Grupos – La Fonoteca

arrajatabla

Tras liderar [grupo slug="guadalquivir"]Guadalquivir[/grupo] y poner su guitarra en una segunda edición de [grupo slug="triana"]Triana[/grupo], Luis Cobo –[grupo slug="manglis"]Manglis[/grupo]- es uno de los músicos andaluces más requeridos pese a encontrarse a finales de la década de los 80 sin un grupo fijo. Es entonces cuando es invitado a participar en el Festival de la Guitarra de Córdoba de 1989. En ese templo del purismo enchufa su guitarra eléctrica y actúa con [grupo slug="ketama"]Ketama[/grupo]. Poco después actuará en Sevilla junto a [grupo slug="camaron-de-la-isla"]Camarón de la Isla[/grupo]. Es ahí donde va a coincidir con el guitarrista flamenco [grupo slug="raimundo-amador"]Raimundo Amador[/grupo], ex [grupo slug="pata-negra"]Pata Negra[/grupo]. Juntos presentan el espectáculo “Ébano y Márfil” en la Bienal de Flamenco de Sevilla, completando la temporada haciendo mano a mano un buen número de actuaciones en Madrid y Sevilla. Ese es el germen de Arrajatabla, que nace en 1990 al unirse los dos guitarristas, el eléctrico y el flamenco, con el cantante y guitarrista [grupo slug="juan-reina"]Juan Reina[/grupo]. Ese trío primigenio se verá completado con Diego Amador (teclados), Jesús Arispont (bajo) y el batería Manuel Sutil que había formado parte del grupo pop Dulce Venganza. Un séptimo músico que colaborará con ellos en muchas ocasiones será el batería y percusionista, José Antonio Galicia, procedente del mundo del jazz. En 1991, a pesar de no tener disco en el mercado, son ya un grupo importante, que fusiona el flamenco y el rock de forma innovadora. Son invitados a formar parte de la representación de la SGAE en el Festival Yamaha Band Explotion celebrado en Tokyo, donde obtienen el Premio de Oro. De regreso a España grabarán su primer y único álbum: [disco slug="sevilla-blues"]“Sevilla Blues” (Fonomusic, 1992)[/disco], bien acogido en su momento y que con el tiempo ha ido ganando un lugar preponderante en los anaqueles de los seguidores del rock andaluz. Un disco que señala el hermanamiento de dos guitarras bien distintas en su sonido y estilo en una serie de temas que dan una vuelta de tuerca al llamado rock andaluz en mestizaje con el jazz y las músicas étnicas. “Locura de mi sueño” “Soleá del Tío Raimundo” o el propio “Sevilla Blues” son buena muestra de este original sonido. También aparece aquí la primera versión del popular “Bolleré”, que después, en 1995, constituirá el primer gran éxito para Raimundo Amador en solitario. Aparece también el single [disco slug="arrajatabla"]“Arrajatabla” (Fonomusic, 1992)[/disco], aunque será el disco grande el que obtenga una mejor respuesta comercial. Poco más dieron de sí estos Arrajataba. La confluencia de personalidades muy diversas con expectativas musicales muy distintas lo convierte en un grupo inestable que acabará por desaparecer del todo en 1994, aunque ya en años anteriores sus componentes lo comparten con otros proyectos. En 1995 Manglis con Jesús Arispont formarán [grupo slug="manteca"]Manteca[/grupo]. Juan Reina comenzará su carrera de cantaor en solitario. También Raimundo Amador comenzará una exitosa carrera individual. Diego Amador se convertiría con el tiempo en un raro caso de elegante cantaor-pianista, José Antonio Galicia fallecería en 2003 tras haber sido el batería básico de numerosos combos de jazz madrileños. Por su parte Manuel Sutil se afincaría en Sevilla donde compaginará tareas empresariales con diferentes actividades musicales. Arrajatabla fue olorosa flor de un día, condenada de antemano a dejar tras de sí un solo disco, pero un buen disco cargado de aromas y trazas de la mejor música hecha en el sur de España.

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El Concilio Vaticano II (1962-1965) va a cambiar la idea de la música en la liturgia, aceptando todas las formas de música auténtica en la celebración, siempre y cuando tuvieran las cualidades debidas y permitiendo el uso de melodías populares interpretadas en lenguas vivas y autorizando el uso de instrumentos musicales, acabando con la música religiosa obligatoriamente cantada en latín y con acompañamiento de órgano. Esta especie de desacralización va a favorecer enseguida un boom de una nueva canción religiosa enraizada en las músicas entonces de moda. La belga Sor Sonrisa va a alcanzar en 1963 un éxito de tamaño universal y en menor medida el francés Padre Duval y el argentino Padre Alejandro van a seguirla enseguida por esos caminos de la evangelización a golpe de pop. En España en esos años triunfan los conjuntos y serán los más conocidos Las Monjitas del Jeep y Los 4 de Asís gracias a sus publicaciones de discos en sellos comerciales y algunas apariciones televisivas. Los 4 de Asis se forman hacia 1964 en el Noviciado-Seminario Mayor de La Porciúncula en Palma de Mallorca, donde tres novicios franciscanos y su profesor de música forman un conjunto músico-vocal que se adaptase a los nuevos aires musicales que emanaban del citado concilio. Ellos son los mallorquines Francisco Escanelles (voz principal) y Antoni Mulet (contrabajo y voz), el riojano Adolfo Pérez Jiménez (guitarra y coros) y Joaquín Tébar Fernández (órgano y voz), nacido en el pueblo manchego de Miguel Esteban. Al año siguiente actúan por parroquias y centros culturales de las islas con notable éxito. Su primera actuación importante tiene lugar en el Festival de la Nova Canço en La Bitácora. A finales de 1965 les surge la posibilidad de grabar su primer disco para lo que viajan a Barcelona, donde también hacen televisión. [disco slug="san-francisco-yenka"]“San Francisco Yenka / En Ti Confío / Más Allá del Mal / Solo el Tiempo Puede Contestarnos” (Discophon, 1966)[/disco]. Hacen gracia letras como: «Cuentan que Francisco / el santo humilde y manso / cuando reprendía por no obedecer / cuentan que Francisco / daba a sus hermanos / esta santa regla para obedecer: / izquierda, izquierda, derecha, derecha, delante, detrás, un, dos, tres». Aquello se escuchó por una radio dispuesta a poner en la onda una renovación religiosa, aunque ésta viniera a ritmo de yenka. Pero la canción que ahora más nos llama la atención es “Solo el tiempo puede conestarnos”que no es otra cosa que una versión del “Blowin' in the wind” de Bob Dylan con una letra más o menos traducida del original. Por cierto, esta melodía, con ésta y otras letras ha perdurado hasta hoy en el repertorio de numerosos coros parroquiales y es habitual cantarla en las celebraciones litúrgicas católicas. Los 4 de Asís aparecen en revistas como Semana o Fans en amplios reportajes e incluso mantienen por poco tiempo una carrera musical al uso difícilmente compatible con su vida religiosa. Las obligaciones pastorales hacen que Mateo García, otro manchego nacido en Santa María del Campo Rus (Cuenca) sustituya a su paisano Joaquín para grabar el segundo disco del cuarteto. [disco slug="el-fugitivo-digan-lo-que-quieran"]“El Fugitivo / Digan lo que Quieran / Buscando la Luz / No te Vayas al Cielo” (Discophon, 1966)[/disco] viene encabezado por una adaptación más que libre de la música de una serie televisiva que entonces triunfaba a modo. Los tres temas restantes están compuestos por los propios componentes del grupo. Este segundo EP ya tiene menos aceptación y difusión que el anterior, a pesar de canciones pegadizas y rítmicas como “Busca la luz”. Los 4 de Asís mantuvieron sus actividades musicales durante 1967 para desaparecer a continuación. Su música buscaba ser simplemente vehículo para atraer a los jóvenes hacia la Iglesia y homologar de forma atractiva los gustos juveniles del momento a los sentimientos religiosos. Hoy son vistos como una anécdota kistch que refleja la amalgama religioso-social que imperaba en aquellos años 60 y que se reflejaba en todos los ámbitos. Los caminos de estos jóvenes frailes siguieron caminos muy dispares. Antoni abandonaría los hábitos en esos años, Francisco se ordenaría sacerdote y fallecería poco tiempo después. Joaquín marcharía de misionero a Brasil, donde transcurriría su vida y donde fallecería en 2008 en un accidente de tráfico, dejando tras de sí una importante obra educativa y religiosa. El único que seguiría por algún tiempo vinculado a la música fue Adolfo, que durante los 70 mantendría su papel de cantautor religioso y que en la actualidad vive retirado del mundo en un convento de su Rioja natal.

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Bios fue un proyecto de música electrónica con cadencia ambient que nace en Ourense de la mano de Coché Villanueva y Maxo Nóvoa. Lo cierto es que fueron unos rara avis, pioneros dentro de la escena gallega, a la hora de acercarse al new age con tintes sinfónicos y espaciales. Todo se remonta a mediados de los años 80: “Comencé con Maxo Nóvoa con el que pasaba horas escuchando música. Hacíamos grabaciones con aquellos teclados y demás instrumentillos en cinta a doble velocidad que luego reproducidas a velocidad normal creaban una atmósfera increíble digna de los mejores tiempos de Tangerine Dream. Una de nuestras influencias. Más tarde con la incorporación de bajo y batería se formó la banda [grupo slug="biosbardos"]Biosbardos[/grupo] de rock sinfónico popular, se decía, por la incorporación de instrumentos como la flauta o la gaita” comenta Coché. Biosbardos fueron una banda de rock sinfónico con cierta cadencia folk en la que además de Coché y Maxo nos encontramos a músicos como Xurxo Pombo en la voz y bajo –Carlos Costoya ([grupo slug="los-suaves"]Los Suaves[/grupo]), lo sustituiría posteriormente- o Luis Martín en la batería. Tras el final de Biosbardos, Coché y Maxo se establecen como dúo bajo el nombre de Bios. Un combo con una clara cadencia electrónica y unas influencias muy marcadas: “las influencias que tuve tendría que decir que siguen siendo las mismas que tengo. Tangerine Dream, Pink Floyd, Tubular Bells, Mike Olfield… fueron algunos de los vinilos que me impactaron incluso estéticamente. Al ver aquellas "Part one" y "Part two" del "Ommadawn" (Virgin, 1975) realmente alucinaba. No había cortes en toda la cara del disco. Siempre que hablo de esto tengo en mente las portadas de ‘Rubycon’ (Virgin, 1975), y ‘Tubular Bells’ (Virgin, 1973)” explica Coché. Con Bios entregan un único trabajo que se edita en CD [disco slug="interior-sounds"]“Interior Sounds” (Produccións Trebón, 1997)[/disco] y en cassette [disco slug="sons-do-interior"]“Sons do interior” (Produccións Trebón, 1997)[/disco]. “El sello decidió hacer una cassette para una edición mas local con textos en gallego y un CD mas internacional puesto que teníamos oyentes de otros países”, de hecho, como comenta Coché, el cassette presenta el tracklist en gallego mientras que el CD lo hace en inglés. De hecho, se realizan ventas del disco al extranjero. El disco se graba en los Estudios Bardos, con foto de portada a cargo de Santiago Barreiros. En cuanto al sonido tenemos que hablar de Tangerine Dream, Mike Oldfield, Kitaro o Jean Michel Jarre. Música cósmica con tintes sinfónicos, electrónica melódica con ritmos basados en percusión y secuenciadores. Aparecen referenciados en el libro “New Age” (Cátedra, 1995) de Jorge Munnshe. El tema “The dark journey” aparece como primer corte del CD incluido en la revista inglesa “Sequences nº21” y también en el CD recopilatorio “Electronic Spanish Music Vol. 1” (Lightnet Music, 2000). Bios llamaron la atención del sello inglés Electronical Dreams, que estaba interesado en editarles un nuevo trabajo, “teníamos incluso la portada, pero quizá forzamos demasiado a que editaran en compact disc cuando aún estaba casi comenzando a comercializarse y esto debió llevarles a abandonar el proyecto”. Antes de dejar el proyecto parado, Coché realiza con Maxo Nóvoa la banda sonora del video "Peregrinos" (Canal+) y la del largo "Nena" (1997) de Xavier Bermúdez. Las bandas sonoras de "León y Olvido" (2004), "Rafael" (2009) y "Un Ajuste de Cuentas" (2008), también de Xavier Bermúdez, “Un Cuento Para Olivia" (Manane Rodríguez, 2008) y el corto “Más Allá del Devenir” (Cristian Valenciano, 2009) son obra de Coché Villanueva. “En la actualidad continúo inmerso en el mundo musical sobre todo como bajista de la banda de [grupo slug="miguel-costas"]Miguel Costas[/grupo], pero me ha podido la inquietud de volver a coger la guitarra y estoy grabando lo que espero que en no mucho tiempo sea mi primer disco de rock sinfónico y/o progresivo” comenta Coché. Estaremos atentos.

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Taranis es un dios de la mitología celta, llamado también el atronador por ser considerado el dios del trueno, la luz y el cielo. Era representado con la rueda del cosmos o de la vida, simbolizando el ritmo de las noches y de los días, el universo en su globalidad, la noción de infinito. Ese fue el nombre que adopta la formación folk gallega que desarrolla su actividad entre 1980 y 1990. La banda nace en Lugo con una premisa muy clara: intentar hacer algo más evolucionado de lo que en ese momento se estaba haciendo dentro del mundo del folk. Con la mente muy abierta a todo tipo de estilos, fusionaron el folk con el rock progresivo y el jazz rock. Para ello introducen instrumentos como la batería, la guitarra eléctrica o el bajo. Entres sus miembros nos encontramos a Cándido Díaz, Begoña López, Pedro Vila (guitarra, voz), Manuel Pajón (bajo, pandeiro), Leandro Fernández (percusión, voz), Enrique López (saxo, flauta, gaita) y Rodrigo Moreno (teclados, voz). Pedro Vila venía de [grupo slug="o-carro"]O Carro[/grupo], formación folk con la que graba el LP [disco slug="manifesto"]“Manifesto” (Novola, 1977)[/disco]. Un trabajo grabado en los estudios Eurosonic, producido por Paco Rivera y con arreglos de Eduardo Leyva, director de la orquesta de Radio Televisión Española. En el disco nos encontramos con poemas de Manuel María –“O meu carro”- y de Celso Emilio Ferreiro -“Monólogo do vello traballador”-. El sello gallego Ruada, que en estos años empujaba fuerte la música tradicional gallega, editando a bandas como [grupo slug="outeiro"]Outeiro[/grupo], [grupo slug="doa"]Doa[/grupo], [grupo slug="milladoiro"]Milladorio[/grupo], etc, se encarga de publicarles su primer LP: [disco slug="ith-gael"]“Ith-Gael” (Ruada, 1980)[/disco]. Un trabajo grabado en los estudios Audiofilm con Luis Miguel González como técnico. Xoán Piñón (Doa, [grupo slug="nhu"]NHU[/grupo], [grupo slug="generacion-49"]Generación 49[/grupo], [grupo slug="emilio-cao"]Emilio Cao[/grupo]…) se encarga del diseño y fotografías. En el título vemos que la banda mantiene su gusto por la mitología celta. Ith era uno de los diez hijos de Breogán, caudillo celta. Taranis poco a poco se convierten en una de las bandas folk que más conciertos ofrecía en España, alcanzando cifras de cincuenta actuaciones al año. Y es que su popularidad fue aumentando gracias a que muchas de sus composiciones se utilizaron como sintonías de programas de televisión y radio. Su segundo disco llega en el 85 de la mano de EDIGAL: [disco slug="taranis"]“Taranis” (EDIGAL, 1985)[/disco]. Un trabajo grabado en esta ocasión en los estudios Sonoland con Mauricio como técnico. De la fotografía de portada se encarga Eduardo R. Ochoa. La banda gozaba ya de una gran popularidad, llegando a tocar también por Europa adelante. Cinco años después Taranis entregaban su último disco: [disco slug="sinfonia-do-cebreiro"]“Sinfonía do Cebreiro” (Sons Galiza, 1990)[/disco], editado está vez por el sello lucense Sons Galiza. Un trabajo grabado en los estudios del propio sello con Xoan Casasnovas como técnico. El disco se edita en vinilo, posteriormente en 1999 se lanza una nueva edición en CD. Doce nuevas composiciones, todas propias excepto “Viaxe a Eyre” –adaptación de la canción popular-. Taranis mantienen esa fusión de tradición y modernidad que los convirtió en una banda pionera dentro del folk gallego. El grupo se disolvería poco después, quedando para la historia de la música popular gallega su novedoso tratamiento de instrumentos como la batería o la guitarra eléctrica en conjunción con la gaita. Pedro Vila, en una entrevista concedida a La Voz de Galicia (30/03/2003, entrevista de Ángel Varela) comentaba que tuvieron el mérito de “contar con una personalidad propia, ya que hicimos un tipo de música que ningún grupo gallego había explorado antes. Mejores o peores puedo decir que fuimos originales. Aportamos nuestro granito de arena culturalmente hablando, aunque al final nos separamos por diversas circunstancias, en donde entraban temas familiares y económicos”. En el año 2002 el periódico La Voz de Galicia edita el recopilatorio en CD para la colección Son de Galicia: [disco slug="recopilacion-taranis"]“Recopilación” (La Voz de Galicia, 2002)[/disco].

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“Gog es un ente abisal, omnisciente y drogadicto, oriundo de Innsmouth (Cangas). Se nos apareció a Joao y a mí en O Noso Bar (Pontevedra) y nos encomendó la misión de saquear garitos bajo el disfraz de banda de punk. Luego nos dejó a nuestro rollo, y la cosa nos gustó. Somos como hermanos y llevamos montando bandas desde hace más de 20 años, y esto es una nueva mutación de nuestra entente” explica Luis Boullosa (bajo y voz) aka Cowboy Iscariot. Gog y las Hienas Telepáticas son una banda de veteranos del Vietnam, de supervivientes punk, que desde Pontevedra para el mundo, dan guerra en formato trío, con Luis, el guitarrista José Antonio Pérez (aka Joao Avalanch), y el batería Eduardo Cividanes (aka E.C.). Su sonido, muy personal, remite a un punk rock denso, infeccioso e intenso… “Avalanche es melódico, sintético y afilado, con mucho humor. Yo soy más primitivo y más narrativo. Estilos aparentemente opuestos que se complementan. Hay una cierta telepatía después de muchos años tocando y tomando copas por ahí y hablando de la vida, que eso también importa. No tengo nada particular en mente cuando compongo, aparte de la línea de bajo o la frase desde la que todo crece. Lo que pasa es que hay cosas que uno ya lleva en las venas, sean Motörhead, Dylan, The Pogues, Jesus Lizard, Poison Idea o Beasts of Bourbon. Y al final eso se nota, salvas las distancias. Yo digo que somos una banda de ‘pub punk’, pero la falta de pretensiones y la ambición pueden coexistir” comenta Luis. Su primera entrega llega en el 2013, [disco slug="gloat"]“Gloat” (Autoproducido, 2013)[/disco]. Un disco grabado en tres días en una bodega gallega con el estudio móvil Resacola de Luis de Castro (guitarrista de [grupo slug="5-cobras"]5 Cobras[/grupo]) y mezclado por Antonio Astray en sus estudios Fonoraptor de Madrid. Además Luis pone en marcha la publicación Karate Press, "Karate Press es un proyecto colectivo. Un proyecto que quiere hacer un hueco para bandas de las que se habla poco o mal, y para periodistas y otros locos que tienen cosas que decir. No es una idea en exceso original, pero sí es necesaria. Es sangre nueva para un viejo planteamiento: contar bien las cosas de las que otros no hablan. Algún colgado tenía que organizarlo y me tocó a mí, pero el mérito es de todos. Es fruto natural de la deriva de la prensa especializada hacia el mainstream y el aburrimiento, ni más ni menos. Salvas las excepciones que procedan". Tres años después vuelven a la carga con [disco slug="choke-drown"]“Choke / Drown” (Autoproducido, 2016)[/disco]. Un trabajo que llega con cambio en la batería, Noli Torres entra por Eduardo. “Ahora, con Noli a la batería, hemos ganado solidez y versatilidad. Decía Joe Strummer que una banda sólo puede ser tan grande como lo sea su batería. Con Noli somos más grandes que antes, sin duda”. “Choke / Drown” supera con creces a su disco debut. Está mucho mejor tocado y grabado, más claro sin dejar de ser visceral… “La evolución es marcada. ‘Gloat’ aún me gusta como ejemplo de punk oscuro y guerrillero, pero se grabó contra los elementos, por la necesidad de decir ‘existimos’. ‘Choke / Drown’ es setenta veces mejor en cualquier aspecto, mejor tocado y grabado, más claro sin dejar de ser visceral. Son cuatro años ensayando, girando y viviendo historias juntos: te conviertes en un músico más fiable, el rango de estilos se amplia, aprendes qué cosas puedes hacer y cuales es mejor evitar. Noli acababa de llegar a la banda, pero se adaptó en tiempo record. En Montealto hicieron un trabajo espléndido durante cuatro días, aportando ideas y profesionalidad pero dejando que saliera lo que somos. Es el sitio donde mejor he grabado hasta la fecha. La mano de James Plotkin en la masterización también ayudó”. La banda continúa evolucionando con cada entrega, ampliando registros y mejorando su sonido. No los pierdas de vista.

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Kozmic Blues es un dúo formado por Elisa Sánchez -Elise Denisse- (voz) y Andrés Toimil -Andy Bill- (guitarra y voz) que nace en Ferrol a principios del 2015. Su nombre hace referencia a la Kozmic Blues Band, la banda de acompañamiento de Janis Joplin, que grabaría su segundo LP: “Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!” (Columbia, 1969). Y es que Janis es una de sus principales influencias, junto a otros intérpretes y grupos de folk y rock americanos de los 70, y también de los 90. Podríamos nombrar a The Doors, Big Brother and the Holding Company, The Lovemongers, Tim Buckley o Roky Erickson.

Ganan el Premio Lidera Ferrol de la música 2015 (Concello de Ferrol) y en el mes de julio lanzan su primer trabajo: [disco slug="premonition"]“Premonition” (Autoproducido, 2015)[/disco]. Un disco grabado, producido y masterizado en los estudios de Río Records (Ferrol) que cuenta con el diseño de Pablo Portero. Ellos mismos explican su contenido: “Premonition es nuestro primer álbum de estudio. El disco consta de 10 temas y los hemos dividido por su sonoridad y su significado en dos partes; La Luz y La Oscuridad. Es un álbum que sin duda hace sentir como si se descendiera al famoso infierno que Dante recreaba en la Divina Comedia, con toques sombríos, luces ardientes de realidad, con mucha intensidad y con un pie dentro del existencialismo más sincero y directo”.

“Las canciones las componemos entre los dos o de forma individual, pero los temas que nos gustan son los mismos: el existencialismo, la muerte, el caos y, sobre todo, el amor, pero no en su sentido romántico, sino el amor entendido como un sentimiento muy poderoso e intenso, que puede llevarte a cosas muy buenas, pero también a otras sensaciones que no son tan buenas” explica Andrés en una entrevista en La Voz de Galicia.

En la grabación cuentan con las colaboraciones de Danny Abeledo ([grupo slug="skyhooks"]Skyhooks[/grupo]) -órgano en “On your kness”, “Birds are waiting for me” y “Let me take a breath”; piano en “Fear”- y [grupo slug="ruben-artabe"]Rubén Artabe[/grupo] -guitarra eléctrica, ukelele y coros en “Don't eat your heart out”-. La letra de la homónima “Premonition” es un cut-up realizado a partir de "Kaddish" de Allen Ginsgberg.

En febrero de 2016 presentan su primer videoclip, “Now I Can Feel”, realizado por el ferrolano Pablo Portero, responsable también de todo el aspecto gráfico del grupo. La grabación tiene lugar en distintas zonas de la Costa Ártabra (Ferrol) jugando con las luces y las sombras, la naturaleza y el mar.

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Si hubiera que definir de forma rápida lo que caracteriza a esta banda de Barcelona, habría que mencionar una actitud en constante denuncia de lo que no les gusta, de poner siempre el dedo en la llaga por mucho que se tengan que enfrentar a toda una mayoría enardecida. Rumpelstinkin hacen punk, hacen rock, pero sobre todo, hacen lo que sea porque se les oiga protestar. Armando Soria -Ar Stinkin- militó durante 15 años en [grupo slug="armando-y-el-expreso-de-bohemia"]Armando y el Expreso de Bohemia[/grupo], con los que editó hasta 7 discos. Tras trabajar en la radio en Madrid, Goar lñurrieta ([grupo slug="korroskada"]Korroskada[/grupo], [grupo slug="cicatriz"]Cicatriz[/grupo]) le ofrece formar parte de su proyecto Goar Cicatriz y más tarde de [grupo slug="malditos-bastardos"]Malditos Bastardos[/grupo]. Con ellos estaría hasta que puntos de vista diferentes terminan por apartarle del proyecto. Tras marchar a Barcelona, inicia estudios de Ciencias Audiovisuales, donde conoce a Walter Enríquez (Late so Late, Se Atormenta una Vecina). Ar, que ya viene rumiando desde hace tiempo, lo de poner en marcha un grupo de música, le cuenta la idea a su nuevo amigo. Convencido, Walter se encargará de la guitarra en lo que él haría lo propio con el bajo y el microfono, faltando tan solo un batería. El proceso de selección de posibles candidatos no fue tarea fácil: “En Barcelona todavía sigue muy asentado el rock catalá blando”, contaba Ar. Sin embargo, cuando andaban cercanos a la desesperación, encontrar a Ángel del Demonio (Txicomorao, Activos Tóxicos, [grupo slug="la-fura-del-baus"]La Fura del Baus[/grupo]) y escucharlo en una prueba vino a ser un amor a primera vista. El trío no tiene previsto en principio centrarse en un estilo concreto. A pesar de no contar con nada premeditado, el caso es que sus primeras composiciones les sitúan en parámetros cercanos al punk metal. “Algo inclasificable como Motörhead”, confiesan. Como nombre para el grupo piensan en el de Rumpelstinkin, el enano saltarín del cuento de los Hermanos Grimm, pensando, eso sí, en darle una vuelta más de tuerca: “Se trata más bien de un estado de ánimo. Lees las noticias en la tele y luego te miras en el espejo: Ves a Rumpelstiltskin, es él el que habla por nosotros”. Y es que sus textos son reivindicativos, “pero claro, es que en estos momentos…” Empezarían los ensayos en 2013 en Bellvitge y preparan incluso conciertos sin nada de publicidad, convocando a gente en locales pequeños que les sirven de rodaje. El debut en serio se produciría en la sala Salamandra. Al poco tiempo entran en los estudios Aurha de Mauricio Tonelli donde dejan registrada lo que consideran una primera maqueta. El técnico, que acredita colaboraciones con [grupo slug="albert-pla"]Albert Plá[/grupo], Blur, [grupo slug="sopa-de-cabra"]Sopa de Cabra[/grupo] o [grupo slug="estopa"]Estopa[/grupo], apuesta decididamente por el grupo, facilitándoles las condiciones de trabajo en su estudio. Envían la grabación a Clipper’s Rock para recabar su opinión y gratamente sorprendidos comprueban que al sello le han gustado, y mucho, los temas de la cinta. Es así como editan su disco de debut, el EP [disco slug="bendita-sea-tu-ira"]“Bendita Sea tu Ira” (Clipper’s Rock, 2014)[/disco]. El debut contenía temas potentes de denuncia que cubren desde el maltrato y abandono de animales hasta el aparente olvido de la población acerca de los problemas de todos los días en cuanto toca celebrar triunfos deportivos. Plazas de toros, campos de futbol e iglesias ocupan los espacios en los que podría haber universidades, tal y como explican en el videoclip que prepararon para “Welcome to Garrulandia”. “No nos llovieron tantas críticas. Al contrario. Campeones del mundo de futbol, pero ¿es lo único de lo que podemos estar orgullosos? Hay otra España muy diferente, eso de la marca España no es real" se lamentan. Aprovechando lo aprendido durante sus estudios de Audiovisuales también prepararían otros para “De mal en peor” o “Animalízate”. En la elaboración de este último la banda termina tocando entre perros que, como confesaron en privado, no tuvieron reparo alguno en orinarles en los instrumentos en lo que rodaban. La experiencia resulta positiva, de tal manera que el sello les ofrece ahora la posibilidad de sacar un trabajo de larga duración, corriendo con los gastos de grabación y producción. Apenas habían dado media decena de conciertos desde la edición del EP, cuando el trío barcelonés decide repetir con en el mismo estudio, Aurha, tras mandar pruebas a diferentes estudios (se llegó a barajar la posibilidad de enviarlo a EE.UU., aunque resultaba excesivamente caro). [disco slug="del-lado-de-los-malditos"]“Del Lado de los Malditos” (Clipper’s Rock, 2016)[/disco], es un disco cuyo sonido dicen haber trabajado mucho. Grabado durante el otoño de 2015, trabajando sin prisa, tomándose (casi) todo el tiempo del mundo e implicándose enormemente en la masterización. Manifiestan haber crecido en su sonido, que se notan más rodados como grupo, y haberlo pasado bien probando cosas nuevas. La gira de presentación del nuevo trabajo estaba programada para llevarlos a más de una docena de lugares por toda la geografía española, pero una indisposición del batería frustró todos los planes. Aún así, su rock combativo ha compartido cartel por ejemplo con [grupo slug="boni"]Boni[/grupo] ([grupo slug="barricada"]Barricada[/grupo]) en la sala Caracol de Madrid o con [grupo slug="decibelios"]Decibelios[/grupo] en su vuelta reciente a los escenarios. Meditan además sin miedo alguno el participar en algún festival por Europa para el verano y final de 2016.

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A Arturo Rodríguez lo conocemos de [grupo slug="el-cuerpo-del-ritmo"]El Cuerpo del Ritmo[/grupo], un proyecto colectivo con un objetivo claro: “reunir bajo un mismo concepto líneas y composiciones propias alejadas de alguna pretensión personal pero con un trasfondo experimental, multicultural y electrónico”. Tras grabar dos discos deciden parar un tiempo y Arturo comienza un proyecto personal que se mueve entre el pop íntimo y el folk: Indomable. “Fue muy poco a poco y sin darme cuenta. Rasco la guitarra desde hace mucho y siempre me la llevo conmigo. Hace muchos años mis amigos hicieron un fondo y me compraron una española por mi cumple para amenizar nuestras fiestas. En aquel momento tocábamos casi todos así que raro era el día que no aprendías algo de algún colega. Yo continué tocando cuando descubrí que tenía ya una buena dosis de recursos instrumentales en la trastienda. Ahí reposaron durante unos tres años y coincidió que fue cuando estuve en el extranjero. Es anecdótico, pero en esa temporada escribía mucho sobre lo que veía, aprendía y recordaba. Es una cosa que no había hecho antes en mi vida de esa manera, así que un día me pareció oportuno grabar ‘Incondicional e Imperfecto’ para de alguna manera inmortalizar todo aquello” comenta. Un proyecto al que decide darle prioridad, “El Cuerpo está parado, que no muerto. Llegamos a esa decisión cuando yo ya estaba de vuelta por Galicia justo antes de sacar el tercer álbum. La nueva línea que cogimos era cojonuda, estábamos contentísimos con los temas que lo componían pero asomamos la cabeza tras la esquina para ver el panorama, reculamos y acordamos sencillamente esperar para sacarlos en otro momento”. Su primer trabajo, [disco slug="incondicional-e-imperfecto"]“Incondicional e Imperfecto” (Autoproducido, 2016)[/disco], son ocho temas grabados en los estudios Bruar (A Coruña) por Xavier Ferreiro, mientras que la producción y arreglos de piano corrieron a cargo de Sergio Delgado. Leo Sousa se encarga del artwork. Un disco muy orgánico y natural en el que la voz de Arturo y su guitarra acústica son los protagonistas, además de los pasajes naturales que ayudan a enriquecer el sonido, que fueron grabados por el propio Arturo en Ourense, Val Miñor y Oleiros… Un total de ocho composiciones concebidas en sus viajes por Alemania, Australia, Galicia y Madrid. Arturo lo tiene claro, “Indomable es mi proyecto personal definitivo. Desconozco la constancia que llevaré pero sé que siempre va a estar ahí. Ya tengo una pila de nuevos temas, más alegres y más directos pero ahora mismo me encuentro en el punto que me corresponde que no es otro que el de darme a conocer y promocionar el actual disco con el tour que anunciaré próximamente”.

Julio Moya

Actor fue un quinteto madrileño formado en 1985 por el núcleo principal de [grupo slug="Trastos"]Trastos[/grupo] tras la disolución del mismo: Miguel Ángel Lobato (voz), Javier Lobato (batería, percusión), Tores Crespo (guitarra) y Fernando Crespo (bajo) más la incorporación de Francisco Ballesteros (teclados) en sustitución de Luis Carlos Esteban ([grupo slug="Plastico"]Plástico[/grupo], [grupo slug="ole-ole"]Olé-Olé[/grupo]) que en esos momentos tuvo que hacer el servicio militar obligatorio. Trastos era un grupo prometedor formado a finales de los 70 que el pertenecer al sello CBS les supuso una losa difícil de soportar. Acusados rápidamente de impostura, y siendo sometidos a un ostracismo por parte de coetáneos y público, fueron considerados unos advenedizos y se les tacha de montaje comercial. Sobre ellos [grupo slug="Fernando-Marquez"]Fernando Márquez[/grupo] escribiría en su libro "Música Moderna" (La Banda de Moebius, 1981) "Trastos, que carajo, son mucho mejores que otros grupos nuevaoleros con más carisma o mito y se merecen el apoyo del personal. Si este los hunde TAMBIÉN a ellos, que no hable de nueva ola ni de pop ni de nada. Que se reviente el tímpano y no incordie más a la gente que intenta hacer algo en este país. Y en mi pick-up, cuatro temas suenan varias veces al día, tarde y noche: 'A través del sol', 'El loco de la línea 5', 'El botellín' y 'Ponte rimmel'. El que no le gusten Trastos es un anormal." Tras el fracaso comercial del LP en relación a la inversión realiza por CBS, el grupo tenía poco futuro y piensan que lo mejor es que el mismo sello finiquitara el contrato firmado y renacer con otro nombre. CBS les echa un año antes del término del acuerdo. Para no repetir los errores del pasado el quinteto se pasa muchas horas de ensayos, composición y practicando un sonido más contundente que el mostrado hasta esas fechas. En 1985 realizan su primer directo y pronto llaman la atención de un pequeño sello de la capital, Twins, que les ofrece un contrato discográfico. El sello dirigido por Paco Martín poco antes había tenido su primer éxito en la figura de los [grupo slug="Hombres-G"]Hombres G[/grupo] pero por allí habían pasado grupos tan variopintos como [grupo slug="Pistones"]Pistones[/grupo], [grupo slug="los-Rebeldes"]Los Rebeldes[/grupo], [grupo slug="Eskorbuto"]Eskorbuto[/grupo], [grupo slug="Trafico-de-Rubies"]Tráfico de Rubíes[/grupo] o [grupo slug="Brighton-64"]Brighton 64[/grupo]. En octubre de 1986 graban y mezclan los temas de su primer vinilo en los estudios Trak con la ayuda del ingeniero de sonido Eugenio Muñoz, y el técnico auxiliar David de la Torre. Twins les concede libertad total –a diferencia de su relación anterior con la major CBS- y el quinteto produce el single a la vez que se encargan del artwork del mismo. En 1987 editan su primera referencia, el maxi single [disco slug="deseo"]"Deseo" (Twins, 1987)[/disco], con tres temas incluidos del que también editan posteriormente un sencillo con el mismo nombre [disco slug="deseo-single"]"Deseo" (Twins, 1987)[/disco]. El grupo se aleja de la conservadora producción que Jorge Álvarez les hizo para el largo [disco slug="trastos"]"Trastos" (CBS, 1980)[/disco] y las composiciones de Miguel Ángel Lobato se alejan un tanto de las del grupo de origen. Pero la difusión del microsurco fue escasa, el sello no tenía canales de distribución propios, y lo que es peor, sus discos los distribuía CBS por lo cual se dio la brutal paradoja de que el grupo acabó tropezando dos veces en la misma piedra. El grupo se disolvería poco tiempo después.

Ciclon

Ciclón comienza su andadura el día de navidad de 1974 en la sala Noto's de la localidad burebana de Briviesca. El grupo, formado por integrantes provenientes de otras bandas burgalesas, actúan durante los meses anteriores a esta señalada fecha bajo la denominación de Tommy, en homenaje a la famosa opera-rock del grupo londinense The Who. En estos primeros pasos Ciclón está formado por Fidel Marijuan "Fidelito" a la batería, Luis Muro "Luiso" a la percusión y coros, Javier Mata Gamarra "Caporal" a la voz, Aurelio "Hasam" como guitarrista y José Pérez-Cors "Chechu" al bajo siendo éste el único integrante de Ciclón que perteneció a la banda desde el inicio hasta el final. Durante sus casi ocho años de vida el circuito musical principal de la formación fue el norte de la península tocando en casi todas las salas de fiestas y discotecas de la provincia castellana como las burgalesas discotecas Tucán, Godos, Campeador, Dandy's Club o Hawai, así como otras sitas en la provincia como La Colmena en Estepar, la sala Toledo en Villadiego, el Flamingo de Villarcayo, la sala River's de Lerma, la John Lennon de Belorado, el Monte Igueldo en Pampliega y la Rombo y ,la ya mencionada, Noto's de la localidad de Briviesca. El 4 de diciembre de 1976 forman parte del cartel de las 5 Horas de Rock organizado por el promotor José Luis Martínez Verea "Wicha" y celebrado en la discoteca Tucán junto a los leoneses Alazán, y otras tres bandas locales como Señales, Slim-Harpo y Teacher's. Ciclón actúa en formato cuarteto compuesto por Santiago Gómez de la Paz (guitarra), Fernando López (batería), José Pérez-Cors (bajo) y Luis Muro (percusión y congas). Según va creciendo el grupo piensan en la necesidad de hacer algún tipo de escenificación que se adaptase al estilo del grupo y ofrecer algo sorprendente y diferente a lo que se veía en el panorama nacional. Planean comprar un ataúd con el problema consiguiente de que en esos tiempos toda venta de uno tenía que estar justificada por un fallecimiento y figurar en el libro de registros su destinatario. La amistad de Santiago y Wicha con el dueño de la funeraria La Misericordia facilita la transacción camuflada como para uso en una obra de teatro por unas doce mil pesetas. Cuando lo llevaban a los directos la performance era de esta manera: La sala se quedaba casi sin luz y en el escenario quedaba una muy tenue, había una densa nube de humo y olor a incienso con todo el grupo tocando las primeras notas del concierto enérgicamente. Por el sonido de exteriores se empezaban a escuchar unos salmos gregorianos y desde el fondo de la sala una comitiva disfrazada de monjes portaba el ataúd entre la multitud hasta el escenario donde Santiago salía con su Fender para acabar el tema inicial. En 1977 el grupo se reduce a trío debido al obligado paso por el servicio militar de Luis, Santi también la estaba haciendo pero al estar casado con hijos pudo solicitar el traslado a Burgos tras la pertinente jura de bandera. El otro cambio en la formación ese mismo año fue la sustitución del batería Fernando por Enrique Pascual Pérez, también conocido como el Marqués, que provenía del grupo Señales. Quique pasó por Ciclón durante diferentes etapas del grupo, la primera en el año 1977 y la segunda entre 1979-80. Con esta formación actúan en la sala Noto's de Briviesca, aquella donde les vio nacer, junto a un joven [grupo slug=" Ramoncin"]Ramoncín[/grupo] que ese mismo año debutaba en formato físico. Pocos meses dura esta formación de trío ya que pronto se incorpora Francisco Raúl García Álvarez, más conocido como Rocko. Un cantante madrileño, del barrio de Recoletos, que, si bien, su paso por Ciclón no fue muy largo en el tiempo es de una importancia crucial ya que da voz a la única referencia física del grupo. Rocko había empezado en la música por casualidad. En un guateque celebrado en un pueblo de la sierra madrileña, cerca de Torrelodones, el grupo que amenizaba la fiesta se queda sin vocalista debido a una afonía y sabedores de las cualidades de Rocko le invitan a subir para que le sustituya, y ya no se bajará de ahí. Su primer grupo será Relación con los que estará dos años cuando un representante le convence para formar una banda al estilo de [grupo slug="Los-Brincos"]Los Brincos[/grupo] con el nombre de Benson's con los que tocará en la mayoría de salas de la capital sin llegar a nada más. Forma junto a Carlos y Armando de Castro –futuros fundadores de [grupo slug="Baron-Rojo"]Barón Rojo[/grupo] después de pasar por [grupo slug="Coz"]Coz[/grupo]- el grupo Montreal pero dura pocos meses y, ya en 1969, forma el cuarteto progresivo Evasión junto a Juan Márquez (Coz), Luis Angulo ([grupo slug="Pop-Tops"]Pop-Tops[/grupo]) y Miguel Rivas ([grupo slug="Miguel-Rios"]Miguel Ríos[/grupo]) En 1974 se traslada a Burgos por razones sentimentales y al poco de llegar forma parte del grupo Vanadio, que posteriormente se rebautizaría como Karma, cuyos componentes era Rocko (voz), Jaime Casado (guitarra), Carlos Tapia (guitarra), Fernando Isaac López Delgado (batería) y Guillermo (bajo). Su siguiente paso sería la incorporación a Ciclón donde permanecerá un par años hasta 1978, siendo esta la mejor época del grupo, no sólo por la grabación de su único single sino también porque es la época en la que el grupo tiene sus actuaciones más recordadas. A finales de 1977 actúan en las 5 Horas de Rock celebradas en la discoteca Campoamor junto a bandas locales como [grupo slug="Adnoby"]Adnoby[/grupo] y Explosión y, en su primera actuación en directo, [grupo slug="Cucharada"]Cucharada[/grupo] con un jovencísimo [grupo slug="Manolo-Tena"]Manolo Tena[/grupo]. Meses después hacen de teloneros en el polideportivo del instituto Cardenal López de Mendoza del grupo andaluz [grupo slug="Triana"]Triana[/grupo]. El single es grabado entre los meses de abril y mayo de 1978 en los estudios CIMASA, y durante las sesiones del mismo tienen que sustituir al batería debido a un compromiso absolutamente ineludible y de este modo Gregorio Argote Sáez, más conocido como Goyito y que había sido compañero de Santiago en la banda alavesa Formis, pasa a ser el batería de Ciclón en la grabación del disco. En 1978 editan su primera y única referencia física, el single [disco slug="mr-mague-busca-tu-marcha"]"Mr. Mague / Busca tu Marcha" (Nino's, 1978)[/disco] que cuenta con los arreglos del guitarra de la formación, Santiago Gómez de la Paz, la dirección artística de José Luis Martínez Verea "Wicha" -que años más tarde los describía como "Cuando te dan una patada en el cerebro y empiezas a ver estrellas cambia desde el color de tus ojos, hasta el vestido de tu nena. Ciclón es una tonelada de patadas transformadas, a música"- y la producción de [grupo slug="Nino-Sanchez"]Nino Sánchez[/grupo]. Nino había creado el sello que llevaba su nombre para promocionar la escena de la región. La foto de portada fue obra de Luis Belzunce en una casa abandonada en una playa en la provincia de Alicante y el diseño de las letras lo hizo Ana San Martín, por aquel entonces novia del hermano de Chechu. Su presentación lo llevan a cabo en la discoteca Roma en abril de 1979 con la siguiente formación: Arturo Pérez (guitarra), Santiago Gómez (guitarra), José Perez-Cors (bajo) y Luis Muro (sonido y percusión) y Fernando López (batería). Ese mismo año participan en el Melgar Rock & Folk Festival, un evento organizado en la localidad burgalesa de Melgar de Fernamental, donde combinaban los sonidos más duros de grupos como Ciclón o [grupo slug="Milagro"]Milagro[/grupo] –grupo donde tocaba José María Rey posteriormente locutor de Radio3 y Luis Markina posterior batería en [grupo slug="La-Mode"]La Mode[/grupo]- con otros de raíces más tradicionales como [grupo slug="nuevo-mester-de-juglaria"]Nuevo Mester de Juglaría[/grupo], [grupo slug="Yesca"]Yesca[/grupo] y [grupo slug="Candeal"]Candeal[/grupo]. El 1 de septiembre de 1979 participan en las 8 Horas de Rock y Rollo celebrado en Aranda de Duero que cuenta con las actuaciones, entre otros, de [grupo slug="Bloque"]Bloque[/grupo], los arandinos Heinkel que posteriormente pasaron a llamarse Urano, Milagro, el grupo de mimo Galinche, [grupo slug="Peruchos"]Perucho's[/grupo] y el grupo holandés Red Rizla + The Stubs. Ese mismo año Luis deja el grupo definitivamente para, posteriormente, fichar por el proyecto de Carlos Alba la Orquesta Gigante donde coincidirá tiempo más tarde con Rocko. En los años 80 se enrolará en la [grupo slug="Orquesta-Mondragon"]Orquesta Mondragón[/grupo] de Javier Gurruchaga. En esos años Ciclón gozó de su mayor popularidad y su fuente de ingresos era cada vez mayor. De ese modo podían mantener el local de ensayo, comprar nuevos instrumentos e incluso financiarse la grabación del disco. Si bien, esto no provenía de sus participaciones en los diversos festivales, normalmente se asistía prácticamente gratis o el costo que generaba la actuación se lo comía el caché, sino de las actuaciones en las diferentes localidades que celebraban sus fiestas patronales o de quintos. Un tipo de directos que se daba en llamar Pase de Concierto que consistía en realizar un pase, hacia la mitad de la sesión de noche, de una hora y media mezclando temas propios junto con versiones de artistas consagrados como Chuck Berry, The Rolling Stones o Deep Purple entre otros. Finalmente la banda se decide disolver en 1982.

banda

Dani y Diego se conocían desde bien pequeños, desde la época del colegio. Juntos han formado parte de varios grupos, pero es sólo con Las Señoritas Estrechas con el que han logrado cierta estabilidad. La primera formación de este grupo madrileño fue en formato de trío, con Dani al cargo del bajo y la voz, Diego la guitarra y voz y Richi a a la batería. Comienzan a funcionar desde el verano de 2010 buscando para el nombre de la banda algo que pudiera confundir al público: "Queríamos anunciar los conciertos del grupo como si fuera una banda de punk de chicas, y que la gente al vernos salir al escenario se sintiera estafada. Nos íbamos a llamar Las Señoritas pero ya estaba cogido así que tuvimos que ponerle un apellido", nos cuentan. Debutarían con una actuación en una fiesta de la Universidad Autónoma el 21 de octubre de ese mismo año. También en 2010, sólo un mes después de ese primer concierto, grabarían una primera maqueta, "Conozca a las Señoritas Estrechas" (2010). Lo hicieron en un fin de semana del mes de noviembre en su barrio, el de Puerta del Ángel, en los estudios Tema. "La intención era tener algo grabado para enseñar a las salas y poder tocar lo máximo posible" decían. De los detalles técnicos se encargaron Carlos y Víctor Spector. El CD de presentación hablaba de las querencias de la banda por el punk rock vigoroso y de guitarras, de inspiración ramoniana en lo vertiginoso. De hecho extienden sus referencias principales a grupos que canten en castellano en esa onda, señalando explícitamente a [grupo slug="airbag"]Airbag[/grupo] o [grupo slug="shock-treatment"]Shock Treatment[/grupo]. "A partir de ahí, escuchamos cualquier cosa que nos llame la atención: mucha música de los 50 y 60 como rock and roll clásico, doowap, surf, grupos de chicas estilo Ronettes; punk clásico finales de los 70, grupos de los 90 en la onda de Weezer, Nirvana" terminan especificando. Con idea de ir adquiriendo experiencia en directo, se recorren todo el circuito habitual de salas de la capital: Gruta 77, La Mala, El Quinto Pino, Silikona, Cotello... De esta guisa aguantaron hasta 2013, momento en el que se produce el relevo a las baquetas, que pasan a ser cosa de Marcos. A su vez incorporan a Santi ([grupo slug="silly-sally"]Silly Sally[/grupo]), seguidor de alguno de los proyectos previos de Dani y Diego, como segunda guitarra. En noviembre de 2014 van a Valdemaqueda (Madrid) a los Westline Studios de Juan Blas ([grupo slug="nothink"]Nothink[/grupo], [grupo slug="minor-empires"]Minor Empires[/grupo]), donde pasan los 6 días que dura la grabación de su LP de debut: [disco slug="las-senoritas-estrechas-solo-piensan-en-divertirse"]"Las Señoritas Estrechas Sólo Piensan en Divertirse" (Rufus, 2015)[/disco]. Ésa es precisamente una de las condiciones que buscaban para trabajar en el disco: poder estar viviendo allí en lo que estaban grabando. De la producción se encargó Carlos Hernández, quien además mezcló y masterizó. Para la portada volvían a recurrir a una fotografía de chicas como ya habían hecho con la maqueta, aunque en este caso empuñando los instrumentos de música que, efectivamente, llevaría al equívoco al posible comprador desinformado. El disco consolidaba las maneras ramonianas, de punk melódico trepidante en el que los juegos de voces juegan un papel definitivo. Entrega total a la cultura teenager propia de un highschool norteamericano. Diego había estado compaginando su actividad en la banda con tocar como guitarra solista en [grupo slug="fast-food"]Fast Food[/grupo] desde 2012 hasta casi el 2016, pero antes, en 2014, Las Señoritas Estrechas consolidarían su alineación tras una nueva sustitución en la batería, cubriéndose la baja de Marcos con Ángel (Spanky Darth Vaders, Maybe Tonight), que se entera via Hormiga ([grupo slug="pantones"]Pantones[/grupo], Fast Food) de la necesidad de la banda por completar la formación. El disco se presentó el 23 de octubre de 2015 en Rock Palace, en un concierto en el que tocaron con [grupo slug="bit-of"]Bit Of[/grupo] y [grupo slug="psycho-loosers"]Psycho Loosers[/grupo]. Fuera de Madrid, han tocado en Barcelona, en verano de 2104, durante el Sorrofest y al año siguiente tuvieron la ocasión de hacerlo en Castellón, Oviedo y Cáceres.

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Cuerpo Astral son un trío de Monfero (Ferrolterra) que factura electrónica salpicada por muchos otros estilos. Ellas hablan de 100g de electrónica, 62 g de folklores varios, 8g de sabrosura tropical, 40g de hip hop y un toque de reggaetón ilustrado. La banda está compuesta por Vanesa Castro, Iñaki López y Lúa Gándara. “Las tres nos conocíamos de hacía años, de compartir escenarios en la escena gallega. Iñaki y Vane teníamos la banda [grupo slug="os-gru"]Os Gru[/grupo] y apreciábamos la trayectoria de Lúa ¡nos recordaba tanto a Fátima Miranda! Teníamos mucha geometría y gustos en común. Hicimos incluso alguna colaboración… La cosa se veía venir, y en una de esas, Lúa andaba buscando kéfir de agua por facebook, y nosotros teníamos, así que quedamos para darle, y fue cuando apareció el proyecto” explican. Una vez establecido el trío, había que ponerle nombre, se decantan por Cuerpo Astral… “Viene de un verso de un tema: ‘tienes un cuerpo brutal, un cuerpo astral’. Nos hizo gracia. Luego vinieron los significados, pero no son especialmente importantes. En cualquier caso somos como una cosa sola que es una suma de varias”. En su música aunque predomina la electrónica fusionan todo tipo de estilos: copla, folk, hip hop, pop, reggaetón… incluso en directo tienen una puesta en escena de teatro, cabaret… “Nuestras influencias son todo lo que pasa alrededor, y en el espacio en general. Cualquier cosa es susceptible de ser material. Pensamos en formato collage y en imagen, las tres estudiamos Bellas Artes, y eso acaba notándose, por ejemplo en la manera de componer o de resolver en el escenario. También hay grupos como [grupo slug="mecano"]Mecano[/grupo], [grupo slug="parchis"]Parchís[/grupo], [grupo slug="peor-imposible"]Peor Imposible[/grupo], [grupo slug="chico-y-chica"]Chico y Chica[/grupo] o [grupo slug="hidrogenesse"]Hidrogenesse[/grupo], que tienen mucho que ver con nuestra forma de entender la música y la escena. Hemos reflexionado mucho sobre nuestro sonido, y lo hemos estado moldeando como si de un material escultórico se tratase. Hemos usado cortadora láser, un yunque y un martillo. Lúa que es DJ comercial, conoce al dedillo la música mainstream, así que no paramos de actualizarnos en tipos de sonidos y tendencias perreables. Desde que empezó internet no hemos parado de investigar la música electrónica que ha acabado por estar presente en casi todos los géneros, en esa onda últimamente hemos coincidido en cosas como Omniboi o Ehirobo. Por otro lado también nos encanta rebuscar en el pasado, Raimond Scott, todo el desarrollo de la electrónica de baile hasta el dubstep, o el sonido de [grupo slug="lola-flores"]Lola Flores[/grupo] y de las grabaciones old school son referencias del tipo de sonido que nos gusta”. En 2015 incluyen “Todo es malo” en el recopilatorio de la escena de Ferrolterra “Ferror Records Vol. I” (Ferror, 2015), en el que coinciden con formaciones como [grupo slug="quant"]Quant[/grupo], [grupo slug="carrero-bianco"]Carrero Bianco[/grupo] o [grupo slug="alarido-mongolico"]Alarido Mongólico[/grupo]. Junto al sello ferrolano Ferror Records editan su primer trabajo: [disco slug="la-primera-vez"]“La Primera Vez” (Ferror, 2016)[/disco]. Un original sobre sorpresa con un tazo USB en edición limitada y numerada de cien copias, “ya habíamos hecho cosas así, nos encantan las serie limitadas y que a cada persona le toque una cosa diferente. Somos muy de personalizarlo y de tunearlo con amor y picardía. Queríamos jugar con la idea de oráculo, y con repartir pequeños amuletos espaciales y humildes cargados de power. Sí, somos excéntricas y originales, qué se la va hacer. ¿Porqué en USB? El USB es la puerta del presente, nos gusta que nos pinchen en la tele, en el coche, que se nos pinchen por la vena. Como dice Jessi Bulbo ‘llegaré hasta tu casa ya lo verás, así que salvar tus discos ya no podrás’”. Canciones como “Rave en el Pico Sacro”, “Intoxicación” o “Maja y condesa” no dejarán indiferente a nadie.

HugoZombie

Su pasión por los sonidos oscuros, y su manera de trabajar en solitario, semi recluido en su estudio de Miranda de Ebro (Burgos), le llevaría a uno a comparar la actividad de H. Zombie con la del hechicero trabajando en su gruta para dar con la receta adecuada para su brebaje. De forma similar, compone las atmósferas siniestras de unas canciones en las que amigos y colaboradores ponen la voz. Es así, compaginando con su presencia en otros grupos, cómo desarrolla una carrera que se ha centrado, casi siempre, en las tonalidades negras del punk electrónico. Cuando se le pide que se remonte a sus comienzos musicales, sus recuerdos se dirigen a Salamanca, por el año 2000 cuando tocaba con Teniente Corrupto. "Hacíamos punk-rock con influencias de Stooges, MC5, New Bomb Turks, los primeros Hellacopters... Duró hasta que cada uno nos fuimos por nuestro lado". El bajista y cantante de aquella banda terminaría en las filas de [grupo slug="minor-empires"]Minor Empires[/grupo]. "Muerto del asco" en su pueblo, Miranda de Ebro, logró en 2004 convencer a un grupo que hacía versiones de rock and roll para que le aceptasen como segundo guitarra. Se llamaban [grupo slug="the-rockin-pneumonias"]The Rockin' Pneumonías[/grupo] y terminarían grabando un par de CDs y un tercero dedicado a versiones de los Ramones. "Sigo tocando con ellos cuando puedo". También es en 2004 cuando conoce a Mónica Blanco -Lilly Escalofríos-, con la que iniciaría una de sus aventuras más intensas: [grupo slug="naughty-zombies"]Naughty Zombies[/grupo]. Lo que comienza siendo un proyecto a la distancia termina requiriendo de actuaciones en directo y grabación de maquetas, y hasta un EP, animados por el éxito que tienen las canciones de electropunk siniestro que suben a la red. El último año de funcionamiento de la banda coincide, asimismo, con el comienzo de [grupo slug="los-carniceros-del-norte"]Los Carniceros del Norte[/grupo]. La banda, una auténtica máquina de facturar punk oscuro a dentelladas, la forma con Nando Fausto ([grupo slug="paralitikos"]Paralitikos[/grupo]) y [grupo slug="txarly-usher"]Txarly Usher,[/grupo] al que conoce por vez primera en junio de 2005 en el festival El Baile de San Vito de Valencia cuando éste tocaba con [grupo slug="la-casa-usher"]La Casa Usher[/grupo] y Hugo con Naughty Zombies. Para cuando estos deciden parar en 2007, Hugo tiene experiencia de sobra en lo que se refiere a trabajar en solitario en sus Zombiestudios caseros. De hecho, incluso con Los Carniceros del Norte le tocaría funcionar de esta manera, dada la dispersidad geográfica en la que se movía cada uno. Pero la determinación de dedicar su tiempo a un proyecto personal llega con el final de Naughty Zombies: "Empecé a hacer cosas en solitario para llenar ese vacío Quería aprovechar algunas ideas que tenía, y explorar cosas que me apeteciera hacer, sin tener que ceñirme a los corsés estilísticos que pueda tener una banda. Y como valgo para todo menos para cantar, pues o hago canciones instrumentales o busco cantantes". Ésa fue precisamente la fórmula que utilizó con un tema como "Viejos tiempos", que cantó Txarly Usher y que éste incluiría en su disco [disco slug="canciones-asesinas"]"Canciones Asesinas" (Autoeditado, 2008)[/disco]. La interpretación de ese tema en directo por parte de Los Carniceros en La Pequeña Betty de Madrid a modo de presentación del EP, fue lo más cerca que ha estado Hugo de actuar en solitario. "Al no poder cantar en directo me resulta más dfícil llevar mis temas al directo", confiesa el músico. De igual manera, aparece en el que sería el debut del propio Hugo: [disco slug="from-heaven-to-hell"]"From Heaven to Hell" (Blood Pack, 2008)[/disco], un trabajo de cinco canciones en el que se haría acompañar, además de por Txarly, por Toño, compañero en The Rocki'n Pneumonías y Helene. La variedad de lo mostrado sirve como indicativo de las posibilidades del proyecto, tocándose los momentos más intimistas, psychobilly y secuenciaciones. En su segundo disco, [disco slug="mutation"]"Mutation" (Blood Pack, 2011)[/disco], decide adentrarse en territorios electro-industriales. Para las voces tiene como colaboradores a Txarly Usher de nuevo y a J. Oskura Nájera, de [grupo slug="eyaculacion-post-mortem"]Eyaculación Post Mortem[/grupo]. El disco se cerraba con una versión de "Tengo un pasajero" de [grupo slug="paralisis-permanente"]Parálisis Permanente[/grupo]. A pesar de tratarse de un pequeño experimento en el que se probaba una vertiente nueva, el caso es que logró críticas elogiosas en prensa especializada que desconocía las aventuras musicales de Hugo. Su siguiente entrega viene motivada por la insatisfacción que le invade tras la grabación de [disco slug="2013-maniakos"]"2013 Maniakos" (GOR, 2013)[/disco] con Los Carniceros. "Los grabamos a toda hostia en México y no me quedé a gusto con la grabación y quería hacer algo un poco más elaborado". El resultado fue [disco slug="deathrock-is-dead"]"Deathrock is Dead" (Blood Pack, 2013)[/disco] donde repiten los cantantes del disco anterior más Omar F. del grupo mexicano Las Gorgonas. El disco se presentaba con la abigarrada portada diseñada por Axl SlaughterTragic con dibujos impactantes en generosa policromía de zombies (más que probablemente los cuatro implicados, de una u otra manera, en la ejecución de los temas). Con las variaciones propias esperables de cada trabajo en particular, el caso es que el denominador común invariable de toda la producción de H. Zombie es la de las querencias por la música oscura, siniestra. El primer contacto con estas vertientes lo tuvo con The Cramps, en concreto con su tema "The garbageman": "Flipé con ese riff de dos notas y ese sonido, además de su imagen... fue como pensar ¡esto es!". Obligado a precisar qué es lo que m´sa le atrapa del género precisa: "Es dificil de decir, pero supongo que 'el todo', una mezcla de la música, el sonido, la estética, la parafernalia, que sea oscuro, misterioso, inquietante... vamos, como una peli buena de terror". Bien como H. Zombie en solitario, o en la disciplina de los grupos que ha militado, ha dado muestras más que sobradas de lo que disfruta dedicándose a ello.

LaPesteNegra

La suya no fue una propuesta fácil; apostaron por dar a su música texturas densas, llenas de recovecos, de idas y venidas, con continuas paradas para volver al inicio a través de tortuosas espirales; para sus letras eligieron inspirarse en la literatura de malditos, las civilizaciones antiguas y sus correspondientes divinidades: "La Peste Negra es una banda para mentes inquietas. No buscamos la fórmula para gustar", manifestaba el grupo catalán en una entrevista que les hizo la revista Ultratumba, especializada en sonidos góticos y afterpunk. "Nunca íbamos a ser famosos ni lo buscábamos", nos precisaban posteriormente, "Queríamos tener nuestra personalidad como los grupos de los 80s. Que la gente nos escuchara y dijera 'Esto que suena es La Peste Negra', y creo que lo conseguimos". "No sabíamos tocar, teníamos nociones básicas de solfeo y sobre todo teníamos muchas ganas de hacer música", cuentan de sus comienzos; de cuando Eva -Lady Stardust- y Fran - Calígula - deciden poner en marcha en Barcelona, durante el verano de 2002 un grupo animados por su condición de "coleccionistas melómanos empedernidos" de siempre. Ella pondría la voz y guitarra, mientra que él se encargaría de teclados y sintentizador. En principio la percusión la solventarían con una caja de ritmos, a la que además dan el nombre de Allan Kardec, un espiritista del siglo XIX (nos aclaran), pero para el bajo necesitarían hacerse con los servicios de un miembro más. El fichaje se consuma en febrero de 2003, cuando entra Emmanuelle. En un principio, los ensayos tienen lugar en el piso de Lady Stardust. La sordera de una de las vecinas y las prácticas de flauta de las hijas de otra apaciguaba cualquier atisbo de quejas. Y para el nombre eligen La Pesta Negra: "Es la enfermedad más mortífera que asoló Europa, tiene su lado macabro pero también su lado misterioso y poético. Los médicos de La Peste tienen hasta un aire apocalíptico". Poco después entran en estudio para grabar sus primeros temas. En concreto, en el verano de ese mismo año en Can Trons. El resultado, [disco slug="dreaming-demons"]"Dreaming Demons" (Autoproducido, 2004)[/disco], no fue el esperado: "Lo grabamos demasiado deprisa. Toda la calma que tuvimos para hacer los temas nos la cargamos en la grabación". No trabajaron en las mejores condiciones, como relata Lady Stardust: "Yo tenía anginas, tenía la voz fatal pero como teníamos hora no se quiso cambiar para no retrasar más la grabación del EP". Además, no lograron transmitir al responsable del estudio, situado por el Raval de Barcelona y que estaba especializado, sobre todo, en grabar artistas filipinas cantando boleros, qué es lo querían: "No entendía los delays y las reverbs que queríamos meter en los temas, de hecho no entendió nada creo yo. Le llevamos un disco de Christian Death, pero tampoco sirvió", relatan desolados. El disco de debut traía media docena de canciones cantados en inglés en los que, a pesar de que se apuntaban algunas de las coordenadas en las que trabajarían posteriormente, mostraban todavía las consabidas limitaciones de un primer trabajo. Durante la grabación de "Dreaming Demons" se produce la incorporación de David Güell (Niños Dioses), que se encargará de la guitarra (posteriormente tocaría como bajista en [grupo slug="eyaculacion-post-mortem"]Eyaculación Post Mortem[/grupo]). No se estrenan en directo hasta mayo de 2005, cuando tocan en la sala Mephisto con [grupo slug="paralitikos"]Paralítikos[/grupo]. Aún guardan un recuerdo especial de la ocasión: "Muchos nervios, mucha ilusión y mucho humo. Fue muy mágico el momento antes de entrar en el escenario, nos abrazamos todos y venga, a darlo todo. Habíamos causado mucha espectación por las pintas que llevábamos y la actitud, estaba el listón muy alto. Estábamos muy verdes". En abril de 2006 entra Fernando como batería. El nuevo fichaje había tocado en Uruguay en una banda llamada El Entierro Prematuro, y después lo haría en Stigmatroz, Forgotten Rain, Larva y los ya mencionados Eyaculación Post Mortem, con los que precisamente habían tocado unos meses antes en la sala Magic de la Ciudad Condal. En este formato de quinteto funcionan bastante tiempo, tocando junto a [grupo slug="la-casa-usher"]La Casa Usher[/grupo] cuando estos visitaron Barcelona en septiembre de 2006 y con los polacos de Miguel and the Living Dead en su gira española. Dos años después, cuando están a punto de entrar en estudio para grabar los temas de un nuevo disco, [disco slug="voices-from-beyond"]"Voices From Beyond" (Blind Dead, 2008)[/disco], Fernando les anuncia su determinación de dejar el grupo para seguir con sus otros proyectos. Aunque antes de hacerlo, deja grabada su parte, la de la batería. Lo hacen en BCN Arts, en Poble Nou, donde además, tienen su local de ensayo por entonces. La situación se complica cuando también Emma se va por motivos personales durante la grabación, que finalmente les llevó, junto a la mezcla posterior, los meses de mayo y junio de 2008. El resultado se editaría en un sello propio que deciden bautizar inspirados en los monjes de la película "La Noche del Terror Ciego" (1972) de Amando de Ossorio. Para el nuevo disco se grabaron todos los instrumentos por separado. "Creo que le quitó fuerza", comenta Lady Stardust, "La gente siempre nos decía que sonábamos mucho mejor en directo, y era normal". Acuciados por tener un concierto en noviembre en Toulouse (Francia), consiguen sin embargo cubrir la plaza al bajo con Raven (Quidam). Para la actuación utilizarían las baterias que había dejado grabadas Fernando antes de su marcha. El reemplazo a las baquetas llega de manera temporal a principios de 2009 de la mano de Matthew -M-, norteamericano, de paso por España, que se incorpora a la disciplina de La Peste Negra. Con él en la formación tocarían en el Danza Macabra Festival con Go Ape y [grupo slug="morticia-y-los-decrepitos"]Morticia y los Decrépitos[/grupo]. en julio de ese mismo año y con Les Basses a finales. También afrontarían la grabación de un nuevo trabajo, [disco slug="thanatopia"]"Thanatopía" (Zorch Factory, 2010)[/disco], un EP digital de cuatro canciones, en el que tan sólo se separó la voz del resto a la hora de elaborarlo. Orientando su composición en el mundo literario (se incluía un poema de Luis Buñuel, referencias a Alejandro Casona o a "El Golem", (1915) de Gustav Meyrink) la banda cambiaba sensiblemente la manera de encarar la composición de sus letras. Hasta entonces comentaban no preocuparse demasiado por el hecho de su público dudara si tomarse a broma o en serio lo que decían sus canciones. De hecho mencionaban como uno de los rasgos que definían su estilo el de "romper lanzas por causas imposibles, rendir tributo a esos autores malditos de verdad". Cuando Matthew regresa a EE.UU. en 2010 vuelven a verse en la necesidad de encontrar a quien se ocupara de las baquetas. Tras meses de pruebas, incorporan a Pablo. La Peste Negra tocaron con [grupo slug="kante-pinrelico"]Kante Pinrélico[/grupo] en Hospitalet en noviembre de 2010 y algo después con [grupo slug="esa-extrana-sonrisa"]Esa Extraña Sonrisa[/grupo] en Murcia. Para su siguiente disco dijeron haberse inspirado en "las civilizaciones de la Antigüedad y su relación con los dioses, sus ofrendas, sus metamorfosis, castigos y ausencias". Son esos los mimbres sobre los que se sustenta [disco slug="ritos-ancestrales"]"Ritos Ancestrales" (Blind Dead, 2013)[/disco], que incluía versiones de [grupo slug="los-iniciados"]Los Iniciados[/grupo] y [grupo slug="el-ultimo-eslabon"]El Último Eslabón[/grupo]. En lo musical ahondaba en las maneras serpenteantes, oscuras, en los que unas letras, por momentos inquietantes, que pueden llegar a irritar y producir desasoiego. La propia banda ha llegado a definir su música como "estilo retorcido y de vodevil macabro", características que dicen gustar especialmente en Francia, donde tocaron un par de veces más, después de aquel concierto en Toulouse (primero en París en diciembre de 2011 y años después en Burdeos). El último concierto que dieron fue en diciembre de 2014 en Barcelona, antes de parar: "Después de 13 años tocando necesitábamos una parón. A ensayar hay que venir motivado porque tocar música en nuestro estilo es puro hobby. La vida de cada uno se va complicando y bueno fue un momento que ninguno tenía la energía para seguir adelante". Eso sí, no dudan en dejar bien claro que siguen siendo todos muy buenos amigos. Atrás dejan una larga trayectoria apostando por una muy personal lectura de un género como el deathrock, o afterpunk oscuro, habiendo compartido grandes momentos con otras bandas como [grupo slug="sudores-de-muerte"]Sudores de Muerte[/grupo], [grupo slug="naughty-zombies"]Naughty Zombies[/grupo], Eyaculación Post Mortem...

SudoresdeMuerte

Hastío, aburrimiento y cansancio ante la indiscrimada "eclosión de grupos indie-pop", parecen ser las razones fundamentales de peso que llevaron a Pompas Fúnebres y Catalepsia a montar una banda por su cuenta. Eso y la costumbre que tienen las dos amigas de no dejar de hacer nada que se les pase por la cabeza por descabellado que pudiera parecer. Y efectivamente, atrevida era sin duda la empresa. Es el año 2005 y en Murcia no abundan precisamente los grupos de chicas que se planteen la orientación que le quieren dar a su nuevo proyecto: Todo tendría que estar relacionado con la muerte. Como además, se pretende que abundase el humor macabro, adoptan encantados el nombre de Sudores de Muerte que oyen en el relato de una anécdota que le había ocurrido a una conocida: "Supimos que tenía que ser el nombre de nuestro grupo. Creo que ese nombre era algo que nos definía, encierra el humor negro y el doble sentido que siempre quisimos transmitir, aunque muchos no lo entendían", contaban en una entrevista. Mucho del primer año de funcionamiento se pasa más hablando del grupo que tienen que de verdaderos progresos, porque como reconocían "la única que sabía de música era Pompas Funebres". Empezaron con un cantante, Catalepsia al bajo y Pompas Fúnebres a la guitarra. A ella fue precisamente a la que trataba de atraer Desenterrador para el grupo en el que tocaba él (Deus Vult) para que se hiciera cargo de los teclados, pero no funcionó: "No quiso", contaba luego él, "así que como yo no tenía local de ensayo, una batería a la que no sabía darle un ´bombo-caja´ de seguido y mucha curiosidad por aprender decidí empezar a tocar con ellas para aprender un poco a darle aquellos parches”. Aunque venía forjándose en sonidos de black metal, terminaría adaptándose poco a poco a los nuevos aires que le proponían en el nuevo proyecto. El grupo se pone en marcha en septiembre de 2006, siendo su primer concierto en directo el que dieron en un bar del polígono industrial de Alcantarilla de Murcia, "un reducto de música bakala", en septiembre de 2007. La acogida del público allí congregado no fue precisamente la mejor, y alguna de las chicas tuvo que soportar las invitaciones que alguno de los asistentes les hacían para ir a un concierto de B52s que iba a tener lugar por la zona. Pompas Fúnebres describía qué era lo que le atraía, qué buscaba para el sonido de la banda: “El eco de las voces de los cincuenta, el eco en las guitarras surf de los 60, el eco de las baterías de los 80… Quería que todo sonara como si lo hubiéramos grabado en una cueva”. Si había que marcar referencias, entonces se fijaría en Alien Sex Fiend, en las bandas sonoras de "París Texas" (1984) de Wim Wenders o "Twin Peaks" (1990) de David Lynch y Mark Frost, o en [grupo slug="alaska-y-los-pegamoides"]Alaska y Los Pegamoides[/grupo]. Sudores de Muerte dispusieron de un estudio propio en el que poder dejar registrados sus canciones: Central Esclavo, un proyecto personal puesto en funcionamiento por Desenterrador. La primera grabación fue la que hicieron para preparar [disco slug="un-cadaver-en-la-banera"]"Un Cadáver en la Bañera" (La Culpa, 2006)[/disco], su EP de debut con cuatro temas, de los que el primero, el que daba título a todo el trabajo, les hizo empezar a acuñar el término necro-country. Con el tiempo la definición evolucionó, de tal manera que pasaron a hablar de "necromugre para noctámbulos y rostros pálidos". Querían englobar así una mezcla de "garaje, after punk y sonidos retro". Las influencias que decían admitir eran de lo más variopinto: rock and roll, country, glam, psicodelia, new wave, punk y black metal. El debut en CD de los murcianos suena efectivamente crudo en el que las voces femeninas no se alejan siempre de la cadencia que tendrían en un contexto de pop más edulcorado, aunque cuenten historias de cuerpos muertos en el cuarto de baño. Saldría editado incialmente por La Culpa Records, sello de Madrid, pero la banda se encargaría luego de recuperarlo con su propio sello. Tan sólo un año después volverían a la carga con [disco slug="afeita-el-perro"]"Afeita el Perro" (Zombito, 2007)[/disco], donde efectivamente el tema canino se abordaba en dos de los cuatro temas del disco. Junto a los acercamientos a crudezas oscuras tipo Cramps o [grupo slug="desechables"]Desechables[/grupo], el espectro se abre a atmósferas cercanas a [grupo slug="decima-victima"]Décima Víctima[/grupo] o [grupo slug="alphaville"]Alphaville[/grupo]. Emperrados como estaban en un tipo concreto de sonido para sus canciones, las grabaciones terminaban complicándose: "Queríamos grabar lo más parecido posible a como se hacía en la era analógica, con todos los inconvenientes que eso supone. Lo ideal habría sido grabar en un estudio así, que los hay, pero no teníamos dinero. Y en vez de grabar con un portátil, como todo el mundo, siempre teníamos que ir a por el más difícil todavía". La banda desarrolló por otro lado una trabajada puesta en escena en la que no faltaban plumas, purpurina y laca. Desenterrador ya se imaginaba cuál sería la propuesta de Sudores de Muerte desde que se unió a la banda: "Cuando yo entré en el grupo las dos ya tenían muy claro que al escenario no se subían vestidas de vecina del quinto". De hecho mucho de este aparente descaro en escena se convertiría en todo un sello personal: “Nadie por la zona se había puesto a hacer nada parecido (…) Las canciones eran extrañas y se quedaban en la cabeza aunque no quisieras y que llamaba mucho la atención esa formación con dos señoritas en el escenario. Las chicas suelen hacer grupos de pop infantil, no de punk para hablar de la muerte o todo lo miserables de la existencia”, contaban en entrevista. Seis serían los temas que traía su siguiente disco [disco slug="luz-de-gas_sudores-de-muerte"]"Luz de Gas" (Zombito, 2008)[/disco], el primero sin dibujo en la portada y quizá el mejor de los que editaron los murcianos. Tanto las voces como el sonido de la banda manifiesta la madurez que quizás faltaba en sus primeras entregas. Aunque la banda estaba abierta a permitir la evolución del sonido de sus canciones según surgiera sin cortapisa alguna, para sus letras seguía transitando similares parámetros a los de sus comienzos, con la muerte como eje globalizador: "No es el tema principal, pero nos gusta incluir asesinatos, cadáveres y muertos en general en nuestras historias. Como una especie de distintivo, simplemente. Sin embargo, detrás se esconde la soledad, el odio, el amor frustrado y todo tipo de comportamientos perturbados causados por semejante mezcla explosiva. Nos inspiramos en nuestra propia experiencia, exagerándola y añadiendo un toque de ficción sacado de películas, cómics y demás" contaban para Murcia Music. Sudores de Muerte no se prodigaron demasiado en directo. Su lista de conciertos se reduce a unos cuantos eventos en su localidad y en Alicante. Asimismo recuerdan con especial cariño la vez que fueron a Madrid para participar en el LadyFest en 2008 donde tocaron con Lydia Lunch y Jessie Evans: "Aquello fue como viajar a una dimensión paralela”, confesaban en una entrevista. También oficiarían de anfitriones cuando la gira de Monozid y The Holy Kiss pasó por Murcia. Para sus conciertos recurrieron en alguna ocasión a la ayuda de un cuarto miembro, Muerto de Risa (Sepelio Oculto) para que les echara una mano con el bajo. Siempre había estado cerca de la banda, ayudando en pruebas de sonido o vendiendo discos en los conciertos, así que, aunque consideraban el trío como el formato ideal, la incorporación de un bajista liberaba a Catalepsia, dejándole libertad para cantar. La banda se disuelve en 2009: "No hubo motivos, simplemente tenía que pasar", contaba la cantante. La pena sería que la reedición de "Luz de Gas" en formato de vinilo que les hizo el sello maño Bazofia Records no llegaría hasta dos años después por retrasos en el prensado, saliendo a la calle con Sudores de Muerte desaparecido.

ANTI-S-_perfil_2-480x480

Anti S es el álter ego de Santi Zubizarreta. Un polifacético artista vigués que se mueve principalmente en dos campos: el diseño gráfico y la música. En el campo del diseño y las artes gráficas muestra un gran interés por el cómic underground, los fanzines, la cultura skater… todo ello le sirve para crear un universo propio y muy personal que queda reflejado en cada uno de sus trabajos. A nivel musical el punk y la experimentación son los caminos a seguir. Santi conjuga ambas facetas, la musical y la artística, elaborando gran cantidad de carteles de conciertos y diseños de discos. Es el responsable de trabajos de [grupo slug="lobishome"]Lobishome[/grupo], [grupo slug="vietnam"]Vietnam[/grupo] o [grupo slug="telephones-rouges"]Telephones Rouges[/grupo]. En 2013 pone en marcha [grupo slug="los-locos-hongos"]Los Locos Hongos[/grupo]. Un dúo con Benjamin L (batería y voz) en le que se encarga de guitarra y voz, con el que fusiona noise rock, grunge y punk. Entre sus influencias bandas como Beat Happening, Cosmic Phychos, [grupo slug="srasrsra"]Srasrsra[/grupo], Stooges, Mudhoney, Pavement, Sonic Youth, Nirvana, Flaming Lips o Butthole Surfers. Vinculados al colectivo vigués Seara, graban varias maquetas y un split con Vietnam, [disco slug="los-locos-hongos-vietnam"]“Los Locos Hongos / Vietnam” (Seara, 2013)[/disco], que se edita en cassette. En él ocupan la cara A, aportando dos temas: "Trufinhas", canción marca de la casa llena de riffs y rítmicas contundentes apoyados en sus definitorios juegos de voces, que finaliza con el delirio sonoro propio de sus directos; y "Púdrete", tal vez uno de sus mejores temas, de obligada escucha de principio a fin por razones líricas. Tras colaboraciones con otros grupos y exposiciones de sus trabajos y diseños, Santi decide crear un proyecto en solitario de carácter experimental, “de deconstrucción musical basado en guitarras eléctricas y voces espectrales en el que confluyen ecos de la no-wave con el punk más corrosivo y destartalado en un envoltorio lo-fi”. Así es cómo nace Anti S, música con “un carácter extremo que se basa en la búsqueda de emociones, en arrebatos eléctricos e impulsos sonoros”. Su primera entrega es [disco slug="espectro"]“Espectro” (Orphan Records, 2016)[/disco]. Un trabajo editado en cassette por Orphan Records, el sello de Manu G. Sanz ([grupo slug="indomitos"]Indómitos[/grupo], [grupo slug="selvatica"]Selvática[/grupo]). Quien por cierto, se encarga de la grabación y producción del artefacto. Se trata de una edición limitada a 50 copias en cassette de color verde. El disco es definido como un caleidoscopio sonoro de angustia existencial que no dejará indiferente al que decida penetrar en sus entrañas.

Pseudoparque

Con un dilatado curriculum a sus espaldas que les acredita como activos elementos de la contracultura que recorre el subsuelo musical de la capital, estos guerrilleros y agitadores deciden unir fuerzas en una especie de supergrupo en el que canalizar sus ganas de transgresión. [grupo slug="navajazo"]Navajazo[/grupo], [grupo slug="capitan-entresijos"]Capitán Entresijos[/grupo], [grupo slug="espermatozombies"]Espermatozombies[/grupo], [grupo slug="caniche"]Caniche[/grupo], [grupo slug="fabuloso-combo-espectro"]Fabuloso Combo Espectro[/grupo] o [grupo slug="juana-chicharro"]Juana Chicharro[/grupo] son ejemplos claros de cuáles son las intenciones al decidir poner en marcha un grupo todos juntos. Surgidos durante el transcurso de "una noche de pedo en Lavapiés", no tienen problema alguno en tipificarse como "grupo de borrachera de sábado por la noche que llegó a cristalizar". El reparto de instrumentos respeta el historial de cada uno en sus proyectos anteriores y así Cecilia se encarga de la batería, Juanjo -Antonelli- de los teclados, Guillén de la guitarra, Roberto del bajo y Roxy a la voz. Para comienzos de 2014 ensayan ya en Rock Palace decidiendo su nombre a partir de una expresión de Antonelli en una conversación por teléfono en la que trataba de especificar a su interlocutor por donde andaban ellos. ¿Que qué es por tanto un pseudoparque? "Son esos terruños que tienen un solo banco" explican. Su música no es el resultado de un objetivo concreto, o al menos no creen que la comparación con la propuesta de los proyectos anteriores en los que han estado involucrados sirva de referencia válida: "No nos proponemos hacer nada en concreto. Sólo lo que nos apetece". Tampoco sirve de ayuda indagar entre los discos que pueda escuchar cada uno, porque dicen escuchar una cantidad ingente de cosas distintas. Se les ha podido ver en diferentes salas de la geografía madrileña, como en El Juglar donde tocaron el 23 de marzo de 2015. Un poco más tarde, el 23 de noviembre de ese mismo año, actuarían en La Central de Callao con [grupo slug="las-cruces"]Las Cruces[/grupo]. [disco slug="melodias-simples-sol-y-sombras"]"Melodías Simples / Sol y Sombras" (Producciones Esporádicas, 2016)[/disco] se grabó en los estudios DGR Sónica, donde trabajaron con Krater ([grupo slug="ginferno"]Ginferno[/grupo]). Allí dejaron registrados una decena de temas con los que evidenciaban un estilo bien personal. Sus canciones suenan cacharriles, marcianas, con un punto de aparentes jam sessions libres en las que voces y coros pueden terminar en algo parecido a un aullido o gritos de manifestación o taberna. Letras en francés, inglés y español en combinación con temas eminentemente instrumentales. Antes de que saliera el disco a la calle, se uniría a la disciplina de la banda Ayuso, compañero de fatigas de Roberto y Cecilia en proyectos como Fabuloso Combo Espectro y Juana Chicharro, para hacerse cargo de la guitarra. Él tocaría ya en la presentación que hicieron del disco en la sala Wurlitzer con [grupo slug="the-black-lennons"]The Black Lennons[/grupo] el 25 de junio de 2016. "La frase de Pseudoparque es ¿Y por qué no? ¿Y por qué no vamos a cantar en francés? ¿Y por qué no vamos a meter una slide?..." cuenta Roberto para aclarar el esquema de composición que siguen. Se resisten a admitir que la línea imprevisible, como de jam session anárquica que parecen seguir muchas de sus composiciones sea resultado del azar: "Hay poco de improvisación, no creas. Los temas están pensados, bueno dentro de lo simples que son", explica el bajista. "La idea es hacer temas que no sean habituales, con estructuras raras, dentro del punk, claro, que es de donde venimos todos". Es éste, en realidad, un esquema que no está a años luz de lo que han hecho con algunos de sus grupos previos, aspecto que no tienen problema en reconocer: "Bueno, es inevitable, nos gusta lo que nos gusta y eso se ve reflejado en la música que haces. De hecho intentamos que los temas respiraran de otra manera, pero al final tus influencias salen a relucir toques con quien toques". Dicen tener ya diseñados nuevos temas con los que sacar un EP temático dedicado, por ejemplo, a algún narco iberoamericano ¿Y por qué no?

villavil

Villavil pertenece a la protohistoria de proyectos como [grupo slug="patrullero-mancuso"]Patrullero Mancuso[/grupo] o el sello discográfico Discos Alehop! Concebido como simple divertimento entre amigos el caso es que la asociación que establecieron Murky López y [grupo slug="guiller-momonje"]Guiller Momonje[/grupo] cuando contaban con unos 19 años serviría como campo de pruebas y plataforma de lanzamiento para muchas de las cosas que harían años después. En principio pocos hubieran pensado que en una localidad como Villaviciosa de Odón (Madrid) pudiera llegar a gestarse en la mitad de los 80 una pequeña y activa escena local. Eva García, compañera en muchas de las correrías de Murky, fan y tercer miembro de hecho de Villavil cuenta sobre el origen de este caldo de cultivo: "Recuerdo un pueblo aburrido. Pero estaba el intercambio de discos y cintas grabadas (audio y vídeo), publicaciones: Historia de la Música Rock, Del Rock Espezial al Rockdelux-Ruta 66. Fanzines como el Syn (en el que mi hermano Jusi entrevistó a Tele de [grupo slug="triana"]Triana[/grupo]) y la posibilidad de tocar en locales vacíos que alquilaban a las peñas en fiestas. Empezamos a decir 'Villa is Burning', hay incluso una cinta con ese título. Abrieron nuevos garitos y los ensayos y conciertos se multiplicaron". Villavil no fue el primer grupo ni para Murky ni para Guillermo. Antes de conocerse en 1988, el primero ya había participado cuando tenía 16 años en Los Mierdas (junto con Eva) en 1985 , en Absoluto Disoluto y Los Calambres un año después y como Murky Hole en 1987. Guillermo por su parte, cuando todavía residía en Santiago de Compostela, llegó a tocar junto a su hermano en diferentes proyectos: Kombulsiones SA (posteriormente denominados Los Monje), Efecto Pogo y Harpick & The Matics. Una vez en Villaviciosa, instalado en casa de su tío (pianista), simultaneaba el C.O.U, en instituto de Móstoles, con estudiar batería con Quinito (batería de [grupo slug="raphael"]Raphael[/grupo] en la década de los 60 y 70). Eva, que como Murky, cursaba estudios en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense, recuerda haber conocido a Guillermo tocando la batería de pie en el sótano de los hermanos Godino: "Bordó 'Destruye y Mata' de [grupo slug="desechables"]Desechables[/grupo]". Fue precisamente en aquel local donde Murky y Guillermo empezaron a tocar algo juntos ya a los dos días de haberse conocido. Tampoco sería el único proyecto que pondrían en marcha en ese momento, ya que a la vez iniciaron La Perla, en el que dieron rienda suelta inicialmente a su afición por el post punk siniestro, que terminaría derivando en rock cacharril, llegando a grabar un par de cintas. Sin embargo, con Villavil buscaban desarrollar una línea musical centrada, en principio, en el rockabilly y el country. De hecho el mismo nombre del grupo pretendía ser un juego de palabras con el pueblo y algo que sonase "country y western". Para tocar deciden intercambiarse todos los instrumentos que manejan: "Guitarras, caja de batería, bongós, órgano, piano, armónica, kazoo, flauta, harpa de voca y hasta ondas de radio de onda corta. Una buena temporada usé un tapón de boli que sujetaba a las cuerdas de la guitarra española y al tocarla al aire sonaba a caja y al presionar las cuerdas, a guitarra, esto lo usé en muchas canciones, de esta manera, mientras Murky tocaba una guitarra, yo podía hacer bajos y percusiones", explica Guillermo. Murky indicaba todo lo que utilizaban precisamente para las percusiones: caja de batería, bongos, la funda de una guitarra. Además hacían uso de ruidos sacados, no sólo de la radio, sino "de discos de otros grupos, de un teléfono descolgado..." En seguida se dedicarían a grabar muchas de sus canciones bien en casa de Murky o en el garaje de los tíos de Guillermo, siguiendo la costumbre que tenían en sus primerísimas aventuras musicales, para confeccionar cintas que compartir con los amigos. Por lo general utilizaban "o bien un casete mono o a través de unos micros y una mesa de mezclas conectado a un equipo estereo", cuenta Guiller. Además de encargarse del diseño gráfico con el que se presenta cada una de las cintas, idean un presunto sello discográfico: Paralis Casete. El nombre está inspirado en el título de una de las canciones de La Perla y el logo era "un tío abrazando a una pava en ropa interior lo sacamos de unas pegatinas que venían con la cintas de video vírgenes que pegándolas en un lateral del VHS advertían del contenido de la misma", recuerda Murky. De esta manera editan unas 8 cintas en el par de años que duraría el proyecto: "Villavil" (1988), "La Vie" (1988), "Villadélica" (1988-1989), que como advierte Guillermo se adelantó al "Screamadelica" (Creation, 1991) de Primal Scream, y pretendía ser una aproximación del grupo a la psicodelia, "aunque al final hay unos temas que no lo son", advierte; "Number Rock" (1989), "Estrellas" (1990) que es un grandes éxitos; "Pirata" (1989) que es una colección de descartes de las cintas anteriores; "Sideral" (1989-1990) y "Bisuterías" (1990). La evolución del sonido de Villavil a través de sus cintas mostraba que sus intenciones originales apuntando al rock'n'roll y música vaquera, terminaron derivando en una gran variedad de estilos bastardos: "psicodelia, una ranchera, una mora, tango, swing, jazz casero, twist cósmico, southern soul, barroco submarino, blues tortuoso, swing y tape music hecha con reproductor de cedés, así como destrozos de canciones de Johnny Cash, Hasil Adkins, Elvis, Los Zoom, The Cramps, Count Five, etc..". Eva, que aparecía en la portada de "Number Rock" participó en la grabación de la misma cantando, y en la de "Pirata" (con foto de un melenudo Guillermo en lo que montaba una batería) ponía voz, guitarra y flauta. También es posible oír su voz, guitarra, órgano y palmas en "Sideral", la única de las cintas centradas en exclusividad en un tema, el de la ciencia ficción y el espacio. La grabación de esta última cinta se realizó con un procedimiento algo más sofisticado, ya que emplearon el radiocasete mono habitual y un doble pletina con el que el era posible superponer más música, ruidos o efectos varios, sobre lo ya registrado en las cintas. El universo de Villavil no quedaba reducido a estas maquetas, ya que aprovechando la cámara que tenía por sus estudios en Imagen y Sonido, elaboraron videclips de algunas de las canciones. Es así que para "Módulo lunar", "Odisea espacial", "Chica de Saturno", "Ivy" o "Lily Munster" rodaron escenas de lo más variado: Desde tener a Guillermo en calzoncillos en lo alto de una torre lavándose con una toalla que utiliza para fustigar a alguien que sube a donde está él, secuencias de exterior, los dos amigos tocando en la que parece la habitación de uno de ellos o claroscuros en los que participa la propia Eva. Sólo llegaron a tocar en directo en una ocasión, en 1990 en el bar Curacao de Villaviciosa de Odón, intercambiándose entre ellos bajo, guitarra eléctrica y voces en lo que Nano (Los Calambres) se encargaba de la batería. Del evento quedó recogida alguna canción que se llegó a incluir en una de las cintas. La última grabación que realizaron fue la de una cinta en la que incluyeron cuatro temas de otra y una versión de Elvis en el estudio de Tele, el excomponente de Triana. Villavil se acaba cuando Murky y Guillermo empiezan en serio con Patrullero Mancuso, banda que formaron con Jaime y Manuel Godino. A la dedicación requerida por el nuevo proyecto se uniría la creación de Discos Alehop! en la que saldrían las creaciones de proyectos paralelos de todos ellos como [grupo slug="pretty-fuck-luck"]Pretty Fuck Luck[/grupo], [grupo slug="guiller-momonje"]Momonje y Laluli[/grupo], [grupo slug="grimorio"]Grimorio[/grupo], [grupo slug="pantasma"]Pantasma[/grupo], [grupo slug="solex"]Solex[/grupo] y más tarde [grupo slug="los-caballos-de-dusseldorf"]Los Caballos de Dusseldorf[/grupo]. Preguntados por la posibilidad de que algo de lo desarrollado en Villavil hubiera podido ser germen de la música de Patrullero Mancuso, Guillermo localiza al menos un par de retazos: "Algún instrumental, alguna guitarra años 50 de Murky y algún tema mío de corte retrofuturista, por ejemplo". Todo habría quedado en aquellas cintas grabadas por un par de amigos que decían "matar el tiempo con nuestra pasión" o como comentaba la tía de Guillermo, que simplemente jugaban, de no ser por la edición en vinilo de [disco slug="sideral"]"Sideral" (Alehop! / Walden, 2016)[/disco]. Manuel, responsable de Discos Walden contacta con Eva y Murky con intención de editar material inédito de Pretty Fuck Luck, pero estos le terminan convenciendo de sacar la que consideraban mejor cinta de Villavil. "'Sideral' es indivisible, un trip en toda regla. Con el resto hay dos caminos: selección o sobredosis" contaba Eva para explicar la elección. Guillermo, por su parte, añade :"Porque nos gustan todos sus temas, en comparación con otras cintas que tienen algunos que cojean. Es totalmente conceptual y el tema que trata nos mola, nos gustan grupos que tratan la sci-fi de forma absurda como Devo, B-52's, Revillos, Man or Astro-man? y Servotron". El disco consta de una primera cara con un único corte conteniendo todas las canciones en un solo tema, sin divisiones entre canciones como en una cinta en la que había que rebobinar y adelantar hasta encontrar lo que se quería escuchar. Además, en la segunda cara y sin anunciar, a modo de sorpresa como si de un sobre de cromos se tratara, bajo el nombre de Entrada a Cripta aportaban material inédito de bandas extintas por las que han pasado Murky, Guillermo o Eva: Patrullero Mancuso, Solex, Eko Sisters, Momonje y Laluli, Pretty Fuck Luck o Pantasma. Con ocasión de presentar el disco, el dúo se junta en un concierto que dan el 8 de octubre en Madrid, sin aclarar si existe la posibilidad de verlos en más puntos de la geografía española.

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Thee Boas se forma en Compostela entre el 2008 y 2009, “en un principio era una banda con un sonido más deudor del garage punk de Gories (de hecho Boas de aquellas no tenían bajo en la sección rítmica) o los Saicos que lo que tenemos hoy sobre la mesa” comentan. La formación inicial estaba compuesta por Ana (guitarra y voz), Manuel Eirís (guitarra) y Merchi (batería). Llegan a dar un concierto en el que Julio Boa ([grupo slug="thee-tumbitas"]Thee Tumbitas[/grupo], [grupo slug="motherfuckers"]Motherfuckers[/grupo]) queda prendado de las formas de Merchi a la batería y “por arte de birlibirloque acaba ocupando el lugar de Ana. Seguramente lo que ocurrió fue que Ana estuvo enseñándole a Julio las diferentes artes del universo Boas y cuando consideró que ya estaba preparado le cedió su lugar para así poder dedicarse a una vida más sosegada y enriquecedora en las tierras de fábula de la comarca de Ferrol”. Poco a poco su sonido va modelándose a base de ensayos y conciertos, “pensamos que fueron (son) sobre todo los conciertos el lugar donde nos hemos ido enriqueciendo y curtiendo, fueron (son) los conciertos quienes indican lo que hay que descartar y/o modificar de las canciones que había o nos señalan la posibilidad de recuperar viejas ideas y/o matizar otras”. En ese sonido Boas percibimos crudeza (Gories, Oblivians, Cheater Slicks, Velvet Underground…) y también pasajes más salvajes y pantanosos (Dead Moon, Scientists, Mudhoney…)… “nos gusta creer que aspiramos a hacer canciones que tengan como piedra angular las ‘3 eSes’: Stooges, Scientists y Spacemen 3; es decir la rabia apocalíptica, la oscuridad del pantano y un viaje de psicodelia densa, elementos que intentamos yuxtaponer en una canción”. Thee Boas continúan buscando su sonido y se producen nuevos cambios en la formación, sustituyendo Martín (aka Mack Páramo) –Supercherruy, [grupo slug="psychotic-acid-freek"]Psychotic Acid Freek[/grupo], [grupo slug="los-thyssen"]Los Thyssen[/grupo]- a Manuel a la guitarra y entrando José (Os Anais, The Tractors) al bajo. “Añadir el bajo al grupo obligó a trabajar con otros paradigmas, después cuando Manuel deja el grupo y entra Martín se produce un punto y aparte muy significativo ya que son dos guitarras completamente diferentes. Manuel era el amo del feedback y el ruido, tocar con él molaba pues ni sabías por donde iba a aparecer y los desbarres ruidistas eran maravillosamente demenciales. Martín es otro tipo de guitarrista, más fino en los arreglos, más cercano a la psicodelia, uno de esos guitarras que hacen que las canciones floten, entonces lógicamente el sonido experimentó un cambio”. Con esta formación de cuarteto graban la demo y su primer LP: [disco slug="word-1"]“Word 1” (El Beasto, 2016)[/disco], grabado con Roberto Mallo y masterizado en Grabaciones De Campo por Rafael Martínez Del Pozo ([grupo slug="eliminator-jr"]Eliminator Jr[/grupo]). Manuel sigue implicado con Thee Boas, encargándose de su faceta artística, de hecho, es el responsable de la portada del disco. “Lo primero que tenemos que hacer es darle las gracias a Pablo Electrocute por ponernos en contacto con Roberto Mallo, quien aparte de ser una persona encantadora, es un genio del sonido y de aprovechar los recursos para sacarles el máximo rendimiento. La grabación fue en dos días muy intensos. Roberto (quien ha trabajado con [grupo slug="triangulo-de-amor-bizarro"]Triángulo de Amor Bizarro[/grupo], [grupo slug="puma-pumku"]Puma Pumku[/grupo], [grupo slug="pablo-und-destruktion"]Pablo Und Destruktion[/grupo] o [grupo slug="fantasmage"]Fantasmage[/grupo]) no tiene un estudio como tal, monta sus utensilios allá donde se ha decidido grabar, en nuestro caso era el local de ensayo, que tiene una muy buena acústica. Ahí grabamos (en directo) todo menos las voces (que tuvimos que grabarlas en otro lado) y durante esas grabaciones nos echó una mano, aconsejando y prestándonos guitarras, Álex de [grupo slug="samesugas"]Samesugas[/grupo] (excelente músico, mejor persona y amigo). Lo que pasó es que cuando fuimos a grabar las voces el local estaba ocupado de urgencia para un ensayo imprevisto de un grupo con el que compartimos, una putada que al final no fue tal puesto que decidimos ir a grabarlas a la casa donde vivía José, el bajista, en aquel momento, que es una casa de la zona vieja de Compostela, con su suelo de madera, piedra, pasillo largo… Ahí Roberto montó de nuevo su maquinaria micros por todas partes (¡incluso pegados por el suelo del pasillo!), fue genial. Los vecinos de abajo lo pasaron mejor que nosotros, incluso, ya que tuvimos que interrumpir la grabación de una canción ante los gritos pasionales de ambos mientras follaban, nunca pensamos que nuestro sonido ayudase en el despertar, desarrollo y éxtasis de las pasiones carnales. Posteriormente mezclamos el disco junto a Roberto (quien nos regaló un saxo delirante en la última canción: “Fire”) y como teníamos tan claro que solo iba a salir en vinilo nos recomendó que fuese masterizado por Rafael Martínez del Pozo de Grabaciones de Campo, todo un lujo”. Un trabajo editado en vinilo gracias a la colaboración de El Beasto, Porno, NW Mag Pie Records y el Bar Embora de Santiago de Compostela. “Dándole vueltas a la cabeza con Dani del bar Embora, algo que hacíamos a veces y que consistía básicamente en tomarnos unas copitas de licor café de tarde y sumergirnos en una tormenta de ideas buscando formas de materializar nuestros proyectos, él se ofreció a aportar, bueno el Embora, una parte de la pasta para la edición. Al hilo de eso se nos ocurre que lo ideal sería que lo sacase El Beasto, un sello veterano y/o clásico de Galicia junto con otros sellos emergentes o de reciente creación que compartan cierto gusto o filosofía do it yourself. Esos sellos no podían ser otros que Discos Porno de Ourense (que tristemente ya no existen) y Northwest Magpie records, de A Guarda, el sello que manejan la mejor banda del planeta: [grupo slug="ded-routines"]Ded Routines[/grupo]. La edición se materializó en cierto modo gracias a que somos muy pesados y convencimos a Alberto de que reactivase El Beasto –que en ese momento no estaba funcionando- asumiendo el sello el grueso del gasto y los demás colaboraron. A modo de curiosidad te comento que cada editor tiene un ‘insert’ diferente e incluso los que vendemos nosotros también son distintos y para más inri hay otro encarte distinto que es a color y diferente a todos que está reservado para los discos que regalamos a la gente que de una forma u otra hizo posible todo esto”. Su sonido en aquel momento lo definen como “una psicodelia caótica controlada por la batería de Merchi, una batería muy marcial, muy orgánica”. Se producen más cambios en la formación lo que provoca una mutación en el sonido del grupo. El puesto de Merchi a la batería pasa a ocuparlo Lito ([grupo slug="the-fuzzbombs"]The Fuzzbombs[/grupo]), y Martín decide emigrar a Inglaterra, lo que deja a Thee Boas en formato trío, como en sus orígenes… “ahora somos tres y tenemos que mantener la intensidad que buscamos. Afortunadamente Lito aportó esa intensidad y en cierto modo su batería nos cohesionó de tal forma que descartamos buscar otro segundo guitarra. Ahora los tres sonamos más densos, sin abandonar cierta lisergia y los temas nuevos responden a ese patrón, vamos que sin estar ningún miembro original de Boas el sonido es más Boas que nunca (risas). Sí, vale, somos unos suplantadores de identidad… ¡unos usurpadores!”.

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María José Molina Ruiz nació el 31 de mayo de 1946 en Tánger. Por entonces Tánger era una ciudad bajo protectorado internacional, un auténtico nido de espías gestionado por hasta siete naciones, entre ellas España. Existía allí una amplia colonia española dedicada a los negocios. En 1957, se acaba el protectorado, pasa a ser territorio marroquí y poco a poco las familias extranjeras van abandonando aquella ciudad. El ambiente en que creció influyó no poco en María José, que aprendió desde niña a hablar español, francés, italiano y árabe. Estudió Bachillerato y Arte Dramático en el colegio Berchet. Tánger también influyó en sus gustos musicales, pues allí llegaban discos franceses e ingleses antes que a España, familiarizándose con estilos como el jazz y un incipiente soul, desconocidos en nuestra península. La primera actuación de Mary Gema tendría lugar en Radio Tanger. En 1961 se traslada a vivir unos meses a Barcelona, debutando en televisión en el programa “El Show de las 2”, pero finalmente la familia se afinca en Madrid, concretamente a la zona de Ventas. María José está convencida de que quería hacer carrera en el mundo de la música. Actúa en varias ocasiones en Radio Madrid y en televisión como actriz en el programa “Cuarto de Estar”. En 1964 obtiene el carnet de profesional de cantante. Ese mismo año es contratada por el sello Fonopolis, dirigido por el locutor Andrés Machado. Graba con medios más que modestos su primer disco: [disco slug="te-han-visto-con-otra"]“Te Han Visto con Otra” (Fonópolis, 1964)[/disco] en un claro estilo ye-yé. Una buena voz con tintes norteamericanos, su estilo de vestir con faldas y jerseys muy deportivos marcan la diferencia con otras coetáneas, a pesar de la escasez de ventas de aquel primer EP. [disco slug="todos-quieren-a-alguien"]“Todos Quieren a Alguien” (Fonópolis, 1964)[/disco] será su segundo vinilo. El tema principal es una versión de la romántica y cosmopolita “Everybody loves somebody” de Dean Martin en la que Mary Gema demuestra su calidad. A raíz de este disco, el poderoso sello Philips se interesa por esta cantante semidesconocida que saldrá ganando con el cambio de sello. Su primer disco para Philips será: [disco slug="tu-eres-eso-una-pena-que-olvidar-barcos-trenes-y-aviones-es-a-ti-a-quien-yo-quiero"]“Trenes, Barcos y Aviones / Eres Eso / Es a Ti a Quien yo Quiero / Una Pena que Olvidar (Philips, 1965)[/disco]. Destacan sobre todo las dos primeras canciones, dos buenas versiones de sendos temas de éxito en aquellos momentos. Este disco ya fue más vendido y escuchado que los anteriores y parecía apuntar una prometedora carrera discográfica. Las influencias de las grandes voces femeninas de color aumentan. Le seguirá [disco slug="solo-los-fuertes-solo-los-bravos"]“Solo los Fuertes, Solo los Bravos / Con tu Amor / Me Quedo Aquí / Mi Amor” (Philips, 1966)[/disco] que hasta cierto punto fue un paso atrás en sus aspiraciones y se escuchó bastante menos que el anterior. Finalmente, editaría unos meses más tarde su disco, o al menos su tema, más recordado: [disco slug="rescatame"]“Rescátame” (Philips, 1966)[/disco], una muy buena versión en castellano de uno de los arquetipos de la música soul, el “Rescue me” de Fontella Bass. De manera intermitente y sin nuevas grabaciones individuales Mary Gema siguió trabajando haciendo coros, doblaje y fue una de las primeras españolas en intentarlo en un casi inexistente teatro musical. Poco a poco Mary Gema o Mari José Molina fue siendo olvidada, aunque bien entrados los 70 su nombre sonó como intérprete de la María Magdalena de Jesucristo Superstar. Decepcionada por no obtener ese papel, decidió abandonar toda actividad musical de forma definitiva en 1975. Mary Gema ha sido una de las mejores voces femeninas españolas. Su gran afinación, su voz fuerte en los tonos graves, dura y cargada de decisión hubiera merecido una suerte mejor. Solo Joaquín Hurtado, que escogió su “Rescátame” como sintonía de “Tu Cara me Suena”, programa que durante años emitió Radiolé, la devolvió a unas ondas y a una actualidad que, en general, fueron esquiva con ella. Hoy, cada uno de sus cinco extended plays son codiciadas piezas de coleccionismo discográfico.