Klute

October 9, 2016, 2:40 am

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Klute son un trío formado por Juli (Batería y coros), Kar (Guitarras y voz) y Jai (Bajo y coros) que desde Ferrol desarrollan una personal propuesta que bebe del punk rock, el indie rock y el powerpop de los 90, de bandas como Husker Dü y Dinosaur Jr… “Los noventa es la época que vivimos en la juventud, así que nos ha marcado de manera más o menos inconsciente. Las influencias claras, para nosotros no lo han sido tanto, es decir, no nos hemos fijado en el sonido de una banda o de otra para hacer los temas o sonar de esa manera. De hecho, después de que nos comparasen con otras bandas de esos estilos, las hemos vuelto a redescubrir y nos hemos dado cuenta de que estaban ahí, pero nunca lo hemos hecho de manera intencionada. Como gustos conjuntos, nos une el amor por Nada Surf, Husker Dü y Descendents, por poner un ejemplo”. Aunque la banda es muy reciente, los tres tenían ya un pasado juntos… “Los tres habíamos estado en otro grupo, Krusty, hace muchos años. Además somos amigos de toda la vida, por lo que siempre hemos estado tocando juntos de una manera o de otra. Ahora que hemos coincidido de nuevo al vivir cerca unos de otros, empezamos a quedar y nos salían canciones de manera natural, así que le dimos nombre y se montó la banda”. En 2015 entregan su primer EP, [disco slug="summer-hits-to-sing-along"]“Summer Hits to Sing Along” (Autoproducido, 2015)[/disco]. Seis canciones grabadas con Óscar Quant ([grupo slug="quant"]Quant[/grupo]) y Óscar CGTH, ambos en [grupo slug="weather-underground"]Weather Underground[/grupo]… “Los Óscar son unos tipos encantadores y hemos forjado una relación de amistad que es realmente con lo que nos quedamos. Ya conocíamos otros trabajos grabados por Óscar Quant (con [grupo slug="bang-74"]Bang 74[/grupo] por ejemplo) y su amor por la música, y más allá de su técnica o medios, nos interesaba encontrar a alguien que nos entendiese y dimos en el clavo. Entre los dos nos dieron un empujón y sacaron adelante un trabajo modesto, pero del que estamos orgullosos”. Nos encontramos con melodías contagiosas como la de la impecable canción homónima “Summer hits to sing along”, con guitarras afiladas y canciones con vocación de himno 90s. Un año después llega su segunda entrega, un nuevo EP editado en vinilo 7”: [disco slug="loser"]“Loser” (Sello Bramante / Monasterio de Cultura / CGTH, 2016)[/disco]. Un trabajo grabado en esta ocasión en los Estudios Montealto (A Coruña) y masterizado en North London Bomb Factory Mastering… “Ya planeaba por nuestra cabeza meter nuevos temas en un EP, y apareció Bramante, nos ofrecieron coeditar lo siguiente que grabásemos. Lo que teníamos grabado y temas que escucharon en directos les gustaban. Nos metimos a fondo con ellos, es muy difícil que alguien te apoye a día de hoy y las bandas que tenían en el sello ya nos gustaban mucho ([grupo slug="yawners"]Yawners[/grupo], [grupo slug="roller-coasters-kills"]Roller Coaster Kills[/grupo]…). Sus ideas y las nuestras iban por el mismo camino y ya era cantado que el vinilo, era el formato. Bramante se encargó de buscar más apoyos  y Monasterio de Cultura se sumó a la fiesta, otro sello que seguíamos de cerca y que nos resultaba afín. Les enseñamos los temas en demos y nos metimos en el estudio. Nos lo han puesto fácil y notamos y sentimos un apoyo muy fuerte por su parte”. En esta nueva entrega han buscado “la mezcla de temas nuevos y otros que ya teníamos muy tocados, pero que siguen manteniendo frescura en el sonido y encajan bien en el conjunto. Al final queríamos un EP que sonase como lo hacemos y que aunque con temas de diferente ataque o sensibilidad, no dejan de sonar al grupo”. En cuanto a sus letras comentan que “el contenido de las letras es normalmente muy cotidiana, siempre emocional. Kar se encarga normalmente de ellas y trae alguna idea que siempre va asociada a la melodía inicial que usamos para componer las canciones. Siempre están encaminadas a un punto de vista positivo aunque el tema inicial no lo sea tanto. En este EP nos hemos esmerado en el sentido y la composición y las hemos incluido en el bandcamp para que el que quiera ahonde en el sentido de las canciones”. Una banda con un futuro prometedor.

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Cómo Huele!

October 16, 2016, 11:22 am

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Integrantes junto a [grupo slug="lavabos-iturriaga"]Lavabos Iturriaga[/grupo], [grupo slug="los-santos"]Los Santos[/grupo] o [grupo slug="medanos-de-singapur"]Médanos de Singapur[/grupo], de lo que bien podría haberse denominado como la movida bilbaína de los primeros 80, lo cierto es que la primera formación de Cómo Huele! se gestaría, sin embargo, en Villarcayo (Burgos), el lugar de vacaciones al que acudían con sus padres desde la capital vizcaína. Es allí donde se conocen y ponen de acuerdo para dar salida, a pesar de no tener ni idea de tocar instrumento alguno, a su afición por los sonidos de la nueva ola británica que tanto les atraen. A Buzzcocks, The Jam, Ian Dury o The Clash, se unen a las canciones de Patti Smith o Ramones para convencerles de la necesidad de formar un grupo. Corre el año 1980 y los que se juntan son Íñigo Bilbao (bajo), Juan Martí (guitarra), Guillermo Lombardero (batería) y Borja López de Guereñu (vocalista). Sin haber ensayado ni una sola vez siquiera logran apalabrar una actuación en el instituto Julio Caro Baroja de Getxo (Vizcaya). Tan solo se juntarían un día antes en un local situado en la calle José María Eskuza para poder esbozar un puñado de temas con los que defenderse en su debut en directo. El verdadero debut ante el público se produce sin embargo en la sala La Jaula del barrio de San Ignacio, donde repetirían meses después. Más tarde actuaban también en Greens, situado en Las Arenas (Getxo). Con edades comprendidas entre los 14 y 15 años por entonces, eran, sobre todo “una cuadrilla de chavales con un grupo de música".  Asimismo recalcaban: "Lo importante era nuestra amistad y ganas de diversión”. Esas ganas de pasarlo bien y de bromear son las que les llevan a decidirse por un nombre bien curioso para su grupo recién formado: “Entrábamos los primeros a los clubs y olía siempre que daba asco, ese olor ochentero de que acaban de limpiar la mierda de la noche anterior y que se crea de la mezcla del tabaco con el cubata de ron malo y los productos inexistentes de limpieza..." Guillermo y Jorge Taranco, nuevo bajista de la formación, hablan con Javier Maculet, amigo y vecino del barrio en el que viven la mayoría de ellos contándole de las primeras actividades de Cómo Huele!  Javier, con experiencia de haber tocado con Médanos de Singapur, les invita a venir a tocar a su local de ensayo y así valorar la posibilidad de incluirlos en un festival de punk que andan organizando en Olavega. No sólo lograría que el grupo tocara en el evento, en el que compartieron escenario con Eskorbuto y N-634, sino que él mismo terminaría incorporándose a su formación como guitarra sustituyendo a Juan que no puede acudir a los ensayos. Del festival punk, la crítica de Muskaria no dejó en mal lugar a Cómo Huele! de los que comentaba las cosas "graciosas sobre lesbianas" que decían sus canciones de menos de medio minuto. Borja recuerda la buena reacción del público, cosa que corrobora Roberto Moso en su crónica para la revista, indicando que levantaron "una polvareda que nubló por algún tiempo la actuación". Poco tiempo después de su incorporación graban en la lonja en la que ensayan poniendo un radio-cassette en el suelo la maqueta “¡Qué Bella es Italia!” (1982). La cinta contenía temas como “Tulipunk negro”, “Escondido entre las olas”, “Antiolor a tigre”, “Me quieren hacer comer”, “Soy lesbiana angelical”, “Plantas de interior”, “Galán italiano”, “Anexo”, “Podrida vieja”, “A mil doscientos pies” o “Carmen es perfecta”. Enviada por el grupo a distintas emisoras de radio, lograron que sus canciones se escucharan con cierta frecuencia en programas como los de Jesús Ordovás. La emoción por el país mediterráneo que denotaba el título tenía su razón de ser en la atracción que manifestaban por “la pose y la personalidad de los cantantes italianos de la época, estilo Pino D’Angio, el rollo del galán italiano siempre elegante”. La banda se relaciona principalmente con Nueva Religión, formado en la misma cuadrilla de amigos y del barrio. En sus incursiones desde Getxo hacia Bilbao, el círculo se ampliaba para acoger a los grupos del momento, en una lista que incluía propuestas como las de [grupo slug="n-634"]N 634[/grupo], Ortopedia Ocular, Isidoro y su Colección de Puertas Plegables, [grupo slug="vulpess"]Vulpess[/grupo], [grupo slug="mcd"]M.C.D.[/grupo], Los Santos, [grupo slug="eskorbuto"]Eskorbuto[/grupo], Los Impecables… “Vamos, lo que había en aquel entonces”. La formación de la banda variaba con frecuencia debido, sobre todo, a que los componentes habituales tampoco se tomaban la disciplina de ensayos con extremada seriedad. Así se produce las incorporaciones de Emilio Gil para los teclados, Héctor Gómez para el bajo y Luis “Pajarín” a las percusiones. Ese desenfado, en cambio, se traducía en unas canciones que transmitían frescura y desparpajo. “Una canción no se debería ensayar más de veinte minutos, porque el virtuosismo es un lastre para la creatividad y no deja vivir el momento” decían. Actitud de inmediatez punk, un estilo que les gustaba pero del que decían había que distanciarse: “También había otras cosas y no queríamos quedarnos sólo en una”. Y una de las maneras de poner tierra de por medio era mediante el funk, o más concretamente por medio del “tulipunk funk”, una mezcla de punk, pop con la vista puesta en el universo pegamoide y de nueva-ola. Participarían en el recopilatorio “Sintonía Independiente” (Suicidas, 1983), con “Me quieren hacer comer”, junto a Lavabos Iturriaga, Isidro y su Colección de Puertas Plegables, Los Santos, Rufus, Los Impecables o [grupo slug="zarama"]Zarama[/grupo]. La canción hacía referencia a las dudas de un adolescente a las puertas de tener su primera relación sexual y mostraba maneras de pseudo tecno adelantándose a las que tendría algo después aquel “[disco slug="disco-pocho"]Disco Pocho” (GASA, 1984)[/disco] de [grupo slug="derribos-arias"]Derribos Arias[/grupo]. En la toma definitiva quedó registrado con la caja de ritmos especialmente lenta, en lo que parece fue una respuesta a todos aquellos que les criticaban por lo rápido de todas sus composiciones. La incorporación de Javier supuso un contrapunto interesante a la dinámica del grupo. Borja contaba cómo cuando ellos disfrutaban escuchando a Joy Division, el nuevo fichaje les proponía New Order. Serían ellos dos los que mantendrían el proyecto vivo, ya que el resto termina por desertar ocupados en sus estudios. Desde finales de 1983 Javier se encargaría inicialmente de la guitarra ya las bases rítmicas, mientras que Borja tocaba el bajo y cantaba. Posteriormente este último sólo cantaría, dejando toda la orquestación para su compañero. Tal y como lo describirían muchos años después, entre los dos se repartirían la parte electrónica y la orgánica del proyecto. Su música experimenta entonces una notable evolución. A la frenética actividad creativa de Borja, que escribe “textos breves, melodías e ideas de canciones, muchas veces decoradas con dibujos, madurando cada vez más los textos”, se une la amplitud de miras a la hora de aceptar influencias que reconoce el propio Javier: new wave, electrónica, synth-pop… Con este nuevo formato se presentarían en la sala Gaueko situada en el Casco Viejo de Bilbao el 29 de marzo de 1984, dando así señales de vida tras un tiempo de inactividad del que no se supo nada de Cómo Huele! Gran parte del nuevo material interpretado en aquella ocasión quedaría reflejado en la grabación en el mes de junio del LP [disco slug="romances-y-aventuras"]“Romances y Aventuras” (Ganga, 1984)[/disco], muestra palpable del renacimiento del proyecto. La sesión de grabación tuvo lugar en los estudios Gain de Berango (Vizcaya), cuyos responsables también llevaban el sello Ganga Records encargado de editar el disco. Su intención era la de poner en marcha una discográfica independiente, y con Cómo Huele! corrieron con los gastos tanto del estudio como de la edición. Junto a Javier y Borja participaron José Zumieta al bajo y Pedro M. Hoyuelos a los teclados. Para la revista Muskaria explicaban que en el disco se había desechado la mayor parte del repertorio de las primeras formaciones de Cómo Huele! exceptuando "Me quieren hacer comer", aparentemente "por razones comerciales". En la misma entrevista entendían que "Romances y Aventuras" era "un disco para niños, para teens, para jóvenes, para todo el que le guste la música agradable sin mucho ruido". El disco se presentó en directo en la discoteca Yoko Lennons de Bilbao en un doble pase con sesión de tarde y noche. La intención del grupo era la de sacar también un maxi-single, para lo cual grabarían a finales de 1984 una maqueta con tres temas: “Todo lo que haya que saber”, “Romances y aventuras” y “Escondido entre las olas”. La primera de ellas había dado título al disco y no había llegado a entrar en el mismo porque entonces andaba sin música. Sin embargo todo plan de nuevas ediciones se iría al traste cuando Javier se tiene que mudar a Barcelona y deciden deshacer el grupo. La actividad de Borja se centra entonces en el mundo del soul, participando en la organización de festivales y elaboración de fanzines. Por su parte Javier se dedica a la producción musical, organizando asimismo eventos, sesiones de Djs y conciertos. Pasado el tiempo, Subterfuge edita un disco que recoge el LP y la última maqueta, cuyo paradero desconocía el mismo dúo, y que recuperan gracias a un amigo: Alejandro Arteche. [disco slug="romances-y-aventuras-las-grabaciones-perdidas"]"Romances y Aventuras + Las Grabaciones Perdidas" (Subterfuge, 2016)[/disco] se editó en el Record Store Day en elegante vinilo blanco que incluía unos más que interesantes bonus en "Todo lo que hay que saber", "Romances y aventuras" y "Escondido entre las olas". Reactivados por semejante ocasión, el grupo se prepara para participar en algunos eventos como el de telonear a The Damned en su actuación en diciembre en la sala Jimmy Jazz de Vitoria. Inmersos en el consiguiente ejercicio de nostalgia tras la recuperación de material de la banda, cuando se les preguntaba por las posibilidades de Cómo Huele! de no haber tenido que parar con la marcha de Javier comentaban: “Un momento teenager vivido al máximo es lo perfecto”. Quizás hubieran terminado haciendo algo distinto, tranquilo y más pensado. Por su parte, la escucha del disco tras décadas desde su grabación les lleva a la tentación de querer mejorar muchas cosas: “Cambiaría el sonido global del disco, grabado en cuatro pistas con medios muy limitados”.

Os Amigos dos Músicos

October 22, 2016, 1:46 pm

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Os Amigos dos Músicos es una formación de Ourense formada por experimentados músicos que provienen de grupos y tradiciones diversas, hablamos de bandas como [grupo slug="nino-y-pistola"]Niño y Pistola[/grupo], [grupo slug="blood-filloas"]Blood Filloas[/grupo], [grupo slug="o-sonoro-maxin"]O Sonoro Maxín[/grupo], [grupo slug="annie-hall"]Annie Hall[/grupo], [grupo slug="Haecceidad"]Haecceidad[/grupo] o [grupo slug="cinnamon-gum"]Cinnamon Gum[/grupo]. “El grupo nace como banda de acompañamiento de [grupo slug="boy-elliott"]O Neno Elliott[/grupo] (Daniel Alonso), pero después de la grabación de ‘Osaka’, una adaptación del poema de Carvalho Calero ‘A orquestra filarmónica de Osaka’, comienza a funcionar de manera independiente. En el fondo, el grupo nace por casualidad, sin pensarlo demasiado, como un colectivo en el que distintos amigos con inquietudes musicales diversas y comunes se juntan para hacer canciones” explica Arcadio Nóvoa. Lo que tenían claro desde un primer momento era que querían reflejar en su música toda la herencia folk rock gallega, desde [grupo slug="suso-vaamonde"]Suso Vaamonde[/grupo] y [grupo slug="luis-emilio-batallan"]Batallán[/grupo] hasta [grupo slug="bibiano"]Bibiano[/grupo], todo ello sin que su sonido pierda originalidad, frescura ni personalidad… “Somos un grupo de música popular y nuestra tradición es esa, la que conforman todos aquellos que han hecho canción popular en gallego. Es cierto que en nuestras canciones pueden aparecer elementos provenientes de diversas tradiciones musicales, pero nuestro eje está determinado por la lengua en la que cantamos, que es algo así como el cuerpo desde el que llegamos al mundo. La materialidad de la lengua hace que las melodías se asienten de una manera determinada, probablemente distinta al modo en que lo hacen cuando se trabaja con otra lengua, en el sentido de que cada una tiene sus tiempos y sus modos de ser. Además, a todos nos gustan mucho los cantautores y grupos gallegos de los años 60 y 70. Estos artistas nos han proporcionado un conjunto de canciones que han pasado a formar parte de los pilares de la música gallega y que para gente como nosotros son una referencia clave a la hora de componer”. Esa es su esencia, aunque en su música también aparezcan matices del folk americano (Uncle Tupelo, Bon Iver) o de otras tradiciones musicales. La banda está constituida por Jaime Mateo, Arcadio Nóvoa, Raúl Diz, Daniel Alonso, Druso Pedrouzo y Álvaro A. Rivera. Todos ellos cantan y componen, utilizando el gallego como vehículo de expresión y transmisión de emociones. Aúnan tradición y modernidad. En 2012 participan en el tributo a [grupo slug="magin-blanco"]Magín Blanco[/grupo] ([grupo slug="la-rosa"]La Rosa[/grupo]), “Doutor Apertas” (B8, 2012), con “Meu único amigo”. Su primera grabación es el single [disco slug="alala-ao-sol"]“Alalá ao Sol” (Gran Derby, 2015)[/disco]. Dos cortes grabados por Tomás Ageitos en los Estudios A Ponte (Santiago de Compostela) y masterizados por Dr. Chou. “Alalá ao sol” es una adaptación muy personal del tema de Xurxo Souto ([grupo slug="os-diplomaticos-de-monte-alto"]Os Diplomáticos de Monte-Alto[/grupo], [grupo slug="os-tres-trebons"]Os Tres Trebóns[/grupo]) y “Son o último” una canción que va directa al corazón. El single está manufacturado y numerado a mano (300 copias). “’Alalá ao sol’ es una canción que Xurxo hacía con Os Tres Trebóns. Jaime la escuchó en directo un día que tocaban O Sonoro Maxín -Jaime es el batería- con ellos en un festival y le preguntó si podíamos hacer una versión. Xurxo nos pasó una demo casera y nosotros la adaptamos” explica Daniel Alonso (Blood Filloas). El siguiente paso era editar el primer larga duración, pero la banda calcula mucho sus pasos y [disco slug="os-amigos-dos-musicos"]“Os Amigos dos Músicos” (Gran Derby, 2016)[/disco] no llega hasta octubre de 2016… “La idea fundamental que todos teníamos presente era que queríamos hacer algo de lo que estuviésemos absolutamente convencidos y que no daríamos ningún paso sin haber asegurado bien el anterior. No teníamos prisa y queríamos disfrutar del proceso. Desde la primera grabación que aparece en el disco hasta la última pasaron dos años. Es cierto que ese periodo se dilató por circunstancias personales diversas, fracturas de menisco incluidas, pero lo que teníamos muy claro era que no queríamos ni podíamos grabar un disco en diez días. Necesitábamos ir poco a poco. Eso nos permitió ir aprendiendo en el propio proceso y corregir errores y cambiar dinámicas de trabajo de una sesión de grabación a otra. En general, hemos disfrutado mucho del proceso porque hemos podido vivirlo con calma. Hemos trabajado mucho, pero nos lo hemos pasado muy bien” comenta Arcadio. Diez grandísimas composiciones entre las que nos encontramos con dos adaptaciones: la inicial “A banda” –basada en “O afiador”, canción compuesta por Suso Vaamonde sobre letra del poeta Manuel María- y “O maio”, un clásico de la música gallega que cantó Luis Emilio Batallán sobre letra de Celso Emilio Ferreiro… “A pesar de que tenemos un gran respeto y admiración por los autores de las canciones, no sentimos que nuestro trabajo esté movido por una intención reivindicativa. Entre otras cosas porque no somos nadie para reivindicar nada, pero sobre todo porque esos autores y esas canciones se reivindican solas. Y, la verdad, tampoco nos gusta mucho la idea del homenaje, porque parece que tiene un aspecto de sometimiento intelectual y creativo al autor original. Nosotros lo vemos más como una apropiación de unas canciones que están ahí, que forman parte de la cultura popular gallega, y que cualquiera puede coger y hacer con ellas algo propio. Es como cuando un grupo de jazz toca un estándar del Real Book. No es homenaje ni reivindicación, sino simple tradición. Reivindicamos la tradición, el derecho de cualquiera para tomar un elemento de su tradición cultural y utilizarlo. Estas canciones son algunas de las armas que nuestra tradición nos ha legado para enfrentarnos al mundo. Se trata simplemente de utilizarlas”.

Drama

October 30, 2016, 2:10 am

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Drama son un trío de Vigo compuesto por Sara Fra (guitarra), Ana Lorenzo (bajo) e Isa Fernández Carrera (voz y sintetizadores)… “La idea del grupo empezó en septiembre de 2015, en un festi poco después de conocernos las tres y ver que nos quedaba un año en Vigo juntas. Nos apetecía y al final decidimos probar a ver qué onda. Ana empezó con el bajo de cero e Isa con los sintes y después de un par de noches y un par de birras teníamos ‘My shine your shadow’ e ideas para un video.  Luego empezamos a ir a un local de ensayo por aquí y fueron saliendo los demás temas. Hablamos con nuestra amiga Mar y entre ella y Sebas, otro amigo, nos fuimos un día a la facultad de Bellas Artes de Pontevedra a grabamos el video, nos sacamos unas fotos y empezamos a moverlo por ahí”.  Así es cómo se ponen en marcha, sin muchas pretensiones pero con las ideas muy claras. Comienzan a desarrollar un sonido que se mueve entre el synth-pop, la coldwave, el dream pop y el glitterwave, con influencias como Cocteau Twins, Wairpaint, Trust, The KVB o Grimes… “Intentamos conseguir un sonido un poco etéreo, que las voces sean un instrumento más y que sea un rollo ambiental, que envuelva, es el rollo que nos mola y que además a nivel por lo menos que nosotras conocemos en España no hay muchos grupos que sigan. Hay un montón de grupos que nos han influido en todo este proceso, desde Cocteau Twins, Trust, Grimes, Molly Nilson, John Maus, todos un poco también en esa línea synth-pop y luego también algún grupo más postpunk tipo The KVB o The Soft Moon”. Pronto graban la demo “My Shine Your Shadow” (2015), cuelan “Whiss” en el recopilatorio de bandas femeninas “Hits with Tits Vol.3” (Hits with Tits, 2016) y alcanzan la final del concurso de demos de Autoplacer… “las dos iniciativas surgieron de ver en las redes sociales las convocatorias y como estábamos empezando con el proyecto decidimos probar suerte, al final parece que a la gente le gusto y conseguimos participar en el recopilatorio y ser finalistas del concurso de demos de Autoplacer. La verdad estamos supercontentas con ambas experiencias, es increíble la oportunidad de tener un tema en vinilo a nada de haber empezado a tocar y ambas nos ayudaron a difundir un poco mas nuestra música”. [disco slug="superdrama"]“Superdrama” (Autoproducido, 2016)[/disco] es su primera entrega. Un EP digital con siete cortes profundamente oníricos y atmosféricos… “No hubo copias físicas porque no teníamos medios para ello, lo grabamos todo en casa de Julián L. Goicoa de [grupo slug="disco-las-palmeras"]Disco las Palmeras![/grupo], cantando en el baño para conseguir un efecto guay y todo en rollo muy DIY, pero estamos muy contentas con el resultado final.  La portada del disco es un fotograma de nuestro último video, del tema ‘BBY’, que esperamos estrenar pronto. Lo elegimos por ser una imagen evocadora y que encaja perfectamente con nuestra estética, el mensaje puede ser distinto para cada uno, libre interpretación”. Drama nos explican cómo enfocan el tema de las letras y la composición... “Nuestra dinámica a la hora de componer es elegir un tema que queramos tratar y empezar a vomitar sobre ello. Lo que salga, hasta donde queramos llegar. No es necesario que sea explícito para que la gente lo pueda entender, pero puede intuirse. En las letras del EP vamos hablando de todo un poco,  en ‘Burn’ por ejemplo hablamos un poco de la hipocresía a nivel social y del mítico quedabien de siempre, en ‘Brillipunk’ tratamos un poco el tema sexual, en ‘BBY’, ‘Power of three’ y ‘My shine your shadow’ la letra trata del amor y el desamor y en ‘Purely’ de la espera”. Una banda con un bonito porvenir que esperamos siga creciendo con cada entrega.

Doble Dinamita

November 9, 2016, 5:08 am

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Doble Dinamita fue un grupo nacido de la fusión de [grupo slug="Quijotes"]Los Quijotes[/grupo] originarios de Vilanova i la Geltrú que estaba formado por Albert Candela, Salvador Isern, Mario Rocamora, Lolo Aguiló y Toni Bustamante, y [grupo slug="Los-Rickys"]Los Ricky's[/grupo] que eran de Sitges y estaban formados por Jimmy Llorià, Ricky Llorià, Joan Llorià, Antonio Vílchez y Josep Maria Alegre. El quinteto sitgetano ya tenía experiencia en el mundo discográfico ya que habían grabado un microsurco para Sonoplay. A este septeto se incorporan Josep Ortega y Enric Piris, este último sin experiencia en grupos de música moderna ya que venía del mundo de las coblas interpretando sardanas. Aparte de estos dos grupos varios componentes de este combo habían pasado por otros proyectos de corta duración, así Albert Candela había tocado en [grupo slug="The-Waits"]The Waits[/grupo] -donde había coincidido con Salvador Isern- y en [grupo slug="The-Jerrys"]The Jerry's[/grupo] –grupo anterior a la formación de Los Quijotes-; Mario Rocamora por su parte había sido componente en [grupo slug="The-Sackers"]The Sackers[/grupo] y Toni Bustamante en [grupo slug="Los-Duendes"]Los Duendes[/grupo]. Doble Dinamita no duró mucho más que todos estos proyectos mencionados, pero el año de existencia del conjunto catalán fue bastante intenso. El nombre del grupo proviene de uno de los pseudónimos que tenía el dúo de soul y rhythm and blues Sam & Dave, Double Dynamite. La banda lo tradujo al castellano y lo utilizó ya que uno de sus grandes referentes era precisamente los norteamericanos. El combo catalán también tenía dos cantantes, los carismáticos hermanos Llorià, y su repertorio estaba trufado de adaptaciones al castellano de hits soul de la época como "Hold it baby" y "Hold on I'm comin'"de los ya citados Sam & Dave, "Land of 1000 dances" y "In the midnight hour" de Wilson Pickett, "When something is wrong with my baby", " Hard to handle", " Knock on wood", "I've been loving you too long" y "Amen" de Otis Redding, "Take five" de Dave Brubeck, "Storybook children" de Billy Vera & Judy Clay, o "Hit the road Jack" de Ray Charles entre otros. Ricky y Jimmy trabajaban en una discoteca de Sitges donde recibían los últimos éxitos de las listas de ventas de sus amigos británicos y conseguían adaptarlos mucho antes de que se editaran en España los temas originales. Una de sus primeras actuaciones se produce en el club San Carlos de Barcelona, mítico local de la ciudad condal que fue precursor en la programación de conciertos de rock and roll y al que [grupo slug="Los-Sirex"]Los Sirex[/grupo] le dedicarían una canción. En dicha noche telonean a [grupo slug="Joan-Manuel-Serrat"]Joan Manuel Serrat[/grupo], pero al dueño de la discoteca le gustó tanto su actuación que les ofreció alargar su estancia durante dos semanas más. A principios de 1969 graban su primer y único trabajo, el single [disco slug="ive-got-dreams-to-remember-tengo-suenos-para-recordar-mundo-joven"]"I've Got Dreams to Remember (Tengo Sueños para Recordar) / Mundo Joven" (Regal, 1969)[/disco]. La crítica aparecida en La Vanguardia decía: "Este nuevo conjunto titulado Doble Dinamita ha surgido recientemente en Villanueva y Geltrú. Y como es una villa que ha dado al país numerosos artistas de gran relieve en muy variadas disciplinas (incluyendo comentaristas de discos, como el que suscribe) el primer movimiento por nuestra parte ha sido el de prestar atención, Y en ello hemos obtenido nuestro premio, toda vez que este grupo titulado explosivamente Doble Dinamita no acusan la bisoñez que en efecto podría notarse. Al contrario, los miembros de este grupo se comportan con una soltura de expertos y nos ofrecen en este disco una interpretación radiante de dos números de empaque y de dificultades técnicas considerables, tal 'I've got dreams' de Otis Redding. En suma, si este grupo empieza así, puede llegar realmente muy lejos". Y efectivamente la carrera del grupo empieza a despegar, actúan poco después en Madrid junto a los [grupo slug="Canarios"]Canarios[/grupo] y llaman mucho la atención ya que eran de las pocas formaciones que se habían decantado por el soul en su música. En mayo actúan, fuera de concurso junto a [grupo slug="Los-Pekenikes"]Los Pekenikes[/grupo], en el evento de conjuntos de música moderna celebrado en Zaragoza organizado por camisas Champolion. Pocos días después tocan en el II Festival de la Juventud celebrado en el parque de atracciones de Montjuïc compartiendo cartel con [grupo slug="Mike-Kennedy"]Mike Kennedy[/grupo], [grupo slug="Los-angeles"]Los Ángeles[/grupo], [grupo slug="Formula-V"]Fórmula V[/grupo], [grupo slug="Tony-Ronald"]Tony Ronald[/grupo], Canarios y [grupo slug="Los-Mustang"]Los Mustang[/grupo]. Y en agosto en las fiestas de Vilafranca del Penedés junto a Formula V y [grupo slug="micky-y-los-tonys"]Micky y los Tonys[/grupo]. Ese mismo año los hermanos Llorià, Jimmy y Ricky, dejan el grupo. El carisma que desprendían y que hacía único a Doble Dinamita, también llenaba la discoteca donde trabajaban y el dueño del local, viendo que sin ellos no ganaba tanto, les reclama para que vuelvan a trabajar con asiduidad allí lo que lo hacía incompatible con las inminentes giras que estaba realizando el combo. El grupo continúa durante unos meses más cumpliendo con los contratos adquiridos gracias a la incorporación de Lolo Aguiló, excomponente de Los Quijotes, como vocalista. Pero estaba claro que la idea inicial del grupo ya no se podía llevar a cabo, que era la de tener una gran banda con unos cantantes al estilo Sam & Dave. El final de Doble Dinamita se asemeja al de Los Rickys, cuya disolución se dio cuando se iba extendiendo el buen hacer del grupo. La sección rítmica del grupo -Toni Bustamante, Albert Candela, Salvador Isern y Mariano Rocamora- encuentra a un cantante francés llamado Robert Armand con el que fundan el grupo [grupo slug="Circus"]Circus[/grupo]. Producido por Tony Ronald y, posteriormente, por Manolo Díaz tenían un gran futuro pero un incendio en un concierto y después el obligatorio servicio militar termina también con esta banda. Albert Candela pasará entonces a formar parte del grupo [grupo slug="Zebra"]Zebra[/grupo].

Agoraphobia

November 12, 2016, 2:03 pm

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Agoraphobia son un quinteto originario de Boiro (A Coruña) formado por Susana (vocalista), Aislinn (guitarra), Sabela (guitarra), Paula (batería) y Lucía (bajo). Aislinn y Sabela se conocen en el instituto y con apenas dieciséis años comienzan a dar rienda suelta a su gusto por el punk rock y el rock alternativo. En aquellos inicios, en el 2006, muestran predilección por bandas punk rock como Blink 182 y por bandas de rock alternativo como Incubus, de hecho el nombre lo toman de una canción de estos, incluida en el álbum “A Crow Left of the Murder” (Epic, 2004). Su primera grabación seria es la maqueta autoproducida “Mentir y Gobernar” (A Regueifa, 2010), punk en castellano que se sube para su descarga al netlabel A Regueifa. Tras un tiempo de parón, deciden ponerse de nuevo en marcha en el 2013, conservando el nombre, pero se trata de un proyecto nuevo, constituido ya por el quinteto actual: “Cuando nos formamos en 2013, decidimos conservar el nombre porque ‘Agoraphobia punk’ se había deshecho y Susana y Aislinn habían formado parte de ella. Lo que surgió en 2013 es la banda actual, con otras integrantes y otro estilo, en la que solo se conservó el nombre” explican. Como explica Susana “Agoraphobia nace un 8 de marzo de 2013. Lo que hacíamos Aislinn y yo antes eran algunos intentos pero no nos conformamos como banda hasta que aparecieron Paula, Lucía y Sabela. Las influencias que teníamos cada una, incluso fuera del mundo del rock, fueron clave para crear el sonido que nos define actualmente. La música que creamos Aislinn y yo como adolescentes no dejó de ser una indagación para lograr llegar a lo que hacemos ahora. Sin embargo, todo este tiempo dedicándonos a la música y los casi cuatro años que llevamos como banda nos han hecho madurar tanto como músicas como personas. Así mismo, valoramos cada minuto invertido en crear, tocar y transmitir. Todo lo que hemos conseguido ha sido legítimo, nadie nos ha regalado nada y eso, cuando te paras a pensarlo, es muy satisfactorio”. Lo cierto es que su despegue es realmente fuerte, ganan el Vodafone Yu: Music Talent 2013 (entre otros premios dedicados a bandas noveles), lo que les permite girar con artistas como [grupo slug="delorean"]Delorean[/grupo], [grupo slug="lori-meyers"]Lori Meyers[/grupo], [grupo slug="the-zombie-kids"]The Zombie Kids[/grupo] o [grupo slug="russian-red"]Russian Red[/grupo]. Es el espaldarazo definitivo para grabar su primer EP: [disco slug="dirty-little-things"]“Dirty Little Things” (Autoproducido, 2014)[/disco]. Un trabajo editado en CD y grabado en los estudios Global Music Studio (Madrid) con Carlos Sainz como productor. En este disco se incluyen siete temas y el remix del corte inicial, “Night of the living dead”. Nos encontramos con letras cargadas de ironía y sarcasmo, rock efectivo, ramalazos punk rock y riffs pesados que ayudan a mantener un ritmo frenético. Una mezcla de garage, punk rock e indie de los 90 efectiva. Destacar los juegos vocales y la contundencia de “Night of the living dead”, los estribillos demoledores de “Phrases for pulling” y “Song IV”, y esa mecla de garage, western y surf de “Pat Garrett & Billy the kid”. El título de esta última hace referencia a la película del mismo título dirigida por Sam Peckinpah en el 73 y que cuenta con banda sonora de Bob Dylan, quien también actúa, haciendo el personaje de Alias. La banda sonora contiene una de las más grandes composiciones de Dylan, “Knockin’ on Heaven’s Door”. Son seleccionadas para participar en el festival South by Southwest (SXSW) de Texas, lo que supone una oportunidad realmente importante para dar a conocer su música en el mercado americano. Un festival al que acuden de nuevo en 2016… “Es muy difícil destacar entre más de 500 bandas, pero desde luego haber asistido al festival es algo muy positivo para una carrera. Tener la oportunidad de tocar en SXSW no solo te da visibilidad por el hecho de tocar fuera, si no que te ofrece la experiencia de trabajar en otro país, con otras normas de juego, sin artificios y sin pruebas, donde tu propio sonido es el único arma que tienes para ganarte a un público muy exigente. Además, cada viaje juntas, sea Badajoz o Austin, es una experiencia inolvidable porque no solo nos divertimos si no que aprendemos mucho las unas de las otras. El segundo viaje a EEUU fue mucho más exprimible, ya conocíamos el ambiente y la ciudad, además de que nos obligamos a dormir menos de 5 horas, sin ningún tipo de inconveniente. Tenemos recuerdos muy buenos que esperamos renovar con más giras por otros lugares”. Deciden iniciar un proceso de crowdfunding para financiar su siguiente trabajo. El proyecto tiene un gran éxito y así sale a la luz su segundo EP: [disco slug="ready-to-play"]“Ready to Play” (Autoproducido, 2015)[/disco]. Cinco nuevas canciones grabadas en los estudios Nakra (A Coruña) con las que consiguen dar un importante salto cualitativo. Abren con un homenaje a la película “El Vengador Tóxico” (Lloyd Kaufman / Michael Herz, 1984) con “Melvin (the toxic avenger)”. Un clásico de la serie B (o Z) que cuenta la historia de Melvin, un limpiador de un gimnasio de la pequeña localidad de Tromaville que cae en una cuba radioactiva cuando huye de una pandilla de jóvenes. Las radiaciones lo convierten en un monstruoso mutante con superpoderes, los cuales emplea para liberar del mal a la ciudad. “Shake” es elegido como single, se trata de un corte contundente, con guitarras pesadas y un estribillo demoledor. Un corte que invita al baile para evadirse de los problemas… “When everybody lets you down / and you are very disappointed / you should drink and dance all night / cause all problems are ephemeral / Oh, oh, oh baby! / Oh, oh, oh! / Shake........ your head!”. Agoraphobia muestran una importante evolución y madurez en su sonido. Salen al ring a aporrear el saco de boxeo con fuerza, decisión y contundencia. Y es que casi no dan lugar al respiro, encontrándonos solo con un medio tiempo como “Moonstruck”, que termina envenenándose.

Pussycats

November 22, 2016, 6:35 am

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Pussycats nacen en Vigo a mediados de los 90. Vivieron de forma muy intensa y excitante, y dejaron un bonito cadáver y canciones que aún hoy en día suenan igual de viscerales y enérgicas. “Las Pussycats fueron una de las bandas más punk, si no la que más,  que surgió en los 90 en Galicia. Sus letras, su estética (el traje de enfermeras nazis era imbatible), su manera de tocar, su actitud... parecía que después de un concierto suyo no habría un mañana. Yo tendría diecisiete años cuando las vi por primera vez en el Planta Baixa de Vigo y quedé muy impresionado. Nunca había visto a unas chicas tan violentas tocar con las tetas al aire tapándose los pezones únicamente con tiritas y metiendo tanta cera. Gracias a ellas conocí a grupos que hoy en día me parecen imprescindibles como The Cramps, [grupo slug="desechables"]Desechables[/grupo], The Gories, Plasmatics, 999...  y el modo de vivir el Rock, por lo que creo que de alguna manera me ‘jodieron’ la vida, y por esto, les estaré eternamente agradecido” recuerda Israel Ruiz ([grupo slug="indy-tumbita"]Indy Tumbita[/grupo], Pussycats, [grupo slug="thee-tumbitas"]Thee Tumbitas[/grupo]). Y es que Pussycats fueron una banda muy intensa, funcionaron siempre al límite, con una actitud y compromiso fuera de toda duda, “recuerdo cosas agradables como el trato deferente de muchos músicos admirados como Dictators y tantos otros; rocambolescas como botes de gasolina derramados por la carretera tras escapar de una furgoneta llena de moros en tanga; violentas como una miembro que abandonamos a su suerte en mitad de una autopista, un enfrentamiento directo con L7  o algún puñetazo a público hostil y gilipollas; tensiones límite en aquella furgoneta del odio, ilusiones, decepciones…” apunta Belén Lamarr. Corría el año 95 por Vigo, y bandas garage como [grupo slug="merry-melodies"]Merry Melodies[/grupo] o [grupo slug="foggy-mental-breakdown"]Foggy Mental Breakdown[/grupo], y desarrollos indie rock como [grupo slug="rebelde-rojito"]Rebelde Rojito[/grupo], estaban en su mejor momento. Belén Lamarr (batería y voz) llevaba tiempo queriendo poner en marcha un proyecto punk, animada por la gran actividad de la sala la Iguana, en la tiene la ocasión de ver a bandas como A-10, [grupo slug="the-pleasure-fuckers"]The Pleasure Fuckers[/grupo], Dictators, Lazy Cowboys, Devil Dogs… Precisamente en ese ambiente le presentan a Milena (bajo y voz principal), una estudiante de Ourense afincada en Vigo, y posteriormente a Anita (guitarra y voz), otra estudiante, esta coruñesa, que vivía en la ciudad. En el mes de mayo se desarrollaba un concierto de fin de curso en la facultad de Bellas Artes de Pontevedra, y las tres ponen en marcha un repertorio basado en temas de los Gories, Desechables, Stooges, Muffs, The Runaways… lo que podía quedarse en algo puntual, es el inicio de Pussycats. Deciden alquilar un local de ensayo y se pasan el verano desarrollando temas propios. “La primera maqueta la grabamos en el local de [grupo slug="siniestro-total"]Siniestro Total[/grupo] con su bajista en aquel momento, Segundo Grandío, y  con la ayuda de los demás miembros de la banda. Se la mandamos a Jesús Ordovás con la amenaza ‘Ordovás o la pones o te vas’ y así lo hizo. Luego [grupo slug="kike-turmix"]Kike Turmix[/grupo], a quien yo ya conocía previamente, nos ofrece compartir escenario en la gira gallega de The Pleasure Fuckers y al finalizar esta nos invitan a tocar en su presentación de su nuevo disco en la sala Sol.  Allí nos ve el bilbaíno Mikel Biffs, antiguo conocido desde los tiempos de [grupo slug="pop-crash-colapso"]Pop Crash Colapso[/grupo] y nos propone grabar con él” explica Belén. Y es que todo se desarrolla muy de prisa. En apenas tres meses están tocando en la sala Sol de Madrid, estableciendo contacto con Mikel Biffs (Pop Crash Colapso, [grupo slug="safety-pins"]Safety Pins[/grupo]...) que acaba de montar por aquella época un estudio de grabación y el sello Rotaflesh, con el que Pussycats graban su primer trabajo, el single editado en vinilo 7” [disco slug="pussycats"]“Pussycats” (Rotaflesh, 1996)[/disco]. Cinco canciones grabadas en los estudios Chocablock de Bilbao en abril del 96 con Mikel Biffs. Dos canciones propias –“Don’t tell me”, “Go to hell” y “Shake it”- y dos versiones: “Destruye y mata” de Desechables y “Cherry bomb” de The Runaways. Un corte que no podía faltar ya que Belén siempre tuvo claro que quería montar un grupo para tocar “Cherry bomb”. El contacto vasco con Mikel, las lleva a girar por el País Vasco, por el ambiente tanto de salas como de gaztetxes. “En una de estas giras, que nos organizaban los Señor No, nos vio Gorka Munster al que imagino que impresionamos gratamente pues nada más volver recibo una llamada de Iñigo proponiéndonos un contrato. En esa misma semana me llaman con la misma propuesta Kike Turmix de Roto Records y Mark Kittcat de Caroline Records. Lo meditamos y nos decidimos por Munster Records. A partir de ahí ellos se encargaron de todo. Grabamos un montón de cosas para diversos sellos japoneses, alemanes e incluso Hell Yeah, el sello de Lee Joseph, editó nuestro primer LP en los Estados Unidos. Esta internacionalización del grupo nos lleva a girar por Europa donde siempre vendíamos mazo de discos” apunta Belén. En otoño acompañan a la banda Kike Turmix, The Pleasure Fuckers, y lanzan un split compartido con la banda de León, [grupo slug="besttias"]Besttias[/grupo], editado en vinilo 10” de color rosa: [disco slug="pussycats-besttias-bad-girls-go-to-hell"]“Pussycats / Besttias: Bad Girls Go To Hell” (Munster, 1996)[/disco]. Cada grupo ocupa una cara del vinilo, Pussycats ocupan la cara A, desarrollando seis cortes acelerados y fréneticos sin respiro. Garage y punk rock visceral que desprende actitud y energía. Destacar “You gotta suck”, que se edita como single. Participan en el mítico programa de la TVG, Xabarín Club, interpretando “Non me amoles”, un corte en gallego con un estribillo demoledor –“Eu só bailo punk / non me amoles / mola mola máis”- que es incluido en el doble CD “A Cantar con Xabarín Vol. III e IV” (BOA, 1996). Pronto salen al mercado más singles en vinilo. [disco slug="chick-a-boom"]“Chick-A-Boom” (Hell Yeah, 1997)[/disco] es editado por el sello americano, con base en California, Hell Yeah. Tres canciones grabadas en Green Drum Studios (Madrid) entre las que destaca la homónima “Chick-A-Boom”, una pequeña joya subterránea de garage rock con actitud punk. El sello alemán especializado en bandas fameninas Thunderbaby, se encarga de editarles el EP en vinilo 7” [disco slug="pussycats-2"]“Pussycats” (Thunderbaby, 1997)[/disco]. Munster, a través de su subsello Electro Harmonix, les edita el single [disco slug="lagarto-y-las-pussycats-gimme-gimme-gimme"]“Lagarto y las Pussycats” (Electro Harmonix, 1997)[/disco]. Lagarto no es otro que Gonzalo Grondona, un polifacético artista (batería, cantante, productor musical, ingeniero de sonido…) que sería también uno de los fundadores del sello Animal Records. Se llegan a editar tres singles dentro de Electro Harmonix con Lagarto, uno con los Pleasure Fuckers, otro con Safety Pins y este con las Pussycats. En el single se incluyen dos temas, una versión del “Gimme, gimme, gimme” de Black Flag y la tradicional del blues que versionaron The Gories, “Early in the morning”. Llegaba ya el momento de grabar su primer LP, por lo que en diciembre del 97 se dirigen a Burdeos (Francia) a grabarlo en Le Chalet Studios con Jean Marc Sigrist. La masterización posterior la realiza Kent Steedman en Turtle Rock Studios (Sydney / Australia). [disco slug="playin-dirty"]“Playin’ Dirty” (Munster, 1998)[/disco] se edita en tres formatos: CD, vinilo de color rojo y vinilo negro. El sello Hell Yeah realiza una edición en vinilo para el mercado americano con la peculiaridad de que la portada está en blanco y negro en lugar de en color como en la original; y la contraportada es distinta, utilizándose para ella una de las fotos del insert de la edición de Munster. Trece cortes entre los que nos encontramos con tres versiones: la mítica “Mongoloid” de Devo, “Nasty” de 999 y “Helium Bar” de The Weirdos. En su línea habitual, nos encontramos con un ritmo frenético y enérgico, con voces en grito y guitarras furiosas. Iba todo tan rápido y ocurrían tantas cosas en tan poco tiempo, que pronto se produce la primera baja. El “Too much, too soon” que aparece en la contraportada del disco iba a ser premonitorio y Anita abandona tras la presentación del disco. Tras un tiempo buscando guitarrista, y algún que otro intento fallido, dan con Israel Ruiz (Indy Tumbita) que se incorpora a la banda en septiembre del 98. Con la nueva formación graban un segundo LP: [disco slug="rock-on"]“Rock On!” (Munster, 1999)[/disco]. Un disco más orientado al rock y a sonidos más limpios de influencia surf. Comenta Belén que cambian los Marshall por la Fender y el desquicie premenstrual por los sonidos cuidados. Lo cierto es que los ritmos garage punk frenéticos se sosiegan –aunque se mantienen en cortes como “SS Nurses” o “Silver jet”- y Pussycats nos muestran una nueva cara. El ejemplo perfecto del cambio es “Toomuch smoke”, un medio tiempo pausado con arreglos elegantes. El corte está escrito por Dan Marcus. “La entrada de Israel efectivamente cambió nuestro discurso. Nos ofrecía más posibilidades. Como decía John Peel, es un gran guitarrista, de los mejores, no sólo por su técnica sino también por su versatilidad y su compromiso. Siempre quise que las Pussycats fuéramos los Cramps y que estos nunca hubieran existido y ahí estaba Israel para hacerlo posible” comenta Belén. “Aunque podía tocar perfectamente las canciones de las Pussycats, no era capaz de componer nuevas en ese mismo estilo, así que encontramos un lugar común, ese que habitan gentes como The Cramps, Scientists o Gun Club, y nos pusimos a trabajar. El resultado fue ‘Rock On!’, un álbum del cual estoy muy orgulloso y del que, el mismísimo John Peel, dijo maravillas. Con la ayuda de Mikel Biffs en la producción, la cosa fue tan fácil como peligrosa. Hicimos un estupendo tándem con él. Siempre Rock” afirma Israel. Es curioso que su disco de despedida lo graban de nuevo en Chocablock de Bilbao con Mikel Biffs, como su primera grabación. En esta ocasión incluyen dos versiones: “I need a man” (Barbara Pittman) y “Baby doll” (Terry Clement). Tras la presentación del disco realizan dos giras por Europa, una por Holanda y Bélgica y otra por Alemania y Austria, pero el grupo poco a poco se va descomponiendo. Sonado fue su enfrentamiento con la banda californiana de punk rock L7. El caso es que iban a realizar una gira nacional juntas, Pussycats ejercerían de teloneras, comenzando en La Iguana de Vigo. L7 no estaban en su mejor momento, ni creativo, ni personal ni de popularidad, y actúan con muy malos modos con las Pussycats. "Se sucedieron los desencuentros con ellas durante la prueba de sonido (dos minutos antes de hacer nuestra prueba nos comunican que la microfonía no se comparte. Cosa que sucede porque antes nos negamos a vender su merchandising por la cara. Y esto se debe a otro desencuentro anterior y así sucesivamente). Cómo tocábamos en Vigo no tuvimos problema en que La Iguana Club nos dejará su microfonía. Todo este cúmulo de mierdas hizo que se retrasara nuestro inicio de show así que cuando nos disponíamos a tocar nos comunican que sólo podemos tocar tres canciones a lo cual respondimos con una peineta. Cuando íbamos por la séptima nos cortaron la luz y Belén salió corriendo a por Donita Sparks amenazándola con la mano abierta y gritando. Esta corrió detrás del manager temblando y diciendo ‘Do you don't undestand three songs?’ a lo cual Belén contestó  ‘Shut up bitch! You are in my fucking country. You bitch!’ No hay que decir que ese fue el primer y último concierto que hicimos de la gira. Creo que Dorita jamás se acercará por el barrio de Teis” recuerda Israel. El resultado fue que se canceló la gira juntas y L7 se buscaron otras bandas para abrir sus conciertos. La salida de Milana, que se va a vivir a Madrid, supone el final de la banda.  Lo último que hacen es salir en la película grabada en Vigo “Lena” (Gonzalo Tapia, 2001), que cuenta en su reparto con Manuel Manquiña, Marta Larralde, Luis Tosar, Luis Zahera y [grupo slug="anton-reixa"]Antón Reixa[/grupo]. Belén e Israel siguen adelante con un nuevo proyecto: Thee Tumbitas. Rock on!

Hexen

January 20, 2017, 6:33 am

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"Mujeres con poder, poder para cambiar esta misógina y retrógada sociedad" explicaban a la publicación Teenage Heart las componentes de Hexen la banda de Oi! de Bilbao, para aclarar el origen del nombre que adoptaron, que en alemán se refiere a la capacidad de hacer brujerías. Quien tenía la formación en dicho idioma para decantarse por él era Virginia, a la postre cantante del grupo. Fue ella además la que en marzo de 2015 puso un anuncio en Facebook dentro de un grupo de mujeres músicas preguntando por posibles compañeras para formar una banda con la que poder tocar un par de meses después en un concierto en el gaztetxe de Basauri (Vizcaya), Txarraska. De entre los posibles estilos que sugería para la orientación a dar al nuevo proyecto estaba el Oi! que fue precisamente el que recibió un mayor interés por parte de quienes respondieron positivamente a la oferta. Es así que se pone en marcha una formación en la que Jone se encarga del bajo, María de la batería, y las guitarras son cosa de Garazi y Vicky. Todas ellas coincidían en algo: "Nos hallábamos en ese punto de haber terminado con nuestros grupos anteriores y tener ese mono por tocar". Sin embargo, únicamente Virginia había tenido contacto directo previo con el Oi! por medio de su grupo anterior [grupo slug="awaking-the-north"]Awaking the North[/grupo], ya que [grupo slug="octopussys"]Octopussys[/grupo], el grupo de Jone, hacía postpunk, mientras que [grupo slug="las-klitorix"]Las Klitorix[/grupo], la banda de Vicky y Garazi, practicaban lo que no dudaban en llamar punk de entrepierna. Garazi, la que movió la posibilidad de tocar en ese concierto en Txarraska, el debut en directo de Hexen que tuvieron con apenas dos meses de ensayo, dejaría sin embargo el grupo enseguida. Su marcha sirvió para que María pasara a tocar la guitarra, su verdadero instrumento, recurriendo entonces para hacerse cargo de las baquetas a Harri Anzizar, que no tiene problema en echarles una mano en lo que encuentran a alguien que ocupe el puesto de manera permanente. Una fractura en la mano de Harri con las consiguientes cancelaciones de actuaciones en agosto de 2016, fuerzan la situación y les obliga a acelerar la búsqueda de quien pueda llenar la vacante. La sustitución final vendría de la mano de Ainhoa en octubre de 2016. Pero antes de estabilizarse definitivamente a la batería entran a grabar en los estudios Northern Drunkens de Bergara los temas que quieren utilizar para un EP. El resultado final, [disco slug="die-frauenjagd"]"Die Frauenjagd" (Bird trouble / Bandworm / Tough Ain't Enough / Crom, 2016)[/disco], dejará de hecho una canción fuera registrada en dicha sesión de octubre de 2016, "Burn the fear", porque no les cabe. El disco sale como resultado de la colaboración entre dos sellos, los vascos de Bird Trouble, uno de cuyos responsables se encarga de la grabación, y de los alemanes Bandworm, que se ofrecen a la distribución del vinilo por Europa. Utilizan título nuevamente en alemán y escriben las letras de sus canciones en inglés, siguiendo la inercia de todas las versiones hechas en los comienzos como rodaje, tras descartar las compuestas en castellano y euskera por no terminar de cuajar. Hexen muestran en su debut maneras melódicas alejadas de la crudeza musical que se le suponen al género: "Estamos hartas de topicazos, lo que se aplica al tema de la 'violencia gratuita' porque como eres muy skin y tienes que hacer letras de muy skin, pues lo lógico es que escribas como si te acabasen de parir en Mordor. Que nos eduquen para tener una respuesta violenta ante comportamientos violentos creemos que es esencial especialmente para las mujeres, porque los hombres ya vienen enseñados de base". En esa misma línea se muestran cuando manifiestan cuál debería de ser la reacción en determinadas situaciones: "Si supiésemos utilizar nuestros instintos básicos en vez de ese 'te callas y pasas' o 'intentas salir corriendo y no enfrentarte' otro gallo cantaría para nosotras en muchas esferas". Cuando se les ha preguntado por la escena musical y la actividad en el tipo de música que practican, han aprovechado para manifestarse críticamente y sin tapujos. Así contestaban por ejemplo a Teenage Heart: "El rollo skin es un cáncer en cuanto a visibilización de la mujer. Ya puedes estar en un festival de 50 grupos, que si hay una integrante del sexo femenino entre ellos es para rezar a los dioses antiguos y nuevos. Por suerte es un cáncer de los que tienen cura. En esas estamos". De igual manera se pronunciaban al respecto respondiendo a la entrevista de La Ley de la Calle: "El sistema es patriarcal y el movimiento skinhead no es un cuento de hadas ajeno al sistema. No es casualidad que haya tan pocas tías en los escenarios de Oi! si nunca han visto a otras tías encima. Aprendemos por imitación.  Y no te digo si las canciones que han oído de ellas, son sobre lo preciosas que son acompañando a su skin hombre". Conscientes de la independencia de cada una de sus componentes en lo que se refiere a la actividad política, dicen pasarselo bien con el escrutinio al que se ven sometidas las bandas del género: "Si te tiras un pedo en una canción de Oi! hay un jurado que testifica a ver si el pedo sopla en dirección noroeste o noreste". Con todo, en sus letras se muestran desesperadas por la pasividad de quienes nada hacen por cambiar la sociedad: "Criticamos la pasividad de nuestra generación, el machismo, hablamos de cómo nos hemos sentido discriminadas por razones de clase y cómo hemos conseguido salir fortalecidas de todo esto...sin embargo, esto no lo hacemos porque como tenemos la etiqueta Oi! hay que hablar de estas cosas, sino porque son las cosas que nos mueven". A la hora mencionar posibles referencias para su música, admiten el papel jugado pos nombres como [grupo slug="zakarrak"]Zakarrak[/grupo] aunque no dudan en señalar que "por Bilbo de muy chavalas éramos más de [grupo slug="suspenders"]Suspenders[/grupo], [grupo slug="ostiada"]Ostiada[/grupo] y esas cosas". Con experiencia a lo largo de todo el País Vasco, también fueron a tocar a Castellón en el Magdalena Festival, a donde llegaron tras un viaje de lo más accidentado, teniendo ocasión de compartir cartel entre otros con [grupo slug="decibelios"]Decibelios[/grupo]. Han tocado asimismo con bandas como [grupo slug="pennycocks"]Pennycocks[/grupo], [grupo slug="paralitikos"]Paralítikos[/grupo], [grupo slug="raw-paw"]Raw Paw[/grupo] y [grupo slug="troika"]Troika[/grupo]. El mes de febrero de 2017 las lleva a Alicante, donde actúan con [grupo slug="bogavantes-con-tirantes"]Bogavantes con Tirantes[/grupo] y [grupo slug="rebel-minds"]Rebel Minds[/grupo] en la fiesta del fanzine Teenage Heart.

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Generación 77

January 24, 2017, 4:46 am

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Protagonistas de excepción de unos años más que interesantes en la música de Valencia, Generación 77 pertenecen a ese ramillete de bandas de punk que permiten a los aficionados a dichas etiquetas hablar de una activa escena local. Y es que, como no podía ser de otro modo, la ciudad a orillas del Turia tuvo representantes más que de sobra para colocar a la ciudad en lugar destacado en el mapa musical de los 80. Los primeros intentos que hacen Fernando -“El Loco”- y Carlos García -“Carli”- para formar una banda datan de 1983. Por entonces el primero cumplía su servicio militar y escribía cartas continuamente a su amigo desde el cuartel. Fue así cómo deciden el nombre del grupo que quieren montar, escriben hasta 7 canciones e incluso perfilan el tipo de música que van a hacer: ni más ni menos que volver la vista a los orígenes del género, reinterpretando a su manera el legado de The Damned, 999, Dead Boys, Sex Pistols.. “Lo verdaderamente punk es lo que ocurrió en el 77” dirían más tarde en una entrevista. El Loco, que sería el cantante, había militado en [grupo slug="guerrilla-sub"]Guerrilla Sub[/grupo], un proyecto que “nunca estuvo formado, pero siempre andaba en permanente estado de formación”, y que como contaban en una entrevista posterior sirvió de rodaje para muchos protagonistas de la escena punk local que se desarrollaría algo después. Por su parte Carli venía de participar en otros combos seminales como Análisis de Orina (1978), Killers (1979) o [grupo slug="accion-directa"]Acción Directa[/grupo] (1983). Precisamente esta última era la banda en la que Carli tocaba la guitarra y desde la que le ofrecieron a El Loco la posibilidad de sustituir a Víctor Acnex ([grupo slug="interterror"]Interterror[/grupo], [grupo slug="la-resistencia"]La Resistencia[/grupo]) en una mini gira que iban a hacer por el País Vasco. Tras un accidentado periplo por el norte, donde sólo pudieron tocar en La Jaula de Bilbao, volviendo en el tren para Valencia convencen a Mingo Hernández, bajista de Acción Directa y antes en [grupo slug="n-e-s"]Nuevo Ejército de Salvación (N.E.S.)[/grupo], para que se una a Generación 77. Con Salva -“Fleki”- (que tocó en [grupo slug="extrema-cordialidad-homicida"]Extrema Cordialidad Homicida[/grupo]) para la batería, completarían la formación. Empezarían a ensayar en unos locales de Campanar, barrio de Valencia, donde comparten espacio con [grupo slug="interterror"]Interterror[/grupo] o [grupo slug="kk-for-you"]KK For You[/grupo] (posteriormente pasarían a llamarse [grupo slug="complices-valencia"]Cómplices[/grupo]). Precisamente desde una de las habitaciones contiguas a su local escuchan un día el sonido de una guitarra que les llama la atención. Era la de Guillermo Fuster -“Willy”- que tocaba por entonces en los comienzos de [grupo slug="la-resistencia"]La Resistencia[/grupo]. No se lo pensaron dos veces: “Le dijimos que era el segundo guitarra para definir mejor nuestras composiciones. Vino a nuestro ensayo, nos escuchó, y se unió a la banda”, cuenta Fernando. Desde entonces, y en más de una ocasión Willy tendría que hacer doblete y tocar en el mismo concierto con los dos grupos. Posteriormente se mudarían a ensayar a una planta baja en el barrio chino, que sería su centro de operaciones hasta el final. Su debut en directo se produjo en Sedaví, cerca de un colegio de chicas con uniforme: “Estaban entre asustadas y atraídas por la apisonadora de sonido e imagen de la que fueron partícipes” contaba Fernando. Para evitar posibles líos con el dueño del local, actuaron bajo otro nombre, el de Los Motores, intentando así evitar que sus amigos y seguidores punks llegaran a saber el lugar en el que se iba a celebrar. “No sirvió de nada, se enteró todo el mundo y se armó una buena”, nos cuenta el cantante. Tenían claro cuál era la situación alrededor suyo: “Valencia está llena de grupos moñas o de bocazas musicales. Aquí o pasas por el tubo o los encargados que llevan la movida musical te vetan” le contaban a Joan Benlloch en una entrevista, en la que además explicaban la prohibición que pesaba sobre ellos después de su enfrentamiento con la organización del festival de Radio Color que pretendía cambiar el orden de aparición de las bandas participantes que se había determinado antes por votación pública. Frente a todo este tipo de cosas ellos indicaban: “No presentamos nada, siempre hemos hecho punk, hacemos punk y haremos punk”, en conversación con otro periódico. “Hacíamos lo que se nos antojaba, gustara o no a la gente y teníamos clara nuestra postura social, éramos terroristas culturales” contaba Mingo en la entrevista concedida a Adios Lili Marleen. Se declaraban abiertamente pesimistas a la hora de hablar de sus posibles motivaciones: “Todo ha fracasado. No hay soluciones, sólo palabras, por eso no proponemos alternativas, hacemos música para divertirnos, que es difícil (…) Carecemos de ideas políticas, ya que cualquier idea política es totalmente opuesta al punk”. Su bajista reincidía en este argumento muchos años después: “Se carecía de ideas políticas, tocábamos por diversión y porque nos gustaba mucho hacerlo. Éramos punks sin adjetivos y practicábamos punk rock agresivo y salvaje, pero con los temas muy bien cuidados, sin entrar en estridencias o confusiones musicales”. Llegaron a grabar dos maquetas, estrenándose con la primera a principios de 1985 en su mismo local de ensayo con una bobina abierta de dos pistas. Los temas que registraron fueron: “La colina de los hombres sin nombre”, “Naranja mecánica”, “Tenemos que conseguirlo” y “El maníaco”. La cinta sólo la pudieron escuchar algunos amigos ya que como coinciden en señalar El Loco y Mingo, la desecharon y terminaron por renegar de ella. “El sonido era muy cutre y jamás nos gustó”, decía el bajista al blog Adios Lili Marleen, “ni tampoco la pasta que debimos pagar por la grabación”. La segunda maqueta se grabó a mediados de ese mismo año en los Sonostudis. El resultado final tampoco les dejó del todo conformes. Incluía tres temas: “La colina de los hombres in nombre”, “Naranja mecánica” y “(Estamos) Muertos en un mundo muerto”. Toda vez que el grupo ya había hecho intención de dejar registrado material, cabe preguntarles si alguna vez tuvieron ocasión de grabar un disco. La respuesta de Fernando es fulminante: “¡No, ni de coña! Si hubiéramos vivido en Madrid, Barcelona, País Vasco o incluso Zaragoza o Granada, Generación 77 habría grabado dos o tres discos sin ninguna duda. Canciones teníamos unas 24-26, y musicalmente éramos muy serios. Pero Valencia era muy provinciana y nosotros, todo hay que decirlo, éramos intratables”. También resultaban indomables en sus directos. Mingo, el bajista, al echar la vista atrás y repasar todos los grupos en los que había participado reconocía: “Generación 77 era el grupo punk por excelencia, los conciertos eran pura adrenalina y raro era que finalizáramos uno, siempre se liaba y acabábamos a ostias. Nos divertíamos mucho y eso nos gustaba, pero a su vez se nos cerraban muchas puertas”. En 1988 Fleki deja su puesto a las baquetas a Buto, que tocaba con Cómplices y que participa en la grabación de toda una curiosidad compuesta a partir de un tema de The Damned, “No existe Santa Claus”. Batería y bajo quedaron registrados en un local de ensayo que estaba situado enfrente de la sala Gasolinera asistidos por Ángel Sanambrosio. El resto, guitarra y voces, se grabarían en un cuatro pistas en un chalet. El tema en cuestión su momento de gloria cuando en la emisora de Los 40 Principales, el locutor, amigo de Carli, la emitió justo después del tema navideño de los Ramones. Respecto a si pudiera considerarse como la canción más celebrada del grupo, Fernando no duda en indicar: “Pues no sé, la grabamos , nos separamos, nunca la tocamos en directo y, excepto algunos amigos y fans incondicionales, no la escucho nadie. Yo creo que la canción más conocida de Generación 77 es ‘Naranja Mecánica’, que en Radio Clara la declararon como una de las canciones del año según la audiencia de un par de programas. En fin no es que me importe mucho, pero ahí queda”. La banda duró hasta finales de 1988: “La verdad es que cada vez nos costaba más encontrar locales donde tocar, la mala fama y todo lo que conlleva”, contaba El Loco. Las obligaciones de Mingo al tocar en otras bandas como [grupo slug="las-terribles"]Terribles y La Banda Fantasma[/grupo] y un par de actuaciones que hubo que cancelar por “indisposición” del cantante determinaron el acta de defunción del grupo. La recuperación de parte del legado de la banda se produce muchos años después con la edición de [disco slug="la-mugre-y-el-turia"]"La Mugre y el Turia" (VómitoPunkRock, 2016)[/disco], todo un ejercicio de arqueología para rescatar a bandas como Generación 77, [grupo slug="aridos"]Áridos[/grupo], Extrema Cordialidad Homicida y [grupo slug="crenom"]Crenom[/grupo].

Áridos

January 19, 2017, 10:57 am

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Dejaron como único legado un puñado de canciones que nunca vieron la luz en ese sencillo que habían planeado editar, pero se llevaron consigo el recuerdo de conciertos de intensidad brutal y la sensación de que la suya fue una de las muchas historias que merece la pena recordar cuando se habla del punk-rock de Valencia a finales de los 80. Cuatro de los miembros de Áridos, Pepito (guitarra), Paco (bajo), Ximo (voz y armónica) y Vicente Metralla (batería), ya habían tocado juntos en un grupo llamado 13 y sus Gatos Negros por 1987. De todos ellos Vicente es el que más experiencia musical tiene tras haber militado en proyectos como La Alegría de la Huerta o En Negro, mientras que por su parte, Ximo sólo había tocado la batería en algún grupo previo. La aventura gatuna dura poco y termina disolviéndose tras “una discusión chorra”, decidiendo entonces Vicente aceptar la oferta de [grupo slug="scooters"]Scooters[/grupo], que terminarían cambiando su denominación a Los Frenéticos para evitar confusiones con la banda donostiarra que se llamaba igual, para ocupar la vacante que les había surgido a las baquetas. Un año después vuelven a probar fortuna, convenciendo al batería para que regrese y añadiendo a Félix como otro guitarrista. En esta ocasión deciden inspirarse en los Ramones a la hora de buscar nombre al nuevo proyecto. “Queríamos imitar su nombre con algo corto, sencillo y que definiera nuestra actitud como personas en el escenario. Áridos, algo muerto pero duro, como una roca, como los Rolling Stones … Ramones y Rolling, la esencia del rock”, cuenta Ximo. Y es que si había algo que les gustaba de verdad era el rock and roll salvaje y acelerado. “Con todo tipo de influencias desde la música de los 60 (Kinks, Who, Rolling y todo el garaje de los Sonics y compañía), los 70 (Hendrix, Creedence, Velvet, Stooges, Flaming Groovies) y todo el punk, tanto inglés como americano”. El espectro de influencias se completaba con la música de los 80 de bandas como [grupo slug="la-uvi"]La UVI[/grupo], [grupo slug="paralisis-permanente"]Parálisis Permanente[/grupo], [grupo slug="leno"]Leño[/grupo], [grupo slug="baron-rojo"]Barón Rojo[/grupo], [grupo slug="barricada"]Barricada[/grupo] y [grupo slug="kortatu"]Kortatu[/grupo]. Su primera actuación en directo la dieron teloneando a Scooters en Gasolinera donde ejecutaron todo su repertorio de una tacada, uniendo los temas casi en uno único como hacían los Ramones. A lo largo de su trayectoria tendrían ocasión de recorrerse todos los garitos de Valencia y los alrededores (Torrente, Buñol, Jérica, Castellón o Vilareal). Así actuaron en Transvía, Planta Baja, El Asesino, Welcome, Babia, Bomba o el Glop de Benimaclet, al que recuerdan con especial cariño: “Los dueños de aquel momento nos querían mucho y actuamos con frecuencia. Siempre petábamos este garito, incluso la gente se quedaba en la plaza ¡una pasada!”. También les tocaría enfrentarse a situaciones mucho menos favorables con los responsables de algunas de las salas, como cuando en Bésame Mucho no les querían dejar tocar “por el volumen y el ruido que metíamos”, o cuando en El Asesino se les impidió tocar inicialmente porque pensaban que se trataba de una banda skin. Tiempo después los dueños les llamaron para tocar: “Supongo que alguien les explicó que estaban equivocados”. Ellos mismos se negaron a tocar en el Kasal Popular de Flora 5 al comprobar que las letras de sus canciones tenían que pasar el escrutinio y análisis de una asamblea para decidir si “eran dignas de ellas” explica Ximo. La reacción del grupo fue tajante: “Les mandamos a tomar por culo o kulo como dirían ellos, y no tocamos nunca allí”. Pasado el tiempo reconocen haber perdido con aquella decisión la posibilidad de haberse granjeado las simpatías de la escena “punk-okupa” local, que bien podría haber constituido el grueso de su público básico. A finales de 1991 entran en los estudios Distorsión Hasta la Locura, situados en un piso del barrio del Carmen al final de la calle Alta, cerca de la Plaza Na Jordana, que llevaban Carli y Fernando, excomponentes de [grupo slug="generacion-77"]Generación 77[/grupo]. Allí dejaron registrados temas como “Telediario”, “Carlitos” o “Este bar”. Volverían a repetir más tarde con un par de grabaciones más, proyectando incluso con la últimas de ellas la edición de un sencillo autoproducido, pero terminarían por desistir de su idea por la mala calidad del sonido final. Participaron en una especie de festival en Gasolinera junto a otros grupos que, como ellos, habían grabado de dichos estudios, como [grupo slug="chococrispis"]Chococrispis[/grupo] o [grupo slug="seguridad-social"]Seguridad Social[/grupo], inmersos todavía por entonces en su etapa inicial de punk rabioso y provocador.  Precisamente en una reseña en la prensa local tras dicha actuación se les calificaba de “músicos anticursilería (…) llenos de vitalidad y joi de vivre”. En sus directos era habitual encontrarse versiones de Zeros, Sex Pistols, Pagans, Animals, Leño, Barracudas o Plimsouls. Contaban asimismo para la revista Ruta 66 en 1993 que lo suyo no tenía “arreglos ni filigranas instrumentales; las canciones quedan como salen”, algo que se dejaba traslucir en sus directos, de los que recuerdan sobre todo su “brutalidad”. “Un auténtico caos de volumen, ruido, velocidad y de botellas y vasos rotos” según explican. El grupo mantuvo una muy buena relación con Los Scooters/Los Frenéticos, con quienes compartían no sólo batería sino alguno de los locales de ensayo que utilizaban. Además de alguno situado en el barrio de Patraix, también ensayaban junto a los mencionados Scooters y The Nadies en Planta Baja, donde estuvieron hasta que los bomberos les desalojaron por riesgo de derrumbe. Precisamente, por provenir del mismo barrio y coincidir en alguno de los bares de su zona, también mantuvieron cercanía a pesar de las diferencias musicales de las propuestas respectivas, con [grupo slug="doctor-divago"]Doctor Divago[/grupo]. La banda pararía en 1994: “La relación se fue entorpeciendo, cada uno tenía sus intereses, sobre todo por la utilización de su tiempo libre, y los ensayos empezaban a pesar”. Vícente siguió unido a Frenéticos, a [grupo slug="la-urbe"]La Urbe[/grupo] y Los Nerviosos, donde también tocaba José. Ellos dos y Félix participarían en BB Maldito. Ximo tocó una temporada en El Rey Lagarto, donde, según explica, hacían algo a medio camino entre Red Hot Chili Papers y Rage Against the Machine. Asimismo varios de ellos han coincidido en bandas punk posteriores como Psicótico. Dicen recordar de aquellos días, sobre todo “el buen rollo, con las risas y algunas veces la seriedad con la que nos tomábamos los ensayos, para que los temas salieran redondos. Aunque muchas veces la primera impresión y el dejarse llevar por como surgían las cosas era determinante para el resultado final”. Además de lo estrictamente musical, en su memoria se mantienen aún los momentos de cachondeo: “Las borracheras divertidas, el hacer el gamba de madrugada cuando todo estaba cerrado y los after del momento eran demasiado modernos para nosotros. Preferíamos la calle”. Tuvieron que pasar muchos años para poder ver de nuevo a Áridos sobre un escenario. Fue en 2010 cuando decidieron reunirse en Magazine en lo que irónicamente podría entenderse como concierto de despedida. Repetirían la experiencia cinco años después en 16 Toneladas en una formación en la que no estaba Jose para un bolo con [grupo slug="resabiados"]Resabiados[/grupo]. En la misma sala tocaron en la fiesta La Mugre y la Furia, haciendo versiones de Slade, New York Dolls, David Bowie, Dead Boys y The Clash. La segunda guitarra estuvo a cargo, para la ocasión, Eric, hijo de Ignacio, uno de los acompañantes habituales de muchos de ellos en proyectos post-Áridos. La historia de la banda acabaría así, sin mucho más reconocimiento, de no haber sido por la insistencia desde el sello local VómitoPunkRock Records, que los incluyó en el recopilatorio de grupos valencianos [disco slug="la-mugre-y-el-turia"]"La Mugre y El Turia" (VómitoPunkRock, 2016)[/disco], donde Áridos quedaban emparejados con Generación 77, [grupo slug="extrema-cordialidad-homicida"]Extrema Cordialidad Homicida[/grupo] y [grupo slug="crenom"]Crenom[/grupo]. Se ponía así a disposición del seguidor de este tipo de sonidos, parte del escaso material que dejaron registrado.

Ulobit

January 28, 2017, 8:08 am

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Ulobit es un trío constituido por Ariel Ninas (zanfona electroacústica), Horacio González (vídeo, openFrameworks) y Xoán-Xil López (electrónica, Pure Data) profundamente evocador y experimental. Lo suyo es conjugar imagen y sonido para desarrollar una experiencia audiovisual muy intensa. Los tres están afincados en Santiago de Compostela, y comparten su gusto por el arte contemporáneo. El nombre viene a ser algo así como “¿dónde está el bit?”, surge del adverbio interrogativo gallego “u” seguido del articulo determinado “lo”, “u-lo”, que se emplea para preguntarse por la localización de algo, y el anglicismo “bit”. Su primera entrega es [disco slug="vikingland-2016"]“Vikingland 2016” (Audiotalaia, 2016)[/disco]. Una edición limitada a cien copias en tarjeta USB que viene en una lata de conserva acompañada de una imagen lenticular. El artefacto contiene siete piezas sonoras en formato WAV, siete vídeos en HD, imágenes y diversa documentación en PDF y en listas M3U. Todo se remonta a 2007, cuando el director de cine Xurxo Chirro encuentra en su casa unas cintas VHS de película casera grabadas por un marinero amigo de su padre, Luís Lomba ‘O Haia’, que a bordo del Vikingland recorre el Mar del Norte. Xurxo se encarga de montar la película “Vikingland” (2011), sobre el viaje de los marineros entre Rømo (Dinamarca) y la isla de Sylt (Alemania) transportando mercancías. Todo ello grabado con una videocámara por Lomba, en formato casero Hi8, con total espontaneidad. El trabajo es premiado es múltiples festivales internacionales, como el FID de Marsella o el FIC de Mar del Plata. Ulobit deciden trabajar sobre las imágenes de la película, interaccionando con ellas mediante procesos creativos experimentales con la zanfona combinados con la electrónica y el vídeo “para llegar a resultados estéticos que se sitúan entre la música ambiental, el ruidismo, el error sonoro/visual e el drone”. Ritmos minimalistas y música incidental. Una visión moderna y vanguardista de los procesos audiovisuales, que tiene a la emigración gallega en el norte de Europa como telón de fondo. Lo cierto es que la música está en perfecta comunión con las imágenes, generando una experiencia audiovisual altamente recomendable. Participan en importantes festivales como el ECO de Madrid, Espazos Sonoros y WOS Festival en Galicia o el Paessagi Musicale de Ravello.

La Masacre

January 1, 2017, 2:47 pm

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Exponentes de la frenética actividad musical que se vive en una escena que abarca a San Cristobal de La Laguna y Santa Cruz de Tenerife, La Masacre da salida a las actitudes más viscerales en forma de lo que ellos denominan potaje entre el punk, el rock, el metal y el noise. Tras su marcha de [grupo slug="13-motos"]13 Motos[/grupo], banda en la que militaban junto a Silver y Pistol ([grupo slug="familia-real"]Familia Real[/grupo], [grupo slug="ataud-vacante"]Ataúd Vacante[/grupo]), Déborah (voz) y Carlos (guitarra) empiezan a gestar por 2014 la formación de un nuevo proyecto. Ella había tocado en [grupo slug="eider"]Eider[/grupo] y Carlos en [grupo slug="muzak-tenerife"]Muzak[/grupo]. Con la incorporación de Chiru ([grupo slug="guerrilla-urbana"]Guerrilla Urbana[/grupo]) al bajo y de Tiago a la batería empiezan los primeros ensayos. "Siempre estábamos de prestado por los locales de ensayo saltando de un lado para a otro", recuerdan de aquellos primeros pasos algo balbuceantes. La sensación  de inestabilidad inicial se acrecienta con la marcha de Chiru, que es sustituido por otro ex-Guerrilla Urbana, El Dama. Su paso por el grupo dura poco porque termina marchándose junto a Tiago, siendo reemplazados por Keko ([grupo slug="diplomaticos"]Diplomáticos[/grupo], [grupo slug="venus-en-surf"]Venus en Surf[/grupo]) y Dani (Perro Cruz) respectivamente en 2015, fecha en la que se formaliza el inicio de las andanzas de La Masacre. Decidido un nombre rotundo para el grupo, inspirado en la película "Thrashin' (La Masacre de L.A.)" (1986) de David Winter, lo que Carlos y Déborah tienen en mente para el nuevo proyecto es concluyente: "Algo sucio y caótico, una propuesta diferente con un sonido más propio y personal. No queríamos para nada sonar como a nuestras bandas anteriores y desmarcarnos de todo lo que habíamos hecho hasta la fecha", nos indican. Si bien reconocían no tener certeza absoluta de a dónde les podría llevar semejante rumbo, sí que manifiestan tajantes: "Lo que sí tenemos claro es dónde no queremos acabar". Su debut en directo tuvo a [grupo slug="brutalizzed-kids"]Brutalizzed Kids[/grupo] entre otros como padrinos, ya que les tocó telonearlos en una actuación en el Agüere Cultural. Fue en octubre de 2014, cuando la banda estaba aún por estabilizarse en una formación sólida. A pesar de todo, las sensaciones con las que terminaron fueron buenas: "Lo disfrutamos mucho". En 2015 entran a grabar en los Guamasa Estudios de Ayoze Hernández los temas que conformarán su primer disco [disco slug="la-masacre"]"La Masacre" (Autoproducido, 2015)[/disco]. El grupo da muestras evidentes que su propuesta pasa por una música potente que, bebiendo efectivamente de varios estilos, consigue crispar, herir al oyente con su crudeza. Déborah, auténtico referente de los directos de la banda con su puesta en escena, consigue  además con su voz, contribuir a esa sensación de malestar e inquietud que el noise-rock de La Masacre parece querer provocar. El sentimiento no hace sino agudizarse con la siguiente entrega [disco slug="inarticulado"]"Inarticulado" (Autoeditado, 2016)[/disco], que desde la misma portada, con la cicatriz grapada en el cuerpo de la fotografía (obra del diseñador Maikel Lima), pone sobre aviso de que las canciones de su interior raspan y alteran. "La idea de mezclar el disco con una foto de una cesárea nos encanto y dice mucho de nosotros mismos como banda", manifestaban acerca de sus intenciones. Noise oscuro como el de Sonic Youth, rock sucio como el de [grupo slug="desechables"]Desechables[/grupo], distorsión como la de Nirvana..., son sólo posible comparaciones con las que situar la música de La Masacre en su segundo disco, en el que confiesan ir definiendo mejor su sonido. Preguntados acerca de la motivación e inspiración a la hora de componer sus canciones manifiestan: "Las letras están inspiradas en sensaciones, vivencias y emociones de la vida cotidiana, a veces es la propia música la que inspira a la letra y muchas veces no queremos decir nada, dándole una libre interpretación. Se han movido cómodos en la autoedición de sus dos primeras referencias, sin sentir especial necesidad de contactar con sellos discográficos con los que presentarlos. Aún así no cierran la posibilidad de ponerse de acuerdo llegado el caso con posibles ofertas interesantes. Activos en la presentación del material de la banda, han preparado vídeos de la mayoría de sus canciones y tras superar la lesión en la mano derecha de su guitarrista esperan poder fajarse en la presentación del EP. De momento no han salido fuera de la isla para tocar, habiéndose emparejado con un gran número de bandas locales. Puestos a destacar alguno de sus mejores conciertos señalan su participación en el Festicrowd de 2016. Contribuyeron con una versión de "San Papusio" al disco de homenaje a Ataúd Vacante: "Cementerios Desiertos. Un Tributo a Ataúd Vacante" (Los 80 Pasan Factura, 2016).

Crenom

January 19, 2017, 10:19 am

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Disueltos [grupo slug="extrema-cordialidad-homicida"]Extremada Cordialidad Homicida[/grupo] en 1985, Bernardo J. Cordellat pone en marcha en verano de ese mismo año una nueva banda junto a Manolo Fernández (guitarra), Pablo Navarro -“El Nabo”- (guitarra), Aurelio García (bajo) y José Blasco (batería) a la que bautizaron como Crénom. Es Manolo el que explica el origen del nombre: “Crénom! es una aféresis de Sacré nom! que podría ser el equivalente de nuestro ¡Cagüendios! Es lo único que decía Baudelaire cuando, hemipléjico a causa de su sífilis, estuvo ingresado en un hospital de religiosas en Bruselas. Cuando consiguieron deshacerse de él y enviado de vuelta a París, las monjitas hicieron exorcizar la habitación. Un nombre ideal que Bernardo supo ver”. Todos ellos poseen por entonces experiencia en proyectos anteriores: Manolo tocaba en [grupo slug="carmina-burana"]Carmina Burana[/grupo], José en Marat-Sade y Aurelio en Fuckin Volvos, una banda formada en Tucson (Arizona) en EE.UU. La idea que tienen en mente con Crénom es la de combinar los sonidos de muchos de esos grupos previos en los que han venido tocando: punk melódico tipo The Damned o Buzzcocks por un lado, y toques after-punk por otro. La composición de los temas corre a cargo inicialmente de Bernardo, participando luego todos ellos en los arreglos. Tiempo después, cuando describía la línea estilística de la banda, Aurelio mencionaba la densidad de las letras en la que había “ese oscurantismo y ese particular desprecio por la condición humana (incluída la suya propia) que caracterizaban su literatura, pero con un sonido más dinámico, en el que se apreciaban más sus raíces punk, de las que nunca renegó”. Su debut en directo se produce en invierno de 1985 en la sala Gasolinera, iniciando después una activa agenda de actuaciones a lo largo de 1986 por diferentes poblaciones de la provincia valenciana. En la primavera tocan en un concurso de grupos en Sagunto y en la sala Espiral de L’Eliana, localidad a la que volverían en junio de ese mismo año para participar en una actuación al aire libre en el marco de la denominada Nit de Rock. Después del verano tocarían en las fiestas de Utiel con [grupo slug="mar-otra-vez"]Mar Otra Vez[/grupo] en septiembre, en la fiesta de Radio Libertaria con Carmina Burana en Gasolinera en noviembre y finalmente en Picassent. Ya en diciembre, en sesión doble los días 19 y 20, tocarían en la sala Planta Baja de la capital valenciana a modo de despedida. El final de Crénom se inicia de alguna manera con la marcha de Manolo. Preguntado el guitarrista por las razones que le llevan a tomar semejante decisión, reposnde: “No me sentía cómodo. Aunque nos llevábamos muy bien todos, no acababa de encontrarme a gusto, no veía que fuera un grupo muy integrado musicalmente. Probablemente no le di demasiado tiempo para que se afianzara. Recuerdo que Bernardo, en los últimos tiempos, como me veía algo desencantado, me pedía que hiciera temas yo también y los presentara para tocarlos, incluso cantándolos yo. Pero no insistió lo suficiente o yo no supe ver más allá de mis narices, ya que, con el tiempo, he pensado que el concepto de Crénom hubiera podido dar más de sí”. La salida de Manolo se vio acompañada por la de Aurelio y José. Para recomponer la banda Bernardo decidió tocar él el bajo a la vez que cantaba y se incorpora Víctor Cruzado a la guitarra. Funcionarían, eso sí, sin batería, aunque el grupo no duró mucho más tiempo ni tocó en directo con esta nueva formación. No quedó nada registrado de Crénom aparte de grabaciones en el local de ensayo con un radiocassette portátil, que vieron la luz con la edición de [disco slug="la-mugre-y-el-turia"]"La Mugre y el Turia" (VómitoPunkRock, 2016)[/disco] donde aparecían junto a [grupo slug="generacion-77"]Generación 77[/grupo], [grupo slug="aridos"]Áridos[/grupo] y Extrema Cordialidad Homicida. Firmado el acta de defunción de la banda, Bernardo forma Paracuellos Bar, proyecto que a lo largo de su trayectoria tuvo diferentes formaciones, incluso llegó a grabar alguna demo él solo bajo ese nombre: “Una Tarde Cualquiera de uno de los Camareros del Paracuellos Bar” donde sólo se oía piano y alguna voz ocasional. Dejaría asimismo escritos libros como “Libro Hermético” y fallecería en 2009 víctima de una cirrosis hepática. José continuó con Marat-Sade y Manolo con Carmina Burana unos cuantos años más. Posteriormente participó en Mala Sangre, dúo instrumental en el que también estaba Andrés Carretero “Billy”, bajista en Extrema Cordialidad Homicida. Más tarde tocaría en Conjunto Caburé y Los Mareados. Aurelio, por su parte, estuvo en bandas como Dr. Jeckyll, EREC, Spásticus (un proyecto en solitario), Liberty y The Folkin’ Hobos.

Desguace Beni

February 17, 2017, 3:14 am

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Hermana Mayor Peláez -Diana- y Hermano Menor Peláez -Iñaki- mantienen un celoso silencio acerca de determinados episodios referentes a su grupo, Desguace Beni. Dicen haber olvidado, por ejemplo, cualquier tiempo anterior a este proyecto bicéfalo, como si en realidad nada importara antes de empezar el dúo, como si el reloj sólo hubiera echado a andar entonces, cuando decidieron que Mayor tocaría la batería y Menor la guitarra. Una elección, por otro lado, contraria a lo que hubiese determinado el sentido común, atendiendo a su experiencia previa con uno y otro instrumento. No queda claro incluso ni cómo se encontraron la primera vez, allá por 2006, porque sus declaraciones no terminan de coincidir. "Empezamos a ensayar después de los ensayos de nuestros otros grupos, allá por 2006. Nos conocimos un día, de casualidad, en el metro. O bueno, no, ¡que somos hermanos!", sostiene Mayor, mientras que Menor acude a ambientaciones extraterrestre: "Todo surge en 2006 después de un encuentro marciano". Y es que realmente la conexión de la banda con todo lo relacionado con visitantes de otros planetas quedaría de manifiesto a lo largo de toda su trayectoria. Lo que además tienen claro es que no necesitan a nadie al micrófono, no tendrían cantante: "Nunca pensamos en que tendría que haber voz, las voces están dentro de nuestras cabezas, esas voces nos decían que nos juntáramos para tocar, y hasta hoy" decía Mayor. Menor, sin recurrir a trastornos mentales de ningún tipo puntualizaba: "Nunca se planteó que cantara nadie, mejor así". El nombre que seleccionan para el nuevo proyecto tiene un origen poco rockero: "De repente vino a la mente el nombre del Desguace de mi pueblo, en el que había siempre cabras encima de los coches". Su bautismo en directo se produce en la sala Ritmo y Compás. Poco tardarían en grabar, porque sólo un año después editan [disco slug="tripartit"]"Tripartit" (Autoproducido, 2008)[/disco], un compartido en el que participan junto a [grupo slug="decapante"]Decapante[/grupo] y [grupo slug="reznik"]Reznik[/grupo], este último, grupo en el que había militado Mayor. Los tres grupos implicados grabaron en los estudios Brazil de Javier Ortíz. Por esas fechas graban asistidos por Ramón [grupo slug="ginferno"]Ginferno[/grupo] y la ayuda al bajo de Mazinger Z, los temas que no verían la luz hasta algunos años después como [disco slug="desguace-beni"]"Desguace Beni" (Discos Fractales, 2010)[/disco]. La tirada se limitó a unas escasas 24 copias que incluían un libreto pequeño con fotos y permitió poner en funcionamiento el sello del que se encargaba Diana. ¿Formato inusual el de dúo sin cantante? Quizá. ¿Que cuál es la reacción habitual del público? "A veces bailan, a veces mueren", no dudan en responder. Tan sólo un año después repitirían grabación, en este caso en el Rock Palace, su campamento base y local de ensayo, asistidos por Iván Metaldono. Dejaron terminado en una sola mañana de mayo de 2011 el material con el que luego se edita [disco slug="vienen"]"...Vienen" (Discos Fractales, 2011)[/disco]. Ambientaciones campestres y fotos de nebulosas y observatorios astronómicos para el diseño de la información interior. ¿Indicaciones del interés del grupo por las cuestiones espaciales e interplanetarias que probablemente apoyen la teoría del carácter marciano de su encuentro? ¿Que desde cuando el interés por las naves? "Desde siempre", nos dicen, "desde que nos dejaron aquí". Donde quizás suenan más enérgicos es en el sencillo [disco slug="a-tumba-abierta"]"A Tumba Abierta" (Discos Fractales / Truco Espárrago / MeCagoenDios / Aaargh! / Odio Sonoro / It Lives in the Woods, 2012)[/disco] el primero en vinilo. El disco lo graba Screaming Mario Loco ([grupo slug="aerobitch"]Aerobitch[/grupo], [grupo slug="muletrain"]Muletrain[/grupo], [grupo slug="silla-electrica"]Silla Eléctrica[/grupo], [grupo slug="robo"]R.O.B.O.[/grupo]) en la mañana del sábado 17 de diciembre de 2011, y saldría editado en enero de 2012 con diseño gráfico de Héctor ([grupo slug="sudor"]Sudor[/grupo], [grupo slug="nueva-autoridad-democratica"]NAD[/grupo]) en el que se documenta el secuestro extraterrestre del cádaver de Pepe Risi ([grupo slug="burning"]Burning[/grupo]) desde su tumba. También tenía forma de observatorio o de faro la ilustración para la portada de su siguiente trabajo, [disco slug="mundo-pelaez"]"Mundo Peláez" (MeCagoEnDios / Discos Fractales / Aaargh!, 2012)[/disco], el siguiente sencillo. Lo grabaron en su local de ensayo del Rock Palace a finales de abril de 2012 con la ayuda de nuevo de Mario. Desde bien temprano se echaron a la carretera para tocar en pequeñas giras que montaban a través de contactos con amigos. Uno de ellos era David, responsable del sello Truco Espárrago, que resultó determinante a la hora de concretar algunas de sus visitas por Asturias. Amigo de Iñaki desde los 90, cuando éste militaba en una banda de grindcore llamada Denak, de Diana algo más tarde, por el 2005, cuando descubre Reznik (todavía en formato de cuarteto), la comunicación con el dúo madrileño es total. Consultado sobre la cuestión recuerda especialmente la de 2012 ,que les llevó por Oviedo y Avilés: "Al final del set, solían tocar una canción lenta en que se ponían a improvisar, Iñaki hacía disonancias con la guitarra (...) Cogió la guitarra y la tiró al suelo. Al día siguiente descubrió que la guitarra estaba rota, la arregló como pudo y en el concierto de Avilés pitaba y acoplaba constantemente. Fue un concierto brutal y con muchas risas, porque tocaban con otra gente con la que no tenían nada que ver; eran cantautores así en plan un poco atormentado, y llegaron estos tocando como una apisonadora". Para tocar, el dúo ha visitado una enorme variedad de escenarios posibles: un camping en Teruel, un chiringuito de la playa en Navia (Asturias), en la playa de Karraspio en Lekeito (Vizcaya), en la plaza mayor de El Puente de Sanabria (Zamora)... Su actividad además se ve afectada, con una menor frecuencia de conciertos, cuando les toca vivir en sitios diferentes, pero garantizan al menos una gira por año. Se han vuelto a encerrar en el local de ensayo para grabar nuevos temas recientemente con idea de preparar un LP compartido con [grupo slug="rollercoaster-kills"]Rollercoaster Kills[/grupo] constatando que el proyecto sigue con vida, con un ojo puesto en los cielos, eso sí, dispuestos para al avistamiento de cualquier objeto volante no identificado que les saque de aquí.

Bulto

February 25, 2017, 3:20 pm

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Bulto son una banda en la que nos encontramos a gente de formaciones como [grupo slug="avecrem"]Avecrem[/grupo], [grupo slug="uppercut"]Uppercut[/grupo], [grupo slug="das-chicho"]Das Chicho[/grupo] o [grupo slug="vozzyow"]Vozzyow[/grupo]. Un trío en el que nos encontramos a O Chicho (bajo, voz), Charli Gomes (guitarra y voz) y David Soprano (batería y voz). Empiezan en agosto de 2016, “cuando todo el país estaba de vacaciones”, Charli explica un poco el origen de la banda: “David y yo ya quedábamos de vez en cuando unos cuantos días para tocar, viciar, comer... Un día nos dimos cuenta que siempre nos sobraba comida así que le dije al Chicho que se viniera. Ahora la pota se nos ha quedado pequeña”. Charli anuncia el fin de Vozzyow: “Se pone fin a Vozzyow. Ahora mismo soy el único de la banda que toca solamente en Bulto. Chicho ha dejado aparcado Das Chicho para darle caña al dúo de reciente creación [grupo slug="esteban-&-manuel"]Esteban & Manuel[/grupo] y a [grupo slug="boyanka-kostova"]Boyanka Kostova[/grupo], y David sigue tocando con Uppercut y Avecrem. No descarto empezar algún otro proyecto, pero Vozzyow ya es cosa del pasado”. Dejándose llevar por todo tipo de influencias comienzan a tejer un sonido realmente intenso y contundente en el que nos encontramos con una marcada actitud punk y ecos metaleros, stoner y post grunge. Un sonido que puede remitir por momentos a Melvins o Ty Segall, incluso a [grupo slug="diola"]diola[/grupo], [grupo slug="bala"]Bala[/grupo] o [grupo slug="cuchillo-de-fuego"]Cuchillo de Fuego[/grupo], si tiramos para casa. Pronto llega su primera referencia, el cassette [disco slug="supermercados-buitre"]“Supermercados Buitre” (La Melona / Discos de Arena / Edicións na Brétema, 2017)[/disco]. Siete cortes grabados y mezclados por David Quintas en Xílgaro Estudios, y masterizados en Sountess por Pablo Peiró, en los que no dan tregua. Un ejercicio que desprende energía, explosiones rock-metaleras y mucha rabia, crítica y humor. En las letras percibimos una actitud muy punk y explícita… “¿Quieres metal para siempre? / ¿Quieres mi polla en tu frente?” (“Gangón”), “¿Crees que soy un estanco?” (“Supermercados Buitre”), “Tengo un vacío interior / un bulto en el pantalón” (“Apetito”). Con respecto a las letras Charli apunta que “me gusta pensar que son el prototipo de canción protesta del siglo XXI. Pero es lo de siempre, cada uno entiende lo que quiere. Al final lo único que consigo es que mis colegas me canten ‘¿Tengo cara de estancooooo?’ cada vez que les pido un piti (risas)”. Chicho apunta que se trata de “sarcasmo hacia las cosas que nos rodean. Un poco como cuando dices algo medio de coña medio en serio, pero bueno que cada uno entienda lo que quiera”.

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Nelo

March 1, 2017, 12:31 pm

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Otro cantante sesentero de la cantera zaragozana con la particularidad de que, a diferencia de sus paisanos contemporáneos, él evoluciono desde unos inicios de rocker a una carrera de cantante melódico. Fernando Losada García nació en 1943, estudió, se colocó en un banco (no de los de los del parque sino de los que manejan pasta) y se vio obligado, como toda su generación, a hacer la mili. Fue precisamente durante su servicio militar cuando varios compañeros le animaron a cantar en concursos. En abril de 1962 logró ganar el certamen La Casera que se celebró en el teatro Argensola de Zaragoza, embolsándose 5.000 pesetas. De ahí pasó a “Plataforma de Estrellas”, que Radio Zaragoza retransmitía cada domingo. Su siguiente etapa fue el  programa radiofónico “Cabalgata Fin de Semana”, el más prestigioso programa musical en directo de Radio Madrid. En aquellos años, su repertorio se basaba fundamentalmente en canciones rítmicas italianas, muchas de ellas covers del rocker transalpino Adriano Celentano. Ya liberado de sus deberes militares se lanza a una carrera musical mal vista por su familia y entorno. Su primer contrato profesional lo cumple en la sala Pigalle de Zaragoza. En 1964 va a vivir durante unos meses a Barcelona junto a su gran amigo, el también cantante zaragozano, Baby, actuando en la sala Kit Kat de la Ciudad Condal. De nuevo en  Zaragoza, el manager de Raphael, Paco Gordillo, se interesa en él y le propone viajar a Madrid. Siempre con Baby al lado, un auténtico hermano en palabras de Nelo, se establece momentáneamente en Madrid, concretamente en una residencia de estudiantes de la calle Serrano. Gordillo y Manuel Alejandro le presentan a los hermanos García Segura, importantes compositores que en esos momentos se hallaban en proceso de fundación de un nuevo sello discográfico. Bajo su batuta graba su primer disco, de claro corte melódico, alejándose un buen trecho de sus pretensiones rockeras. Se pone a la venta [disco slug="leccion-de-buen-amor-tqm-te-alejas-drink-surf"]“Lección de Buen Amor / TQM / Te Alejas / Drink Surf” (Tempo, 1965)[/disco] con arreglos y dirección orquestal de Gregorio García Segura –Greg Segura-. Poco después aparece un nuevo EP: [disco slug="luto-cuatro-puntos-mil-anos-vidas-iguales"]“Luto / Cuatro Puntos / Mil Años / Vidas Iguales” (Tempo, 1966)[/disco]. Ninguno de sus dos discos alcanzó ventas relevantes, aunque le valió para actuar con regularidad en la capital y para presentarse en septiembre de 1965 en el programa televisivo “Sábado 65”, donde coincide con otro cantante melódico de su tierra, José María Dalda, obteniendo ambos alguna crítica favorable. Tempo  lo inscribe en el Festival de Benidorm para defender el tema “Tú” de los hermanos García Segura. Ya es sabido que en esos años cada canción era defendida por dos artistas. Sus compañeros, también pertenecientes a Tempo, fue el grupo cántabro [grupo slug="los-astros"]Los Astros[/grupo]. Alcanzaron el segundo puesto tras la ganadora, Alicia Granados por delante de cantantes más rodados. Esta buena prestación festivalera dio pie a un curioso single: [disco slug="tu"]“Tú” (Tempo, 1966)[/disco] en la que esa canción aparecía interpretada en una cara por Nelo y en otra por Los Astros. En 1967, Tempo quiebra económicamente y deja huérfanos a sus artistas. Se termina de esta manera la carrera discográfica de Nelo, pero en absoluto terminó su carrera musical. La quiebra le pilla actuando en la sala Biombo Chino de Madrid y en aquella sala se encontraba actuando el ballet femenino “High Society Show” en el que se enroló como cantante recorriendo buena parte de Europa y Asia durante más de diez años. Después la casualidad le llevó hasta Tenerife donde fue para actuar y acabó contratado indefinidamente para dirigir musicalmente uno de los grandes hoteles de la isla. De ahí pasaría al Casino de Torrequebrada en Málaga dedicado a funciones similares. Allí se retiraría del mundo de la música ya en los primeros años del siglo XXI. Nelo apenas dejó grabadas nueve canciones en las que demostró poseer una buena voz que debió poner al servicio de composiciones en general muy flojas y sin posibilidad ninguna de triunfar a escala nacional.  

Marichela

March 3, 2017, 12:24 pm

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Una cantante más de las que formaron parte del batallón de chicas ye yé. Unas chicas que propulsaron un cambio social en la España del desarrollismo económico de los 60 y de paso contribuyeron a la cimentación de un pop basado en modelos extranjeros, pero con características autóctonas propias, que aquí llamamos simplemente ye yé. María del Carmen Torres Ballester, que adoptó el nombre artístico de Marichela nació en Turis (Valencia) el 16 de noviembre de 1947. Una jovencita rubia que tuvo una efímera carrera musical de la que han quedado pocos vestigios. La revista Fans le dedicó un minireportaje por el que sabemos que desde niña había estudiado música, le gustaba mucho la playa, era aficionada a los toros, comenzó a cantar en festivales colegiales y había tenido alguna agarrada con las orquestas de turno que la acompañaban debido a los pocos ensayos con los que debía salir al escenario y su afán perfeccionista, lo que le había granjeado una cierta fama de arisca. En aquella época, pocas cantantes tenían conjunto propio y cuando hacían algún “bolo” debían amoldarse al conjunto u orquesta de baile que amenizase aquella función. En el mejor de los casos en una mañana debían ensayar toda la actuación y eso propiciaba a menudo fallos indeseados y que al final casi todas las chicas ye yé cantaran en público las mismas canciones. El año de Marichela fue 1966. Dejó grabados dos discos, apareció en un programa de televisión, recibió la atención de alguna revista especializada, actuó bastante y…se evaporó. A partir del siguiente año nada encontramos sobre ella. Su primer disco tiene raíces italianas: [disco slug="ninguno-me-puede-juzgar-una-casa-encima-del-mundo-el-y-ella-concierto-para-enamorados"]“Ninguno me Puede Juzgar / Una Casa Encima del Mundo / Él y Ella / Concierto para Enamorados” (Marfer, 1966)[/disco]. Canciones todas ellas que habían sido grabadas por otras voces de la época: [grupo slug="karina"]Karina[/grupo], [grupo slug="rosalia"]Rosalía[/grupo], [grupo slug="licia"]Licia[/grupo], etc. Muy poco después aparece su segundo vinilo: [disco slug="prueba-una-vez-profesor-bang-bang-hierba-verde"]“Prueba una Vez / Profesor / Bang Bang / Hierba Verde” (Marfer, 1966)[/disco]. También en su mayoría temas de repertorio. Este segundo disco  presenta instrumentaciones más trabajadas que en el anterior. También tuvo mayor repercusión sin llegar ni de lejos a constituir un éxito a escala nacional. A pesar de eso, Marfer no renovó al año siguiente su contrato. La escucha de sus discos nos muestra una voz aguda bien afinada cargada de dinamismo, absolutamente dentro de su época con acompañamiento de un conjunto moderno de fuerte preponderancia rítmica y algún coro escueto. Todo ello de agradable escucha y propicio para el baile. Una más de lo que hemos venido llamando las ye yé desconocidas, que tanto abundaron en la España de mediados de los 60 y que estuvieron condenadas de antemano a interpretar y grabar en castellano covers procedentes de Italia y Gran Bretaña para competir en un mercado saturado de productos similares.    

Sutura

February 14, 2017, 2:00 pm

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Si bien es cierto que tras la intensidad con la que se vivieron los 80 en el País Vasco muchas de las bandas nuevas decidieron orientar su punk apuntando hacia otros derroteros, en una especie de acto reflejo para combatir el posible hastío de seguir en las mismas coordenadas, hubo cuadrillas de amigos que sin embargo, a la hora de tocar, se dejaron llevar por la impronta que la música de [grupo slug="la-polla-records"]La Polla Records[/grupo], [grupo slug="rip"]RIP[/grupo] o [grupo slug="cicatriz"]Cicatriz[/grupo] deja en ellos. Algo así les debió de ocurrir allá por el año 1995 en uno de los distritos de Pasajes -Pasaia- (Guipúzcoa), Trincherpe -Trintxerpe- al grupo que se formó a partir de dos bandas que ensayaban compartiendo local. Al proyecto que surge de la fusión entre ambas deciden llamarle Lepra, aunque pasaría poco tiempo antes de que se dieran cuenta de que dicho nombre ya había sido utilizado antes. Deciden entonces cambiarselo por Sutura Leve. Son un quinteto: Anartz (voz), Alberto (batería), Iban (bajo), Antxón (guitarra) y Jon (guitarra), y no empezarían en serio hasta 1997, momento en el que además deciden acortar el nombre del grupo para dejarlo en Sutura a secas. Su primera actuación la darían en The Cave, un local en el que también terminarían ensayando. La primera grabación la realizaron en 1999; se trataba de una maqueta para lo que fueron a Rentería asistidos en las cuestiones técnicas por Jorge Reboredo y en la que sorprenden con una docena de temas contundentes y enérgicos. El medio millar de copias de la cinta se agotarían en un santiamén, aunque sus seguidores tendrían ocasión de hacerse con ella en la reedición en CD que saca el grupo mucho después, con motivo de los 10 años de existencia [disco slug="maketa"]"Maketa" (Autoproducido, 2009)[/disco]. El CD salió acompañando a un fanzine de unas 40 páginas titulado "10 Años Haciendo el Imbécil" y su presentación se celebró con un concierto en la plaza de Los Gudaris de Trintxerpe de julio de 2009 aprovechando las fiestas patronales. Para el disco de debut, [disco slug="dios-esta-en-todas-partes"]"Dios Está en Todas Partes" (Autoproducido, 2001)[/disco], repiten la manera de trabajar que habían seguido para la maqueta. El resultado sería el que, a juicio del propio grupo, además de confirmar el proyecto, terminaría siendo pieza angular en la discografía de Sutura. En su estreno, en el que se prescindía de lo presentado en la maqueta, abundan los momentos trepidantes en los que los coros y la posibilidad de contar con dos guitarras jugaban un papel determinante. Tras la edición del disco Alberto se va a Galicia por cuestiones laborales, teniendo así que dejar la banda. En su sustitución entraría Billa. Aunque la línea a seguir no estaba predefinida, más allá de que se pretendía hacer punk tal cúal saliera, el grupo añade a sus influencias la de grupos ingleses como 999, Adicts, UK Subs... Precisamente en el 2004 tocarían en la sala Mogambo con estos últimos en su visita a San Sebastián. La siguiente entrega sería el disco [disco slug="luchar-y-beber"]"Luchar y Beber" (Ohiuka, 2005)[/disco] que grabaron en marzo de 2005 en el Estudio 77 de Jorge Reboredo. Portada de guerrillero con pasamontañas con fusil, y efectivamente combinación de temas referentes a la juerga con los que implican la llamada a la lucha en los más diversos frentes. El disco lo edita el grupo, pero es Ohiuka el sello que se encarga de distribuirlo. Precisamente la compañía es la que les pone problemas con dos temas que traía la grabación original ("Jose Miguel" y "Arde España"). Implicados en una denuncia por el contenido de una colaboración con el diario Egin, los responsables de la compañía les dijeron a los miembros de Sutura que la única manera de incluir las dos canciones de marras es que firmen algún tipo de documento eximiendo al sello de cualquier responsabilidad en caso de denuncias. El grupo no acepta las condiciones y las canciones terminarían viendo la luz en un recopilatorio que prepara el fanzine Reyerta. La misma publicación es la que se encargaría de editar una actuación que el grupo da en directo en 2006 en Añorga (San Sebastián). [disco slug="directo-en-anorga"]"Directo en Añorga" (Reyerta, 2006)[/disco] ve la luz en enero de 2006 presentando temas del disco recién editado y alguno de la primera maqueta como "A la mierda". De igual manera, unos cuantos años después se edita en DVD el concierto que dio Sutura junto a [grupo slug="apurtu"]Apurtu[/grupo] en el festival de Lasarte - Oria (Guipúzcoa). Ritxi Aizpuru, principal valedor de la banda en el sello Oihuka, fue asimismo el que les ofrece la edición de su nuevo trabajo desde Baga Biga. [disco slug="suenos-podridos"]"Sueños Podridos" (Baga Biga, 2010)[/disco] se grabó en marzo de 2010 en los Hell Division - Iron Batasuna de San Sebastián. Reincidentes en cuestiones divinas, ahora hablaban, no de que Dios estuviera en todas partes sino que estaba muerto. El disco incluía los que llegarían a ser grandes momentos del repertorio de Sutura, que como M.C.D. hacía con el Athletic de Bilbao, no dudaban en mostrar su condición de seguidores del club de fútbol de la Real Sociedad, haciendo versión de su himno. Para la presentación del disco la formación de la banda ha experimentado una nueva sustitución, en este caso a una de las guitarras, ya que Endika entra para cubrir la baja de Ion. Dicen haber salido a tocar fuera de Euskadi menos de lo que hubieran deseado pero aún así cuentan en su haber con el viaje que hicieron para tocar en Manchester. La aventura inglesa resultó una grata sorpresa: "Fue bastante raro todo, íbamos a tocar un concierto y acabamos tocando dos, uno en un pub y otro en la sala de una casa de estudiantes creo. Una puta locura, pero fue insuperable", recuerdan. Al cumplirse los 15 años de existencia de la banda, deciden celebrar la ocasión con la edición de un recopilatorio en el que se incluyen temas de sus trabajos previos. [disco slug="15-anos-de-sutura"]"15 Años de Sutura" (Autoproducido, 2012)[/disco] sale en enero de 2015, acontecimiento del que se hace eco la prensa local, como por ejemplo El Diario Vasco, que publica una entrevista con el grupo. Uno de los puntos fuertes de la banda es precisamente la puesta en escena, en la que Anartz juega un papel destacado por su actitud desenvuelta y descarada en el que se aprecian rasgos de monstruos del escenario como Evaristo de La Polla Records. Ese potencial en la primera línea ante el público es algo que también supo apreciar por ejemplo un grupo como Motorsex, cuando pusieron en marcha en 2012 un grupo tributo a los Sex Pistols con ocasión del Izar & Star organizado por Jerry, periodista de Radio Popular. Al cantante de Sutura le conocían desde el principio de Sutura de haberlo tenido como seguidor número uno en los conciertos que daba [grupo slug="mcd"]M.C.D.[/grupo] por Guipúzcoa. Su caracterización de las maneras de Johnny Rotten resultó todo un acierto. En febrero de 2013 repiten como teloneros de UK Subs y Adverts cuando tocaron en la capital donostiarra, y en mayo se emparejaron en el mismo cartel con Vibrators. En julio de 2014 graban en Ijitu Baita, en Oyarzun (Guipúzcoa), nuevo material, con Ion de Odio y el propio Endika al mando de las cuestiones técnicas. Masterizado poco después, en septiembre, en los Corsario estudios de San Sebastián, Sutura repiten con [disco slug="heroes-de-mierda"]"Héroes de Mierda" (Potencial Hardcore, 2014)[/disco] editado en esta ocasión por el sello vallecano Potencial Hardcore. El nuevo disco de los vascos venía plagado de temas en los que se celebra el continuar en la brecha, aunque sea para lamentar la pasividad de los hippies ("sal a la calle y ve la realidad / tú que vienes hablando de paz y libertad") en un mundo en el que se bombardean paises por culpa del petróleo. Prueba evidente de que la de Sutura es, principalmente, una carrera de fondo, es la vuelta a la actividad tras haber parado para poner a punto a Alberto, tras su vuelta a las baquetas. En 2017 regresan a los escenarios para aparecer en el United Sounds celebrado en la plaza de Oyarzun y en otro concierto en Irún.

Ki

March 9, 2017, 10:39 am

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Iñaki López es un valenciano residente en Vilachá (Monfero, A Coruña) que si por algo se caracteriza es por ser su incesante actividad. Iñaki es compositor musical y luthier electrónico, participa en otros grupos como [grupo slug="cuerpo-astral"]Cuerpo Astral[/grupo] o [grupo slug="os-gru"]Os Gru[/grupo], y también actúa con los instrumentos que él mismo construye bajo el nombre de [grupo slug="dio3stu"]dio3stu[/grupo]. Con Ki Iñaki pone en marcha un proyecto que se mueve entre el rap y el trap, todo ello aderezado con toques electrónicos. En febrero de 2017 llega su primera entrega, el disco [disco slug="halakini-vikisani"]"Halakini Vikisani" (Ferror Records, 2017)[/disco]. Ocho cortes cargados de realismo y surrealismo, de humor y crítica de una realidad y de una sociedad llena de contradicciones, postureo y materialismo. En sus letras habla de su vida en la aldea, del día a día, del respeto entre las personas, y de mil cosas que son todo lo importante y lo nada importante. Mayoritariamente cantadas en gallego y castellano, incluye expresiones portuguesas, catalanas e inglesas y todo un lenguaje inventado en base al potencial fonético y las cadencias melódicas propias de la cultura hip hop. Algo que deja claro en canciones como la homónima  "Halakini vikisani"... "jandili mali sismilijali sasino vi jisinu halakini vikisani / pulicusini viniquitani filiquitindi kindilimi militini kiti sami / estoy michelini cunta quitrini / que me he subido fantasnimi quiLisiLi tulifini / vamos despacio que hay mucho cacho / tinimisali qui ti mini chiliquili no hago caso... eu non falaba tiven que aprender / puna kitani kalo ni ke che / se ti me chamas i will be the first ".  

Albert Batiste

March 15, 2017, 3:00 pm

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A pesar de la corta vida de [grupo slug="Grup-de-Folk"]Grup de Folk[/grupo], dicha agrupación fue uno de los movimientos culturales más importantes de la música catalana en toda su historia compartiendo como claro objetivo que la música debería de ser un camino para la liberación social. Siempre puesto en contraposición con el colectivo más afrancesado y más cercano a las élites políticas catalanas de la época como era [grupo slug="Els-Setze-Jutges"]Els Setze Jutges[/grupo], en Grup de Folk la importancia no recae tanto en el apartado creativo y compositivo, sino en acercar al pueblo el folclore local. Además su mayor influencia provenía de los cantautores estadounidenses como Bob Dylan, Pete Seeger, Peter, Paul & Mary o Woody Guthrie. Uno de los fundadores de Grup de Folk fue Albert Batiste Triadó nacido en Barcelona en 1946. Cuando era estudiante universitario participa en la Capuchinada del 9 y 11 de marzo de 1966 –llamada así porque se produjo en el convento de los capuchinos en el barrio de Sarriá- donde se funda el Sindicato Democrático de Estudiantes de la Universidad de Barcelona del cual Albert fue delegado en la Escuela de Arquitectura. Allí organiza diversas actividades culturales y en una de ellas, en unas prácticas de dibujo en la academia Baixas más concretamente, se da el primer paso para la creación de Grup de Folk. Por aquellos años forma junto a su hermano [grupo slug="Jordi-Batiste"]Jordi[/grupo] y su primo Xavier Triadó el grupo [grupo slug="Els-3-Tambors"]Els 3 Tambors[/grupo]. Con esta formación edita dos trabajos destacando sobre todo el primero, [disco slug="romanco-del-fill-de-vidua-canco-del-noi-dels-cabells-llargs-mati-sha-parat-un-rellotge"]"Romanço del Fill de Vídua / Cançó del Noi dels Cabells Llargs / Matí / S'ha Parat un Rellotge" (Belter, 1966)[/disco], un notable microsurco donde sobresale la adaptación libre que hacen del "Tombstone blues" de Bob Dylan y el tema "Cançó del noi dels cabells llargs" que se convertiría en un himno de la época. Participa en el primer LP de Grup de Folk, [disco slug="Festival-Folk"]"Festival Folk" (Als 4 Vents, 1967)[/disco], en el que canta la adaptación que [grupo slug="Pau-Riba"]Pau Riba[/grupo] había hecho de la canción de Bob Dylan "The girl from the north country" mientras que él adapta y canta otro tema del cantante de Minnesota "The times they are a-changin'". En esa misma época graba el que sería su único trabajo en solitario el sencillo [disco slug="una-llarga-processo-deixam-restar-amb-tu-no-et-serveixo"]"Una Llarga Processó / Deixa'm Restar Amb Tu / No Et Serveixo" (Als 4 Vents, 1968)[/disco] en el que Albert se hace acompañar de su hermano al bajo, Amadeu Bernadet ([grupo slug="Falsterbo-3"]Falsterbo 3[/grupo]) al piano, y Joan Antoni Caballero a la batería. La portada fue obra de Alexandre Vivar. Una vez disuelto Grup de Folk forma el grupo [grupo slug="Miniatura"]Miniatura[/grupo] junto al madrileño José Manuel Brabo, Cachas, [grupo slug="Jaume-Sisa"]Jaume Sisa[/grupo] y Pau Riba. Un proyecto colectivo bajo cuyo nombre editan un disco, pero no como grupo, sino como suma de propuestas individuales: una canción compuesta e interpretada por cada uno de ellos. La de Albert es "Noia (queda't amb mi)". Ese mismo año compone un par de temas para el LP de debut del grupo [grupo slug="Els-Sapastres"]Els Sapastres[/grupo]: "Qué tristes tienes los ojos" y "Después de marcharte tú". Junto a los exMiniatura Sisa y Cachas a los que se suma Selene forma el grupo [grupo slug="Musica-Dispersa"]Música Dispersa[/grupo] con los que únicamente graba un LP, el homónimo [disco slug="musica-dispersa"]"Música Dispersa" (Diábolo, 1970)[/disco]. Un disco realmente singular y rompedor para la época que fue referencia para toda la música progresiva posterior. A día de hoy es un auténtico álbum de culto. Poco después participa en dos de los discos más importantes que se editan en esa época, el [disco slug="Dioptria-2"]"Dioptria 2" (Concéntric, 1970)[/disco] de Pau Riba y el [disco slug="Orgia"]"Orgia" (Als 4 Vents, 1971)[/disco] de Jaume Sisa. También participa en el álbum [disco slug="un-gran-dia"]"Un Gran Día" (Als 4 Vents, 1972)[/disco] del proyecto que su hermano Jordi había montado con [grupo slug="Ia-Clua"]Ia Clua[/grupo] ([grupo slug="Dos-Un"]Dos + Un[/grupo]) tras su paso por [grupo slug="maquina"]Máquina![/grupo]. Tras esto se une al grupo [grupo slug="slo-blo"]Slo Blo[/grupo], un grupo country-rock en el que coincide con uno de los máximos exponentes de la rumba años después como fue el [grupo slug="gato-perez"]Gato Pérez[/grupo]. Participa en la noche de final de año de 1974 en la sala Zeleste que da paso a la fundación del grupo [grupo slug="Orquestra-Plateria"]Orquestra Plateria[/grupo] con los que graba su primer trabajo el homónimo [disco slug="Orquestra-Plateria"]"Orquestra Plateria" (Edigsa, 1978)[/disco] donde compone el tema "Para Cecilia". Ese mismo año deja el grupo y la música para trasladarse a trabajar a Sevilla. Las últimas noticias suyas en lo musical es su participación en la grabación del álbum de Sisa junto a Pascal Comelade [disco slug="visca-la-llibertat"]"Visca la Llibertat" (Virgin, 2000)[/disco] con el que el cantautor galáctico volvía a su tierra.