[/disco], grabado durante el año anterior, en el que su sonido duro se ve aumentado y suavizado por distintas colaboraciones, entre las que cabe destacar las de los antiguos Linces Andrés Carbajo, José Luis Moure y Alfonso Fariña. Actualmente son médicos, abogados, empresarios, pero también padres de familia e incluso abuelos, pero su pasión por la música sigue intacta, y mientras su energía lo permita, Linces Pop seguirán actuando para las viejas y las nuevas generaciones de aficionados.

Los Diamantes surgen en pleno auge mundial de la beatlemania y de crooners como Pat Boone o Paul Anka en la ciudad costera de Calella situada en la comarca barcelonesa del Maresme. El origen del grupo lo encontramos a finales de los 50 cuando los futuros componentes de esta formación participan en las caramellas que son canciones populares típicas del noreste de Catalunya que se cantan por Pascua, aunque también puede tener temas profanos, donde los músicos cantan al pie de los balcones de las casas para recibir un pequeño donativo. Una parte de estos músicos comprendidos entre diez y doce años, miembros del Frente de Juventudes, se unen para crear La Rondalla y de este modo tocar en las salas de fiestas de la comarca. Al poco tiempo La Rondalla se transforma en Rosamunda y se van incorporando nuevos músicos llegando a tener casi una docena de componentes, entre ellos, Josep Basart, Jaume Rigola y Lluís Bruguet que hace de representante del mismo. La primera batería del grupo la confecciona Jaume y Vicenç Berenguer con una chapa pintada y un parche de piel que sonaba al golpear. A partir de los 60 el grupo se reduce a cinco componentes: Jaume Pagès, Antoni Roig, Vicenç Berenguer, Josep Basart y Josep Oriol Roig. Se profesionalizan y pasan a llamarse Los Diamantes. El nombre del grupo surgió al azar, ya que rellenaron unos cuantos papeles con letras del abecedario y combinándolos dieron con el nombre. La aventura musical de Los Diamantes empieza en los hoteles y salas de fiesta de la costa que iba desde su ciudad natal, Calella, al municipio gerundense de Tossa de Mar obteniendo un notable éxito, tanto, que se les hace necesario conseguir el carnet de artista profesional de Espectáculos y Variedades. En esos primeros años de la década de los 60 empieza el boom de los grupos rockeros en toda España y el quinteto se traslada a Barcelona para comprar a plazos nuevos instrumentos deshaciéndose así de los que tenían antes. Gracias a sus numerosas actuaciones por la Costa Brava y a su caché hizo que en pocos meses tuvieran saldada la deuda. La fama del grupo se empieza a extender y actúan en radios como Radio Miramar o Radio Barcelona, donde participan en el programa "El Gran Show de las 2" (1958) que estaba conducido por Joaquín Soler Serrano; en el show televisivo "Primer Aplauso" (1959-66) presentado por José Luis Barcelona e Irene Mir, o en sitios de postín donde iba, y va, la burguesía catalana como el Real Club de Tenis de Barcelona. Durante las temporadas estivales son habituales en locales como el hotel Jardín de Calella, en salas de fiesta como El Morro Corto de Blanes o en la sala Bergantín de Calella donde serán residentes bastante tiempo, o los clubs La Tortuga o El Bosque de Mataró en donde una vez tuvieron que salir escoltados por la policía. Tuvieron alguna oferta para tocar en Alemania pero debido a la juventud de algunos miembros del grupo les hizo imposible aceptarla. Durante todos estos años compartieron escenario con los grupos y cantantes más cotizados e importantes del país como [grupo slug="Salome"]Salomé[/grupo], [grupo slug="Jose-Guardiola"]José Guardiola[/grupo], [grupo slug="Tony-Ronald"]Tony Ronald[/grupo], [grupo slug="Los-Sirex"]Los Sirex[/grupo], [grupo slug="Los-Mustang"]Los Mustang[/grupo], [grupo slug="Los-Gatos-Negros"]Los Gatos Negros[/grupo] y un largo etcétera. En 1966 editan su primer y único trabajo en un pequeño sello discográfico de Girona. En el EP [disco slug="asi-es-calella-dice-la-gente-solo-estare-manana-es-domingo"]"Así es Calella / Dice la Gente / Solo Estaré / Mañana es Domingo" (Sandiego, 1966)[/disco] todos los temas son composiciones propias firmadas por todos los miembros del quinteto. En su contraportada se podía leer: "El conjunto Los Diamantes es una de las formaciones más veteranas en la ejecución de música moderna con instrumentos electrónicos. Su propia intuición artística y un colectivo sentido rítmico, les hace distinguirse como un conjunto-atracción muy notable. Otra característica del conjunto Los Diamantes es la de ser ellos mismos, autores y creadores de todas las composiciones que interpretan". Pero Los Diamantes no duran mucho más, después de la grabación del EP, Josep Basart abandona la formación por motivos laborales y a pesar de que el resto de componentes continúan la aventura un par de años más con otros miembros a finales de los 60 se disuelven. En activo continuarán Josep Oriol Roig bajo el pseudónimo de [grupo slug="Pep-Xena"]Pep Xena[/grupo] y Vicenç Berenguer como cantante del dúo Flash.

En los años 60 el turismo se convierte en uno de los motores económicos más importantes de este país dando de comer a muchos españoles especialmente en las zonas costeras. Algunos de ellos eran músicos, buenos músicos abocados a entretener a los turistas extranjeros y domésticos en discotecas y salas de fiestas. Uno de los focos principales fueron las Islas Baleares y de ahí salieron grupos como [grupo slug="Los-Beta-Quartet"]Los Beta Quartet[/grupo], [grupo slug="Los-Javaloyas"]Los Javaloyas[/grupo] o Los Mayorics. Formados a finales de los años 50 en formato de quinteto los componentes de Los Mayorics son: Juan Aguiló Simonet (piano, voz), José Gómez Meliá (batería, voz), Francisco Andréu Breva (violín, saxofón), Donato Moreno Manso (saxo, clarinete) y Carlos Álvarez del Rey (bajo, voz). A inicios de 1960 son contratados por el salón Trebol situado en Palma de Mallorca para actuar por la cantidad diaria de doscientas veinticinco pesetas para cada uno. Durante la temporada estival siguen en la capital balear hasta que en septiembre deciden profesionalizarse y deciden trasladarse a Barcelona. Debutan en la sala de fiestas Jardines de Granada situada en la avenida de la Diagonal en el barrio de Les Corts inaugurada en 1955 y cerrada doce años más tarde. Poco tiempo después fichan por el sello Discophon con el que graban su primer y único EP con el nombre de Los Mayorics: [disco slug="verdes-campinas-pide-dos-rosas-adios-maria"]"Verdes Campiñas / Pide / Dos Rosas / Adiós María" (Discophon, 1961)[/disco]. En él nos encontramos con cuatro adaptaciones de éxitos internacionales donde el grupo, con una instrumentación sobria y sin excesos, hacen unas versiones correctas. Ese mismo año, y por mediación de su sello, colaboran con el EP que graba la cantante finesa Seija Lampila para Discophon: "Nuestro Concierto / Poesía en Movimiento / Éxodo / Bonita" (Discophon, 1961). También el sello les presiona para que se cambien el nombre al no ver ningún futuro en Los Mayorics ya que generaba una gran confusión a la hora de escribirlo y pronunciarlo; por lo cual finaliza la aventura de Los Mayorics para dar paso a [grupo slug="los-5-reyes"]Los 5 Reyes[/grupo], llamado así por el segundo apellido del cantante del grupo, Carlos.

Thee Blind Crows son un dúo realmente potente que factura garage punk con influencia del blues clásico. Ellos son Alberto “Al” (guitarra y voz principal) y Diego “Dddelirio” (batería) y llevan unos cuantos años tocando juntos, concretamente desde 2008. Un amigo común los presentó y decidieron montar The Noisy Room. Un proyecto en el versionan clásicos de rock and roll y garage punk. Al tira más por el blues -Robert Johnson, Son House, R.L Burnside, Muddy Waters…-, mientras que Dddelirio tira del garage punk -Staggers, Lords of Altamont, Wau y los Arrrghs!!!, New Bomb Turks, Zen Guerrilla, Jim Jones Revue…- y del punk más clásico como Ramones, Clash, Cramps, MC5, Stooges, Social Distortion… La idea era hacer versiones de grupos que les gustaban, pero el proyecto va creciendo, y cuando está maduro, rebautizan la banda por Thee Blind Crows. Comienzan a aumentar las composiciones propias y a tejer ese sonido crudo y frenético, primitivo y pantonoso, que los caracteriza. El 2010 es un año importante para el grupo. Tras ganar un concurso de bandas graban su primera maqueta: “Thee Blind Crows” (2010). Cinco temas –“Wrong decisions”, “Strong ties”, “The devil blues”, “Goodbye hooker” y “Crossin’ the river”- que sirven para conocer la primera etapa de la banda. Se declaran influenciados por formaciones como “The Black Keys, Flat Duo Jets, Cramps, Jon Spencer Blues Explosion, R.L Burnside...”. Destaca el tema inicial “Wrong decisions”, del que Producciones Mutantes se encargan de realizar un videoclip que se emplea para la BSO de la webserie “Perros”. Son finalistas del certamen “Dalle ao Play” organizado por el I.E.S. Audiovisual de Vigo, y comienzan a tocar regularmente por toda Galicia, incluso en festivales como el Armadilla Rock 2010 (Combarro, Pontevedra). Un año después llega una segunda maqueta: “Thee Lost Tapes” (2011), que recoge “dos de los temas más cerdos” de su primera etapa. Los temas son “Run” y “No good”. Graban un segundo videoclip en directo “Last train”, para la Velvet Live. Una iniciativa conjunta entre Velvet Cave Records y Producciones Mutantes. En 2012 llega su primer LP: [disco slug="too-blues-to-be-punk"]“Too Blues to be Punk, Too Punk to be Blues” (Autoproducido, 2012)[/disco]. Algunos de los temas proceden de dos maquetas: “Rough-And-Tumble” (2012) aporta tres –“Rough-and-tumble”, “Death rides with me” y “Me so horny”- y “Fly with the Crows” (2012) que aporta dos temas –“Long trip” y “Wait for me”-. Se proclaman vencedores del Fest 2013 -el II concurso de bandas del Local de Música de Pontevedra- y comienzan a darle forma a [disco slug="primitive-loud-blues"]“Primitive Loud Blues” (KOTJ Records / Ghost Highway Recordings / H-Records, 2014)[/disco]. Un trabajo salpicado de trashblues, country, punk y garage, en definitiva un rock and roll visceral. La grabación tiene lugar en Litium Records (Pontevedra) con Gonzalo Maceira. La masterización se realiza en Ghetto Recorders (Detroit) por Jim Diamond (White Stripes, Dirtbombs, Sonics, Jon Spencer Blues Explosion,...). Del impactante artwork se encarga Dddelirio a través de su Guillotina Estudio. Él es el responsable de todo el aspecto gráfico de la banda. Producciones Mutantes se encargan de la realización del videoclip “Leavig alone”.

Barbitúricos nacen durante una partida de futbolín en el Bar-Tolo de Compostela. Una formación en la que nos encontramos con tres veteranos de la escena gallega: Vituco ([grupo slug="ruxe-ruxe"]Ruxe Ruxe[/grupo]), Xurxo Pinheiro ([grupo slug="xenreira"]Xenreira[/grupo], [grupo slug="malandromeda"]Malandrómeda[/grupo]) y José Manuel Piedra ([grupo slug="desequilibrio-mental"]Desequilibrio Mental[/grupo], [grupo slug="astarot"]Astarot[/grupo]). Es el el Bar-Tolo en donde dan su primer concierto, el 6 de febrero del 2014 acompañando a [grupo slug="os-novos"]Os Novos[/grupo]. Dos días después ambas formaciones repetían en el Rockin’ Swing de Vigo, y el 11 de marzo en A Reixa (Santiago D.C.). Es una época muy activa para el grupo, en la que los conciertos se suceden, tocan en el Artábria (Ferrol), en la sala Nasa de Compostela con [grupo slug="zenzar"]Zënzar[/grupo] y O Leo i Arremecághona ([grupo slug="das-kapital"]Das Kapital[/grupo]), en Catoira (Pontevedra)… Ellos se definen como una banda de punk rock con las ideas muy claras: “Barbitúricos llegan, tocan y hablan con las chicas y chicos del lugar. Toman cubatas de Larios y le dan caladas a joins de jachís y maría. También son mucho de ir a centros comerciales a comprar trapitos por su condición de esclavos de la moda”. El 2015 es más pausado, por la actividad de las otras bandas de los miembros de Barbitúricos pero el 2016 llega fuerte. Lixo Urbano se encarga de editarles el single en vinilo 7”: [disco slug="barbituricos"]“Barbitúricos” (Lixo Urbano, 2016)[/disco]. Dos cortes producidos por Hevi ([grupo slug="fluzo"]Fluzo[/grupo], Malandrómeda) marcados por los riffs ágiles y cierta mala leche. En la cara A “Escravos da moda”, intensidad en el centro comercial. Punk-power-pop y compras compulsivas, sexo y delirio. En la cara B “Bonnie & Clyde”, rock con tintes surf y ska, y una intro a cargo de Patricia de Lorenzo realmente espectacular. Recordando ese inicio arrollador de "Pulp Fiction" (Quentin Tarantino, 1994). Presentan el single el 13 de febrero con la celebración de una fiesta de San Valentín en C.S. O Pichel (Santiago de Compostela), acompañados por Os Novos y Zënzar.

Outeiro fueron una banda que fusionó rock progresivo y jazz. Una banda pionera en Galicia de muchas cosas. Sus orígenes se remontan al año 79 en Vigo (Pontevedra). Comienzan como trío de guitarra, bajo y batería constituido por Pepe Bordallo de (bajo, guitarra acústica), Fernando Llorca (batería, percusiones y trompeta) y Rubén Péz (guitarra eléctrica y acústica). Al poco tiempo se les une Lorenzo Cuasante (teclados), quien comenta en La Enciclopedia del Rock Sinfónico y Progresivo Español que “me pasaron una cinta que ellos habían grabado como trío con varios temas. Sonaban como un grupo de rock duro pero aquellas grabaciones tenían un toque muy original y exótico (incluso demasiado romántico) como para ponerle etiquetas. A cambio faltaba armonía y la métrica por la que se regían era bastante arbitraria (imagina un compás 3/4 seguido de un 4/4 y después un 3/8!) endiabladamente complicada y enredosa para la cuadratura de cualquier músico de rock”. En un principio Lorenzo piensa que todo eso son desajustes que había que arreglar, pero escuchando la cinta con atención se da cuenta de que no se trataba de desajustes, que todo ello era premeditado y que era precisamente ahí donde radicaba su originalidad. La música fluía con total naturalidad en Outeiro. Para facilitar la conjunción de todos los miembros, la banda se encierra durante dos meses en un pequeño local de ensayo en el que las canciones van creciendo. Se fija en ellos Ruada, el sello folk gallego que nacía en aquellos años con la pretensión de normalizar la edición discográfica en Galicia, y también, convertirse en el sello encargado de difundir la cultura y la música gallega de raíces. Es importante dejar claro que Ruada se fija en Outeiro porque piensan que se trata de una banda de música celta cercana al folk. Ruada venía de editar [disco slug="o-son-da-estrela-escura"]“O Son da Estrela Escura” (Ruada, 1979)[/disco] de [grupo slug="doa"]DOA[/grupo]. En Outeiro encontramos en ciertos momentos en esa cadencia celta, pero también ritmos progresivos, rock intenso, ritmos exóticos, jazz, sintetizadores… El caso es que a Ruada le interesaba tener en su catálogo una banda que se acercase también al rock progresivo y la banda se va a Madrid a grabar el que sería su primer y único disco: [disco slug="ollos-de-marzal"]“Ollos de Marzal” (Ruada, 1980)[/disco]. El disco se graba en los estudios Audiofilm (Madrid) con Luis F. Soria como técnico. Se trata de un disco de rock progresivo – fusión, en la línea de bandas como [grupo slug="iceberg"]Iceberg[/grupo], [grupo slug="pegasus"]Pegasus[/grupo], [grupo slug="borne"]Borne[/grupo], los Return to Forever de Chick Corea o Colosseum II de Gary Moore. Alfonso Correia se une aportando percusión y flauta dulce. La vida del grupo fue muy efímera pero intensa. El disco recibe muy buenas críticas pero las ventas no van en consonancia. Tocan por distintas ciudades de Galicia durante el verano pero en invierno la banda se separa ante la falta de oportunidades. Pepe Bordallo, que gozaba ya de una amplia trayectoria en bandas como [grupo slug="los-diavolos"]Los Diávolos[/grupo] y con [grupo slug="bibiano"]Bibiano[/grupo] -graba el bajo en [disco slug="alcabre"]“Alcabre” (Explosión, 1977)[/disco]-, se une posteriormente a DOA. Fernando Llorca, por su parte, durante los años 80 y 90 mantiene una constante actividad con [grupo slug="clunia"]Clunia[/grupo] y con otras formaciones del panorama jazz nacional. El disco de Outeiro queda para la historia como una joya oculta que no se ha valorado en su justa medida. Quizás ese sea el precio que tienen que pagar los pioneros por su atrevimiento.